Article mis en avant

Élisabeth Lacoin. Les traces vivantes du Chatfoin. Introduction et plan de l’exposition

La figure et l’existence d’Élisabeth Lacoin (1907-1929) sont aujourd’hui connues grâce à sa longue amitié avec l’écrivaine et philosophe féministe Simone de Beauvoir (1908-1986). Cette dernière trace un portrait émouvant, chaleureux et ébloui de sa meilleure amie dans les Mémoires d’une jeune fille rangée, parues en 1958, sous le nom d’Élisabeth Mabille. C’est le décès d’Élisabeth, dite Zaza, qui clôt ce premier tome autobiographique, à tel point que l’on peut s’interroger sur le titre de ce volume et sur l’importance accordée à cette jeune fille de la bonne bourgeoisie du Sud-Ouest par Beauvoir.

C’est sous un angle autre que nous envisageons Zaza dans cette exposition. Nous souhaitons mettre en lumière ses propos, à travers des extraits de sa correspondance et de son journal intime, ainsi que des images de son existence. Notre but est de montrer Zaza, qui signe ses lettres familiales « votre chatfoin », en vie, avec son humour – son orthographe personnelle de « chafouin » en témoigne -, ses passions (son violon, l’auto qu’elle conduisait, ses études, ses lectures), son envie de secouer les cadres de son éducation, mais aussi ses hésitations, ses difficultés à entrer dans sa vie d’adulte, donc à se détacher de son amour pour sa mère et pour sa grand-mère maternelle, afin d’être elle-même. Cette indépendance mentale et spatiale lui sera refusée par son brusque décès, le 25 novembre 1929, d’une encéphalite infectieuse, c’est-à-dire une méningite très grave.

Mais auparavant, il y a eu beaucoup : la vie quotidienne à Paris ; l’existence, toujours en famille, dans différents points du Sud-Ouest (Aire-sur-l’Adour, Biarritz, Dax, Lourdes) ; les voyages familiaux en Italie ; un voyage raté en Auvergne ; les séjours en Ardèche, chez son amie Geneviève de Neuville ; le départ imposé par sa mère en Allemagne, entre novembre 1928 et février 1929. C’est à ces alternances France/étranger que nous vous convions, avec Zaza comme guide, en ces presque trente premières années du vingtième siècle.

Affiche de l’exposition

Introduction et plan de l’exposition

Chronologie simplifiée de Zaza

Chronologie des voyages présentés dans l’exposition

Arbre généalogique de Zaza simplifié

Interview d’Anne-Marie Taupin, présidente de l’Association des amis d’Élisabeth Lacoin

La vie à Paris – Famille, amitiés, musique, scolarité. 1908-1929

1) Paris, la vie du quotidien

2) Landes-Paris, lettre à son père, 31 mars 1921

3) Paris-Landes, lettre à Anmé, 28 mai 1921

4) Paris-Landes, lettre à Bonne-Maman, 19 mars 1922

5) Paris-Landes, lettre à Anmé, 24 octobre 1922

6) Au Bois de Boulogne, juin 1928, en barque avec…

7) Retour d’Allemagne, 1929

8) Le porte-cartes de Zaza, s.d.

Italie – La beauté des paysages est infinie. 15 avril – 04 mai 1922

1) Lettre à ses grand-mères, 15 avril 1922

2) Lettre à ses grand-mères, 19 avril 1922

3) Lettre à ses grand-mères, 25 avril 1922

4) Carte de Capri à Bonne-Maman, 30 avril 1922

5) Carte de Rome à Bonne-Maman, 1er ou 2 mai 1922

6) Carte de Gênes à Bonne-Maman, 3 mai 1922

Auvergne – Pluvieuse contemplation. Juin 1924

1) Carte du Lac Pavin à Bonne-Maman, 8 juin 1924

2) Carte de Besse à Anmé, 11 juin 1924

Le Sud-Ouest – L’ABC de la famille. 1908-1929

1) Aire-Gagnepan, en famille avec Simone, 1927, 1928

2) Barroilhet, le cousinage, 1926

3) Bayonne, l’origine, 1924, 1929

4) Biarritz, filer l’eau de la tristesse, 1926

5) Cauterets, les randonnées, 1924

6) Dax-Haubardin, joies et colères, 1926, 1928

7) Lourdes, 1922, 1926

Ardèche – L’amie bien-aimée. Septembre 1925

1) Lettre aux enfants de Neuville, 12 septembre 1925

2) Photographies du Pont, s.d.

3) Lettre à sa mère, 21 septembre 1925

4) Photographies d’Ardèche, septembre 1925

Allemagne – Une Française à Berlin. 10 novembre 1928 – 2 février 1929

1) Carte postale à Anmé sur le chemin vers Berlin, 10 novembre 1928

2) Lettre à Marie-Thérèse, 24 novembre 1928

3) Lettre à Geneviève, 5 décembre 1928

4) Lettre à sa mère, 22 décembre 1928

5) Télégramme à sa famille, 24 décembre 1928

6) Carte postale à Marie-Thérèse, 27 décembre 1928

7) Les Lettres de Mozart, s.d.

8) Carte postale à Germaine, 31 janvier 1929

9) Le Sachs-Villatte, s.d.

Dactylographie des documents

1) Dactylographie Paris

2) Dactylographie Italie

3) Dactylographie Auvergne 

4) Dactylographie Sud-Ouest

5) Dactylographie Ardèche

6) Dactylographie Allemagne

Conclusion

Remerciements

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Élisabeth Lacoin. Les traces vivantes du Chatfoin. Introduction et plan de l’exposition », Voyages autour de mon cerveau, mars 2022. URL: https://vadmc.hypotheses.org/?p=3873

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. ISSN : 2729-3092

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Image mise en avant VADMC

Voyages autour de mon cerveau

Il s’agit de créer un carnet de recherche sur des thématiques qui me tiennent à cœur, autour de l’analyse de la condition féminine à travers l’espace et le temps :

  • les études de genre
  • l’histoire des femmes
  • Simone de Beauvoir
  • les récits de voyage
  • la littérature jeunesse
  • la bande dessinée
  • l’histoire des arts
  • le cinéma
  • les feuilletons télévisuels
  • la chanson.

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. ISSN : 2729-3092

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Protection des enfants Higelin, Renaud VADMC

Protéger les enfants : Higelin, Renaud

Il arrive que certains hommes hétérosexuels cassent les clichés sexistes et s’intéressent au sort des enfants. Les chanteurs français Jacques Higelin et Renaud dénoncent ainsi les maltraitances subies par les enfants de par le monde et en France, soit avant, soit après l’adoption de la Convention des droits de l’enfant par certains pays, dont la France (Source : UNICEF https://www.unicef.fr/convention-droits-enfants/) :

La Convention internationale des droits de l’enfant (CIDE), ou Convention relative aux droits de l’enfant, est un traité international adopté par l’Assemblée générale des Nations Unies le 20 novembre 1989. (…)  Les 54 articles de la Convention énoncent que chaque enfant a : (…)

  • le droit d’être protégé de la violence, de la maltraitance et de toute forme d’abus et d’exploitation
  • le droit d’être protégé contre toutes les formes de discrimination
  • le droit de ne pas faire la guerre ni la subir
  • le droit d’avoir un refuge, d’être secouru, et d’avoir des conditions de vie décentes (…)

Trois protocoles facultatifs ont été ajoutés au texte principal :

  • Le premier vise à protéger les enfants contre le recrutement dans les conflits armés. (…)

Être enfant devrait être un espace-temps de rêve et de joie. Ce qui n’est pas le cas de ceux de  « Mon beauf » (Le Retour de Gérard Lambert, 1981), chantés avec ironie par Renaud :

Mais c’est pas une affaire vu que c’t’un sacré pauv’ mec

Mon beauf

Mon beauf

Il lui a fait quat’ gosses pour toucher les alloc’

Lui fait l’coup d’la nuit d’noces, dès qu’elle est plus en cloque

Cet espèce de trou du c’, qu’a fait dix ans d’Légion

Ses mômes, il les éduque à grands coups d’ceinturon

Le jour où les cons iront pointer

On l’verra au bureau d’embauche

Mon beauf

Le beau-frère du narrateur est non seulement un profiteur du système social, qui en a tous les avantages et aucun inconvénient (les grossesses à répétition), mais c’est également un père violent, conséquence logique de son passé de militaire. Le chanteur s’amuse, dans cette chanson, à accumuler les clichés de la masculinité traditionnelle, qu’il dédie à un des personnages-types du dessinateur de gauche Cabu (« Il est devenu mon beauf, un beauf à la Cabu »), pour mieux en faire ressortir l’horreur et le danger.

Quatre ans plus tard, c’est au tour de Jacques Higelin d’alerter, en chantant avec des chœurs enfantins, des périls encourus par les enfants confrontés aux guerres, où ils peuvent être enrôlés de force (« La croisade des enfants », , 1985) :

Dans le ventre de l’univers

Des milliards d’étoiles

Naissent et meurent à chaque instant

Où l’homme apprend la guerre à ses enfants

J’suis trop petit pour me prendre au sérieux

Trop sérieux pour faire le jeu des grands

Assez grand pour affronter la vie

Trop petit pour être malheureux

Le chœur d’enfants répond au chanteur en soulignant sa fragilité et son besoin d’être heureux. Higelin, de son côté, passe de l’infini du ciel indifférent aux dégâts provoqués par les hommes, notamment sur les enfants. Le chanteur émet le souhait que tout cela cesse :

Verra-t-on enfin les êtres humains

Rire aux larmes de leurs peurs

Enterrer les armes, écouter leur cœur

Qui se bat, qui se bat pour la vie ?

J’suis trop petit pour me prendre au sérieux

Trop sérieux pour faire le jeu des grands

Assez grand pour affronter la vie

Trop petit pour être malheureux

L’expression « êtres humains » ici montre bien que Higelin parlait uniquement des mâles dans le couplet précédent, pointant l’aspect genré masculin de la violence. Le chanteur nous invite, femmes et hommes, au pacifisme et au bonheur, loin des angoisses existentielles qui conduisent à la haine et aux conflits armés. Bonheur adulte qui comprend celui des enfants, puisque le refrain nous rappelle qu’ils ont le droit d’avoir de bonnes conditions de vie.

Six ans après Higelin, Renaud file la métaphore du racisme sportif dans « 500 connards sur la ligne de départ » (Marchand de cailloux, 1991) :

Passe la caravane

Et les chiens n’aboient plus

Sous les roues des bécanes

Y a du sang répandu

Celui des quelques sauvages

Qu’ont voulu traverser

Les rues de leurs villages

Quand vous êtes passés

Comme des p’tits Rommel

Tout de cuir et d’acier

Crachant vos décibels

Aux enfants décimés

Cinq cents connards sur la ligne de départ

Cinq cents guignols dans leurs bagnoles

(…)

Combien d’années enfin

Ces bœufs sponsorisés

Prendront l’sol africain

Pour une cour de récré

(…)

Le chanteur s’insurge contre le colonialisme de cette compétition sportive (qui existe toujours en 2024, rappelons-le). Les sportifs n’ont aucune conscience écologiste, polluant à tout va avec leurs voitures (bruit, odeur, essence souvent diesel). En outre, ils, puisque ce sont uniquement des hommes, sont des racistes meurtriers, qui s’amusent, à bord de leur voiture, à voyager sur une terre qui n’est pas la leur, sans aucun frein ni le consentement des habitant·es, qu’ils tuent à tout va, d’où la référence au dignitaire nazi Rommel. Ce militaire a livré bataille contre les Britanniques sur le continent africain pendant la Seconde Guerre mondiale, les Africain·es étant pris en otage par les Européen·nes, selon les lois habituelles de la colonisation.

Parmi les Africain·es tué·es par les Européens du Paris-Dakar, des enfants : deux en 1988, deux ans avant la sortie du disque de Renaud, une en 2005 (Source : https://www.francetvinfo.fr/sports/automobile/le-rallye-dakar-a-fait-62-morts-depuis-sa-creation_201927.html) D’après les paroles de la chanson, les sportifs ne manifestent aucun chagrin d’avoir tué, et continuent à jouer avec la planète et ses habitant·es, hors de chez eux, bien entendu. Cette absence de conscience et ce manque d’intelligence primitive conduit Renaud à assimiler les sportifs à des « bœufs », c’est-à-dire à des « beaufs », si nous suivons la consonance, ainsi que le parcours de Renaud, qui a donc chanté la description du « beauf à la Cabu » dans la chanson sus-citée.

Ainsi, Renaud et Jacques Higelin, dans un délai de dix ans, ont chanté leur appui aux enfants malheureux, dans une dénonciation de la guerre et des maltraitances. Des chansons à ressortir au vingt-et-unième siècle ?

 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Protéger les enfants : Higelin, Renaud », Voyages autour de mon cerveau, octobre 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/17676

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. ISSN : 2729-3092

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 À la recherche de l’homme parfait : I’m Your Man

Les recherches contemporaines sur l’intelligence artificielle permettent de nombreuses avancées scientifiques. Et si ces nouveautés s’étendaient au domaine privé, hors appareils ménagers ultra-connectés ? C’est ce qui se passe dans I’m Your Man (Maria Schrader, Ich bin dein Mensch, 2021), où la chercheuse berlinoise en langues moyen-orientales Alma (Maren Eggert) accepte d’héberger un robot à apparence humaine, Tom (Dan Stevens), représentant son homme idéal. Cette perfection singulière a été obtenue après qu’Alma a accepté de se soumettre à une batterie de tests.

Cette comédie dramatique pose non seulement le problème de l’intelligence artificielle, mais également de l’amour, du désir, du couple et de ses attentes. Au fil de la narration, nous découvrons qu’Alma se remet difficilement d’une fausse couche, suite à quoi elle a été quitté par son compagnon, Julian (Hans Löw), qui, lui, a retrouvé une compagne. Celle-ci est enceinte.

L’aspect genré du couple hétérosexuel est ici très visible, puisque Julian 1) a fui la fin tragique de la grossesse d’Alma et ne l’a pas épaulée dans son deuil, ni, visiblement, ne l’a pas partagé (longtemps) ; 2) n’a pas eu de difficulté à retrouver un nouvel amour et à fonder une famille. De même, alors qu’Alma se pose beaucoup de questions sur l’expérience qu’elle vit avec Tom, l’homme qu’elle croise dans la rue avec une humanoïde est tout simplement béat. Ce quinquagénaire blanc obèse a enfin la femme de ses rêves : bien plus jeune que lui, blanche, blonde aux yeux bleus, mince, qui opine à tout ce qu’il dit et fait, ne demandant rien pour elle-même au lit, faisant toutes les tâches ménagères. Il réalise le rêve de tout mâle occidental hétérosexuel qui ne veut pas perdre ses privilèges, ni remettre en cause la masculinité traditionnelle. Ouf, des siècles de lutte féministe enfin enterrés !

Alma, quant à elle, souhaite un autre monde que celui de la domination patriarcale. Elle refuse avec humour les clichés de roman et de films d’amour que lui propose/impose Tom, sous couvert des statistiques genrées qu’il a emmagasinées : non, Alma ne fait pas partie des quatre-vingt-treize pourcents d’Allemandes qui fantasment un bain huileux avec des pétales de fleurs, comme des Ophélie déjà noyées, le tout à la lueur des bougies (avant la mise en bière ?) et avec un verre d’alcool en main. De même, pas de « brunch » pancackes-champagne pour elle, par pitié. Notons que le bain parfumé n’est pas perdu, puisque Tom en profite.

Et encore moins de clichés, si possible, alors que Tom vient d’emménager chez Alma et qu’ils ne se connaissent pas encore. Comme nous avons pu le démontrer par ailleurs , le partage de nourriture, ou son non-partage, est le symbole d’une relation amoureuse à venir réussie ou pas. Serait-ce donc le signe que les clichés associés à la féminité sont dus aux hommes, comme l’analyse Simone de Beauvoir dans Le Deuxième Sexe (1949) ?

Mentionnons également que l’affiche française du film reproduit les clichés sexistes, puisque le fond de l’affiche est rose, et qu’Alma est plus petite que Tom. Au contraire, l’affiche allemande a un fond orange, et c’est Alma qui est un tout petit plus grande que Tom.

La cohabitation d’Alma et de Tom ne va pas de soi, puisque comment être amoureuse de la somme exacte de ses fantasmes et attentes, et comment vivre avec au quotidien ? Sinon en acceptant l’inattendu, les réactions non programmées, l’ouverture à l’autre, la confiance. C’est-à-dire d’entrer dans une relation amoureuse ordinaire. Un ordinaire tout de même amélioré, puisque les affinités électives sont plus élevées que dans une rencontre au hasard. 

Un parallèle entre une rencontre avec un·e humanoïde et un être humain via un site de rencontres peut être ici tracé. En effet, il s’agit de deux types de rencontres où les attentes de réussite sont élevées et les concordances plus fortes que lorsque l’imprévu absolu surgit. Ce film nous inviterait donc à nous interroger sur nos priorités amoureuses : soit le contentement à trouver l’exact objet de nos recherches, comme le quinquagénaire sus-mentionné, mais de manière non genré ; soit moduler nos souhaits, comme Alma.

Tout finit bien pour Alma et Tom, dans une très belle scène maritime, au Danemark, près  d’une plage. Bercés par un doux soleil, ils sont allongés côte à côte sur une table de ping-pong en béton. Finalement, l’expérience a réussi. Tom ne sera pas désactivé, Alma a trouvé son âme sœur, ce qu’elle accepte sur le lieu où elle passait ses vacances en famille étant enfant, et où elle a connu son premier amour. Le voyage permet à Alma d’intégrer vraiment Tom à sa lignée. La science est alliée à la technologie de pointe, dans un lieu hors de chez soi et connoté positivement, tout est parfait.

Alors, prêt·es pour l’IA ?

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « À la recherche de l’homme parfait : I’m Your Man », Voyages autour de mon cerveau, octobre 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/17589

Tiphaine Martin

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Chère Martha VADMC

Amour, cuisine et voyages : Chère Martha

L’immigration est un sujet politique et social sensible en Europe, au moins depuis la seconde moitié du vingtième siècle. En faire un sujet de comédie romantique ne va donc pas de soi. C’est pourtant le cas du long-métrage allemand Chère Martha (Sandra Nettelbeck, Bella Martha, 2001).

L’un des deux fils narratifs du film est masculin, concernant les rapports épineux de Martha (Martina Gedeck), cheffe cuisinière trentenaire dans un grand restaurant hambourgeois tenue par une restauratrice, célibataire, et de Mario (Sergio Castellitto), cuisiner italien quadragénaire, célibataire, qui vient remplacer Lea (Katja Studt), partie en congé maternité.

L’autre fil est féminin, concernant l’adoption temporaire de Lina (Maxime Foerste), huit ans, par Martha. Lina a eu un accident de voiture avec sa mère Christin, sœur aînée de Martha. Christin est décédée, Giuseppe (Diego Ribon), le père italien de Lina n’a pas donné de nouvelles depuis son retour chez lui des années auparavant. Martha accepte de recueillir sa nièce traumatisée chez elle.

Poids du double deuil (sœur pour l’une, mère pour l’autre), adaptation à une nouvelle vie (avec enfant pour Martha, dans un nouvel environnement sans sa mère pour Lina), relations tendues avec Mario, qui préfère travailler dans une ambiance sereine plutôt que ultra-sérieuse voire angoissée et angoissante (Martha va calmer ses colères dans la chambre froide), tentative avortée de drague culinaire de son nouveau voisin, père célibataire avec enfants en bas âge, tout prédispose Martha à l’explosion psycho-somatique.

Son monde très ordonné vole en éclats, même son psychanalyste (August Zirner) refuse, pour la première fois, de goûter au plat succulent qu’elle lui a apporté, comme elle le fait pourtant à chacune de ses séances. Elle doit revoir toute son organisation en fonction de Lina et des horaires scolaires de celle-ci, alors que Martha, travaillant le soir, a l’habitude de dormir tard le matin. Et que faire de Lina pendant qu’elle travaille ? D’autant que les différentes baby-sitter n’ont pas fait sérieusement leur travail. Et comment entrer en communication avec sa nièce ? Et ce, alors qu’elles ne se connaissent que peu. Elles n’ont partagé que des moments de loisir, à trois avec Christin. Bref, tout va mal entre elles, Lina refusant même de manger ce que lui prépare sa tante.

Heureusement, la sainte spaghetti, préparée par Mario, vainc la résistance somatique de Lina. De même, la sympathie du cuisinier lui redonne le sourire. Son travail de deuil peut commencer. Elle peut également commencer à accepter Martha comme parente de référence temporaire, en attendant que son père, prévenu par Martha, grâce à une lettre écrite en italien par Mario, vienne la chercher. Bien sûr, la séparation avec Martha ne se passe pas comme prévu, un lien d’affection profonde s’étant tissé au fil des semaines entre elles deux. Mais, au moins, Lina a maintenant une véritable famille, traditionnelle, avec un père, une belle-mère prête à l’accueillir, des demi-frères à peine plus jeunes qu’elle. De quoi devenir une petite Italienne comme une autre, après avoir été une petite Allemande comme une autre.

Côté cœur, les sympathiques tentatives d’approche de Mario, d’abord avec des spaghettis, plat de base de l’alimentation italienne, se heurtent d’abord à la froideur de Martha. Elle considère en effet Mario comme un rival potentiel dans sa cuisine. Rassurée sur ce point, elle peut s’ouvrir à la chaleur d’un nouvel amour, devenant un peu moins tendue et angoissée à ce niveau-ci également. D’où une très belle scène sensuelle, où Mario fait goûter sa nouvelle préparation à Martha, qui a les yeux bandés. La dégustation est suivie d’un long baiser…

Si ce n’est que le retour à la solitude, après le départ de Lina, n’est pas le point de départ d’une relation avec Mario, mais le recommencement de son existence passée, uniquement centrée sur le travail. Martha finit rapidement par exploser, elle est licenciée. Elle décide de partir en Italie voir sa nièce. Malgré la froideur de leur relation, elle demande à Mario de l’accompagner, puisqu’elle ne parle pas italien.

Et tout finit bien : l’amour familial (Lina vient vivre avec Martha), l’amour conjugal (Martha épouse Mario et tombe enceinte), l’amour du métier (Martha ouvre un restaurant avec Mario), le tout loin des brumes hambourgeoises, au soleil italien.

Aucun stéréotype raciste dans ce film, au contraire, de très belles ouvertures aux autres, au soleil. De quoi nous donner des envies de cuisine comparative…

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Amour, cuisine et voyages : Chère Martha », Voyages autour de mon cerveau, octobre 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/17555

Tiphaine Martin

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Notting Hill VADMC

Partir, revenir, pourquoi ? (12) Partager un banc : Coup de foudre à Notting Hill

M’asseoir sur un banc cinq minutes avec toi,

Et r’garder les gens tant qu’y en a.

Renaud, « Mistral gagnant », Mistral gagnant, 1985

Coup de génie du réalisateur Roger Michell et de son scénariste Richard Curtis que ce jus d’orange qui arrose et son possesseur, le libraire anglais William Thacker (Hugh Grant), et une passante, la star hollywoodienne Anna Scott (Julia Roberts), dans une rue du quartier londonien de Notting Hill, à la toute fin du vingtième siècle, un jour de non pluie, dans la comédie romantique Coup de foudre à Notting Hill (Roger Michell, Notting Hill, 1999).

Anna et William ont déjà fait connaissance peu auparavant, quand Anna a franchi la porte de la librairie d’ouvrages consacrés au voyage de William. Ignorant d’abord qui elle était, William est immédiatement tombé amoureux d’Anna, de sa beauté, de son sourire éclatant, de l’intelligence qui pétille dans son regard. Ce qui ne l’a pas empêché de demander à un voleur de reposer son larcin sur la bonne étagère.

L’histoire d’amour d’Anna et de William joue autant sur leur différence de statut social que sur les clichés culturels Angleterre/États-Unis. Dont Jeff (Alec Baldwin), le fiancé nord-américain d’Anna, est une bonne illustration, de part son arrogance et son manque de politesse. Sur un mode plus doux, William conseille à Anna de jouer dans une adaptation de Jane Austen ou d’Henry James, ce qu’elle fait dans le dernier mouvement du film. Rappelons que Hugh Grant a joué dans l’adaptation de Raison et Sentiments (Ang Lee, Sense and Sensibility, 1995), d’où, également, la référence à la romancière anglaise. Henry James, quant à lui, est né à New York au milieu du dix-neuvième siècle et décédé à Londres au début du vingtième siècle. Il symbolise donc parfaitement la trajectoire à venir d’Anna, Nord-Américaine qui s’installe définitivement en Angleterre à la fin du film.

Ces deux références littéraires symbolisent également ce qui rapproche le libraire de l’actrice, à savoir des signes culturels communs. Outre la littérature, c’est la peinture européenne qui fait le lien entre eux, à savoir un tableau du biélorusse Marc Chagall, peintre installé en France à partir des années 1910. En ces temps pré-Brexit, il était possible pour un réalisateur et un scénariste anglais d’indiquer de manière élogieuse que leurs héros et héroïne aiment la peinture non britannique, ici le tableau La Mariée.

Ce choix est également, bien entendu, un autre indice de la fin heureuse de cette comédie romantique. La mariée y est vêtue d’une robe orange, et le marié d’un costume bleu. Le film inverse le genre des couleurs, puisque Anna est vêtue d’une chemise bleue quand elle vient offrir le tableau original à William, habillé d’une chemise rose. Le retour à la colorimétrie normale patriarcale (en Occident depuis les années 1950) est visible dans la dernière scène du film : Anna a une robe orangée et un gilet rosé, William un t-shirt vert sombre et un jean bleu clair.

Elle est enceinte et se repose, la tête sur les genoux de William, qui lit. Ils sont sur un banc dans un parc, heureux. Chacun·e s’est adapté au monde de l’autre : William aux premières de cinéma sous les flashs des photographes, Anna à la vie paisible de Notting Hill.

Entre-temps, Anna est partie aux États-Unis, en est revenue, puis y est revenue, toujours poursuivie par les paparazzis, acharnés à traquer impitoyablement les célébrités où qu’elles se trouvent. Et, sans doute, par les commentaires misogynes donc gluants d’hommes satisfaits d’eux-mêmes et de leur « humour » de chasse d’eau, comme les clients du restaurant chic où William emmène dîner Anna.

Ces clients, trois mâles blancs quinquagénaires, commentent à haute voix le physique, le moral et la vie privée d’Anna Scott. Leurs connaissances proviennent des films où joue l’actrice, ainsi que des ragots propagés par les journaux d’égouts, photographies de paparazzis à l’appui. Les clients du restaurant confondent les rôles joués par Anna, et ce qu’elle est en réalité.

Comme le rappelle Anna à William, qui n’est décidément pas attiré par le cinéma, l’actrice hollywoodienne Rita Hayworth aurait déclaré, en référence à son rôle le plus célèbre : « Ils couchent avec Gilda, ils se réveillent avec moi. » Ce film noir de Charles Vidor date de 1946, Hayworth y joue une femme fatale, selon les canons misogynes de ce type de film, le sous-texte homophile entre les deux personnages masculins n’ayant pas été perçu par la censure, ni la solitude de Gilda, figée dans son rôle d’objet de transaction entre les deux hommes.

Ce qui n’est pas le cas pour William, qui déclare à Anna faire la différence entre son image à l’écran et ce qu’elle est au quotidien. Et, ô déconstruction virile avant l’heure, ne pas faire de fixation sur sa poitrine, à elle. Oui, les seins féminins sont juste des seins, féminins.

Au restaurant, les clients fouinent dans sa vie privée, se repaissant de on-dit, au désespoir de William, outré de la grossièreté et de l’arrogance de certains de ses compatriotes. Rien à voir avec ce qu’Anna confie à William et à ses proches, à savoir qu’elle est proche de l’anorexie depuis le début de sa carrière, pour garder sa ligne. Elle a également dû se faire refaire le nez et le menton, pour correspondre aux canons esthétiques féminins de Hollywood.

Elle est aussi très lasse de l’acharnement des fouilleurs de poubelle à la prendre en chasse, à juger sévèrement sa conduite sous couvert de morale traditionnelle, et à jeter les moindres détails de son existence à tout aussi frustré·e qu’eux. Anna panique donc quand ils la mitraillent alors qu’elle ouvre la porte de chez William. Par contre, elle garde son sang-froid face aux misogynes du restaurant, leur donnant une leçon de savoir-vivre avec une élégance souriante qui la place très au-dessus des pénibles minables assis devant elle, qui est debout, donc en position de pouvoir.

Le film traite donc autant d’une belle histoire d’amour, impossible au début, mais réalisée à la fin, comme dans un très grand nombre de ce genre de long-métrage, que du harcèlement moral et physique des femmes en général et des stars féminines en particulier. Sans oublier la victoire moderne d’Albion sur les ancien·nes révolté·es parti·es au Nouveau Monde sur le Mayflower.

Les doux moments passés au calme sur le banc dédié à l‘amour sont donc d’autant plus précieux. À imiter ?

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Partir, revenir, pourquoi ? (12) Partager un banc : Coup de foudre à Notting Hill », Voyages autour de mon cerveau, septembre 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/17496

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. ISSN : 2729-3092

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Tacones lejanos VADMC

À la recherche du blouson rouge : Talons aiguilles

Un cabaret madrilène, au début des années quatre-vingt-dix, la nuit. Quant il arrive, sur les premières notes de « Un año de amor » (Luz Casal, A contraluz, 1991), ouvrant le rideau de perles de sa main droite, tout de rouge vêtu, en talons aiguilles, bas résilles, mini-robe pailletée, chemise nouée au ventre, longs gants, haute perruque blonde et anneaux dorés aux oreilles, la température de la salle (du cabaret et de cinéma) grimpe de bon nombre de degrés.

Rouge également est le double rideau de scène, noué de chaque côté du fond de la scène, une tenture représentant des danseuses de flamenco, dans le film policier Talons aiguilles (Tacones Lejanos, 1991) de Pedro Almodóvar.

La caméra s’arrête d’abord sur l’artiste, Letal (Miguel Bosé), travesti qui accompagne son chant de gestes de bras langoureux, très Gilda (Rita Hayworth dans le film éponyme de Charles Vidor, 1946), et à connotation sexuelle (remontant un de ses doigts depuis le bas de sa mini-robe jusqu’en haut de son entrejambe et sur son buste, après l’avoir mouillé de sa bouche, par exemple).

Puis, la caméra se dirige, depuis la scène, sur Becky del Páramo (Marisa Paredes), chanteuse autrefois pop dont Letal reprend « Un año de amor ». Becky est attablée avec sa fille Rebecca (Victoria Abril) et son gendre Manuel (Feodor Atkine), un de ses anciens amants. Les échanges de regard et les mouvements de tête du trio décrivent leur situation : Becky regarde Letal avec intérêt ; Rebecca dévore Letal, qui imite donc sa mère (chant, gestuelle, habillement), des yeux, tout en ne supportant pas que Manuel fasse les yeux doux à Becky, flattée puis gênée de ce revenez-y. Du moins dans ce premier moment de retrouvailles.

La caméra revient sur scène, plongeant ensuite devant Letal, vers les spectateur·trices, vêtu·e qui de vert, qui de noir, qui de rouge, qui de blanc. Et juste derrière la personne en rouge, une jeune femme avec un blouson rouge très James Dean, période Fureur de vivre, parle avec un jeune homme gominé en noir.

Ce blouson rouge reparaît dans la deuxième partie du film, d’abord en photo, celles que Paula (Cristina Marcos), assistante pénitentiaire, a prises de son petit ami, un drogué qui a disparu du jour au lendemain, avec le blouson rouge qu’elle lui avait offert. Rebecca les contemple, étonnée, car le vendeur du magasin de développement des photographies (pas de numérique à l’époque) lui a tendu la mauvaise enveloppe de photographies, et il a donné celle de Rebecca à Paula.

On revoit le blouson rouge, ensuite, porté par une jeune détenue, sans prénom ni nom, dans la cour de la prison où Rebecca est enfermée, après avoir avoué en direct, à la télévision où elle travaille, le meurtre de Manuel. La jeune détenue arrive dans la cour après une séquence dansée par les détenues, sous les yeux de Rebecca et de Paula. Elle est happée par Suzanna (Bibi Andersen), cheffe du ballet, qui l’a vue donner de la drogue à sa compagne. Puis, c’est au tour de Paula de demander des comptes à la détenue, au sujet de son blouson : où l’a-t-elle eu ? La réponse met Paula au désespoir : le blouson a été récupéré sur le corps d’un drogué mort d’overdose.

La suite du film montre l’heureuse fausseté de cette affirmation, quoique Paula n’en soit pas tenue au courant. Le blouson rouge du mauvais garçon, du « rebelle sans cause », si nous traduisons littéralement le titre originel de La Fureur de vivre (Nicholas Ray, Rebel without a cause, 1955), est un des fils directeurs de la narration. Fil directeur dont on ne comprend l’importance qu’à la fin, comme dans tout bon film policier. Almodóvar a su ménager le suspens, qui lui permet un coup de théâtre, le blouson rouge faisant partie des accessoires de son personnage masculin principal, grâce à l’aide involontaire de Paula.

Dans ce film très complexe, il faut suivre le rouge pour trouver : un blouson qui passe de femme en homme en femmes ; un homme assassiné dans son pyjama rouge, le sang du coup de revolver figé sur son visage ; une assiette rouge qui se brise dans une loge d’artiste lors d’une scène de sexe hétérosexuel torride et qui resurgit dans l’appartement de cet artiste à la fin du film ; un tailleur rouge, celui de Becky à l’aéroport au début du film, pour annoncer, peut-être, les disputes avec sa fille, et parce que c’est sa couleur favorite, celle de son ancien costume de scène copié par Letal, celle de ses gants rouges encerclés de bracelets qu’elle met pour chanter devant son public, désormais bourgeois, et qui figurent sur la housse de sa guitare.

Quand tous les rouges sont sortis de scène, définitivement, il reste, peut-être, sur fond de sirènes de police, une « meilleure façon de régler [s]es problèmes avec les hommes », que de les tuer, et de faire enfin la paix avec sa mère. Par conséquent, passer du rouge au rose et au blanc est une manière d’être heureuse avec un homme, pour l’une. Et, pour l’un, de choisir une identité fixe, avec la femme qu’il aime et qui porte leur enfant. Oublié le blouson rouge !

Passer du monochrome flamboyant aux couleurs différentes, c’est retrouver la paix.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « À la recherche du blouson rouge : Talons aiguilles », Voyages autour de mon cerveau, septembre 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/17461

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. ISSN : 2729-3092

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