Archives de l’auteur : Tiphaine Martin

À propos Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

Etrange étranger, Peter et Eliott le dragon 1977 VADMC

Étrange étranger, Peter et Elliott le dragon 1977

Que peut-il se passer quand on s’installe dans un nouvel endroit ? Surtout dans une petite ville de province, où tout le monde se connaît depuis toujours et a du mal à accepter des étrangers. Le jeune Peter et son dragon Elliott en font l’expérience dans le film éponyme de Don Chaffey en 1977. Nous nous intéresserons ici à la première version française, avec le premier doublage et les paroles françaises de Pierre Delanoë, différente du film originel et de la seconde version française.

Acheté par la famille des Gogan (le père, la mère et les deux fils adultes), Peter est mal nourri, battu et accablé de corvées. Une créature, fantastique à tous points de vue, lui porte secours. C’est un dragon, Elliott. Géant, massif, le corps vert et la chevelure rose, il est le sauveur et le bon génie du jeune garçon. Elliott a également la particularité de se rendre invisible.

Sauveur d’enfants en détresse, comme la même année les souris Bernard et Bianca, il quittera Peter à la fin du film pour se rendre auprès d’un autre enfant. Entre-temps, le bon dragon aura trouvé une famille aimante pour Peter, aux confins de Passamocoidy.

Cette petite ville de pêcheurs accepte mal l’arrivée de ces deux étrangers. Peter est surnommé « l’enfant au dragon » et moqué, car Elliott, alors invisible, est considéré comme un produit de son imagination. Même Nora, jeune fille habitant avec son père âgé, Lampil, dans un phare, ne croit pas à l’existence d’Elliott. Après voir ramené Peter au phare, à l’abri, elle tente de le raisonner, de manière psychanalytique, en le rassurant sur son avenir, en lui disant qu’il n’a plus besoin d’un ami imaginaire.

Ce n’est pas un hasard si ce trio humain se trouve à vivre ensemble : Peter, parce qu’il vient d’arriver et qu’il doit faire ses preuves d’intégration ; Nora, parce que non mariée, fidèle à son fiancé perdu en mer et se débrouillant fort bien seule ; Lampil, parce qu’alcoolique, ne parvenant pas à persuader les habitants de Passamaquoddy de l’existence d’Elliott. La position surélevée du phare en fait un lieu à part, où le lien social est possible sans heurts, contrairement à la vie en ville. Et le film se clôt sur des vues aériennes du phare qui scintille.

On retrouve une trame similaire dans La Belle et la Bête (Gary Trousdale, Kirk Wise, 1991) : Belle et son père Maurice, un inventeur, habitent à l’écart du village et sont considérés comme anormaux par les villageois ; Belle finit par apprécier la vie retirée au château ; Maurice n’arrive pas à convaincre les villageois qu’une Bête retient sa fille prisonnière. Et Gaston, coq de village et méchant de l’histoire, n’y voit qu’un moyen de pression sur Belle, en faisant passer Maurice pour fou. Gaston sait très bien, aussi, monter les villageois·es contre la Bête, et contre Belle, une fois que cette dernière leur a prouvé l’existence de la Bête, qu’elle décrit comme inoffensif et gentil.

Dans Peter et Elliott, c’est l’infâme Docteur Terminus qui rassemble la colère des pêcheurs contre le dragon, qu’ils accusent de faire fuir le poisson. Terminus, charlatan de haut vol, s’abouche également avec les Gogan, qui veulent récupérer Peter et qui sont en rage contre Nora. La jeune fille, cheveux tirés et vêtue d’un pantalon noir à pattes d’éléphant, plus hippy que début du vingtième siècle, a protégé le garçonnet et leur a dit leur fait, dans la séquence chantée « Un acte de vente ». Nora tient tête aux quatuor d’affreux, sales et méchants, dont la partie masculine (le père et les deux fils) voudrait bien « se charger d’elle », comme ils le disent en se passant la langue sur les lèvres. La famille finit par tomber à l’eau, ce qui n’est pas une nouveauté pour l’actrice jouant madame Gogan, Shelley Winters, qui a déjà finit noyée dans Une place au soleil (A Place in the Sun, George Stevens, 1951). Mais l’acte de vente de Peter existe toujours, la menace Gogan n’est pas écartée. Le Docteur Terminus, lui, veut capturer Elliott pour le dépecer et le transformer en mixtures et autres philtres infâmes.

Que ce soit en 1977 ou en 1991, une figure masculine et malfaisante tente de nuire aux héros et héroïne, aidée par une quasi totalité d’hommes.

L’assistant de Terminus, Hoagy, lui, est terrifié par Elliott. Il l’envisage comme un monstre, à l’instar de Lampil. L’ancien marin entraîne son nouvel ami dans la grotte où vit Elliott. Réveillé en sursaut par l’irruption des deux alcooliques, le dragon est effrayé par la description que fait Lampil :

(…) une chose horrible, un monstre. (…) il est énorme, même qu’il fait quinze mètres de haut, avec des griffes partout, de quoi déchiqueter un homme en lambeaux (…) il a des yeux diaboliques qui voient à travers vous. (…) Un faciès si terrible qu’il y a de quoi en rester pétrifié. (…) Des flammes si puissantes qu’on y rôtirait une dinde. Une mâchoire terrible qui vous déchiquetterait un homme en entier.

Bien sûr, Elliott ne comprend pas qu’on parle de lui, puisque rien ne lui correspond, ni physiquement, ni psychologiquement. Comme tout bon raciste, Lampil exagère son idée de la différence (ici, différence d’espèce) pour se faire peur et faire peur à son alter ego. En outre, Lampil a ainsi du pouvoir sur quelqu’un et peut se sentir, enfin, important, lui l’ivrogne dont on se moque ou dont on a pitié. Dans la grotte, la terreur est à son comble de part et d’autre, puisqu’Elliott, angoissé, se rapproche des deux hommes, qui hurlent de peur en le voyant, à la confusion d’Elliott, qui se découvre horrible et terrifiant. Toujours pris dans leur délire raciste, Lampil a une idée : faire boire à Elliott la flasque de Hoagy. Si ce n’est que l’alcool fait cracher des flammes à Elliott, avant de l’épuiser. Lampil et Hoagy s’enfuient piteusement, ayant réussi à transformer le dragon en entité redoutable, collant à leurs fantasmes.

Il faut chercher du côté d’une femme, Nora, pour que le racisme soit dénoncé. D’un caractère bien trempée, Nora ne cède ni aux intimidations des Gogan (chassés au final de la ville par Elliott, après avoir brûlé l’acte de vente de Peter), ni à celles de Terminus (envolé avec Hoagy sous d’autres cieux), ni aux tentatives de harcèlement dont elle est l’objet de la part de certains hommes de Passamocoidy. Elle fronce les sourcils quand un garçon pousse une de ses camarades de l’école. De même, elle s’obstine à croire que son fiancé Paul est vivant, alors que son père lui conseille de faire son deuil et de passer à une autre histoire d’amour. C’est sa foi en Paul qui paye, puisque celui-ci revient, guidé par la lampe du phare, allumée par Elliott en pleine tempête nocturne. Nora, enfin convaincue de l’existence du dragon, qui s’est rendu visible, lui « fait une bise sur le bout du nez » (du menton). Confus et intimidé, Elliott tremble, balbutie et s’enfuit, à nouveau invisible. Et, le lendemain matin, Nora peut enfin se jeter dans les bras de son fiancé, sous l’œil attendri des pêcheurs, revenus à de meilleurs sentiments depuis qu’Elliott leur a apporté des bancs de poissons. Comme dans Vaiana (Ron Clements, John Musker, 2016), la survie de la communauté dépend de la pêche, sans que soient évoquées de possibles retombées écologiques.

Mais avant toutes ces bonnes actions, Nora, cheveux lâchés et vêtue d’une robe blanche à pois noirs, chante la fraternité et le bon accueil des immigré·es aux enfants de l’école de Passamoicoidy, dont Peter, qu’elle emmène en promenade sur le port :

Y’a du bonheur pour chacun au monde

Avec un semblant d’amour

Nous sommes tous solidaires au monde

Vivons en paix toujours

Car même un dragon a droit aussi d’avoir son chez lui

Mais sans haine, sans chaîne, il faut qu’il puisse vivre !

Laissez-lui sa part de chance !

Que sa maison ne soit jamais une prison ! (….)

Un dragon c’est un étranger qui recherche un ami (…)

Tout homme ici-bas a le droit de dormir sous un toit 

Le texte français instaure un équivalent entre dragon et humain étranger, dont l’hospitalité doit aller de soi. Pas de sans-logis dans cette ville ! C’est aussi un appel à la solidarité, au sein de la cité, autant vers 1900 qu’en 1977. Nora pousse les écolier·es, filles et garçons mêlés, à être plus intelligentes que leurs parents (encore que les mères soient quasiment absentes de la narration), tout en appelant à la paix sociale. Dans le contexte des années soixante-dix, en français, elle invite à la paix tout court, après des années de guerres coloniales, tant sur le continent asiatique qu’africain. Les jeunes générations, juchées sur des manèges, des balançoires et un mât de bateau, chantent en chœur, dans une unité joyeuse qui n’est pas sans rappeler le final de Grease (Randal Kleiser, 1978) un an plus tard :

Oh, comme ce ciel

Est plein d’espoir !

Chacun en a une part (…)

Donne aussi un p’tit peu de ton coeur

Les enfants bannissent le racisme de leur esprit et de leur âme, tout en s’ouvrant à l’autre. Adulte et enfants forment aussi une ronde, où Elliott, invisible, prend place. Symboliquement, elles et ils entourent l’immigré et le protègent de la « haine ». Venir à l’autre, c’est faire la fête avec lui.

Comme toujours chez Disney, au final, c’est le bonheur qui prédomine. Car, oui :

C’est une belle et chaude journée

Toute une vie de joie en quelques instants

Tant de belles et belles années commencent maintenant

Suivons le soleil en chantant !

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Étrange étranger, Peter et Elliott le dragon 1977 », Voyages autour de mon cerveau, juin 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9885

Tiphaine Martin

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Vanessa Callico VADMC

Dessine-moi un conte – Interview de Vanessa Callico

Un très grand merci à Vanessa Callico pour ses réponses. 

Tiphaine Martin – Pouvez-vous nous parler de vos différentes branches d’activités ?

Vanessa Callico – Je suis auteure d’ouvrages de littérature de l’imaginaire (romans et encyclopédies), ainsi qu’éditrice fondatrice des Éditions le Héron d’Argent. Par ailleurs, je suis également flûtiste à l’orchestre philharmonique de Fontainebleau, ainsi que chanteuse lyrique.

T.M. – Plus précisément, quel travail effectuez-vous au sein des Éditions du Héron d’Argent ? Quel est la spécialité de cette maison d’édition ?

V.C. – Je suis directrice artistique, je veille donc à l’élaboration de notre ligne éditoriale, ainsi que responsable de la stratégie et recherche/développement marketing. Quelque part, mon travail est la vision de long terme de l’entreprise éditoriale. La spécialité de notre maison sont les finitions luxueuses, les textes d’auteurs francophones, les collaborations avec des artistes de niveau international.

T.M. – La forêt de Fontainebleau, où vous habitez, est-elle votre espace favori d’inspiration ? À quelles autres sources s’abreuve votre écriture ?

V.C. – La forêt de Fontainebleau est très clairement ma bouffée d’oxygène au quotidien. C’est mon lieu privilégié, là où je me sens le mieux. Les autres sources de mon écriture sont l’Histoire et les mythes.

T.M. – Comment avez-vous travaillé avec Séverine Pineaux pour La Nymphe, le Jeune Homme et le Temps, votre dernière parution ?

V.C. – Nous sommes parties de l’univers artistique de Séverine Pineaux, pour inventer une nouvelle trame ensemble, autour de ses illustrations magnifiques, qui fasse sens et écho à une fable universaliste.

T.M. – Quelle est la signification de ce conte magique et poétique, La Nymphe, le Jeune Homme et le Temps?

V.C. – Pour moi, c’est une parabole sur le temps qui passe, avec sa cruauté, mais également sa beauté. C’est aussi un ode à la Nature et au rêve.

T.M. – Quels sont vos projets, dans l’ensemble de vos branches d’activités ?

V.C. – Nous avons en préparation des dizaines de projets tous plus passionnants les uns que les autres. Nous allons augmenter également nos publications (ainsi que nos équipes), afin de proposer encore plus de rêve et d’aventure. L’avenir s’annonce radieux !

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, Vanessa Callico, « Dessine-moi un conte – Interview de Vanessa Callico », Voyages autour de mon cerveau, mai 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9761

Tiphaine Martin

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Drôle de frimousse génération du rythme VADMC

 Drôle de frimousse : génération du rythme ou existentialisme graveleux ?

La comédie musicale Drôle de frimousse (Funny Face, Stanley Donen, 1957) se déroule en grande partie à Paris, après un début à New York. L’héroïne, Jo Stockton (en référence à l’écrivaine Jo March des Quatre Filles du Docteur March de Louisa May Alcott ? ; Audrey Hepburn) est employée dans une librairie de Greenwich Village, haut lieu du bouillonnement intellectuel et artistique de la « Beat Generation ». Notons pour l’amusement qu’ Alma (Thelma Ritter) traite avec humeur et humour de « Beatnik » le liftier, qui accélère la montée de l’ascenseur, dans Confidences sur l’oreiller (Pillow Talk, Michael Gordon, 1959). La nouvelle musique jazz ne plaît pas à tout le monde, visiblement.

Reconvertie dans le mannequinat pour la revue Quality, Jo fuit les essayages parisiens pour rencontrer le philosophe empathicalisme Émile Flostre (Michel Auclair). Mais le chef de file de cette philosophie non matérialiste est avant tout un être de chair et de sang, un homme qui profite de l’innocence de la jeune fille pour tenter de la violer, à l’étage de son appartement. Naïve mais pas sotte, Jo se défend avec le premier bibelot en bronze venu. Puis s’enfuit. Fin de son goût pour la philosophie, place au mariage, avec le photographe de la revue de mode, Dick Avery (Fred Astaire), de trente ans son aîné. Nous avons vu précédemment l’écart vertigineux entre ces deux protagonistes – alors qu’Auclair a seulement sept ans de plus qu’Hepburn. L’anti-intellectualisme se double, voire se triple, d’une bataille de coqs de deux générations, avec la victoire du plus âgé.

En effet, avant d’attaquer Jo, Émile a reçu un coup de poing de la part de Dick, déguisé en pseudo-beatnik tendance Russe blanc : fausse barbe et fausse moustache, col roulé noir, veste à petits carreaux gris et blanc, pantalon de velours noir, guitare. Une tenue bohème donc. Outre l’existentialisme, c’est bien la génération du rythme qui est ici caricaturée. Au rez-de-chaussée de chez Flostre, Avery se moque de la musique lancinante et du lamento de la chanteuse à longs cheveux noirs, sorte de Juliette Gréco du pauvre, tout comme de la mystérieuse fumée, du jazz et des danses syncopées de la cave où il a précédemment interrompu le rendez-vous d’Émile avec Jo. Tous ces stéréotypes appartiennent autant à la mode de l’existentialisme français qu’aux beatniks états-uniens.

Il s’agit dans les deux cas de conflit de générations. Les jeunes Français·es, privé·es d’adolescence par l’Occupation, puis de jeunesse par la menace atomique, la Guerre froide et les guerres d’Indochine et au Maghreb, se déchaînent à Saint-Germain-des-Prés (remplacé par Montmartre dans le film). Les jeunes Américain·es, ayant vu les pères et frères aînés partir au combat en Europe, puis en Corée, avant de partir eux-mêmes au Vietnam, refusent l’ultra-capitalisme, l’antisémitisme et les différents racismes. Leurs frères et sœurs cadettes seront hippies et arriveront enfin à faire changer, un peu, pour un temps, la société des USA.

Mais le réalisateur et son scénariste Leonard Gershe préfèrent axer leur film sur le refus de la réflexion et de la contestation de la société, et l’apologie de la futilité (élégante, certes), de la publicité et du couple de type incestueux et pygmalionnesque ô combien patriarcal. Car c’est Dick qui a découvert le potentiel de Jo comme mannequin, lui qui la convainc de partir à Paris avec l’équipe du magazine, lui qui lui court après lorsqu’elle refuse de faire son travail. Par ses indications lorsqu’il la prend en photographie, il la façonne, et c’est uniquement de cette manière qu’elle devient une professionnelle. Et il n’a guère confiance en ses initiatives, même lorsqu’elle souhaite se faire photographier comme elle l’entend, au Louvre. Et même si c’est une réussite, c’est la seule fois où Jo devient sujet de l’image, et non objet. Et quand l’objet refuse de suivre son créateur, comme chez Flostre, quand Jo reste avec son cher philosophe, dont pourtant le ton doucereux aurait dû l’avertir qu’il n’était qu’un vil satyre, Dick ne sait que partir à l’aéroport pour rentrer aux États-Unis. Pygmalion sans Galatée est un Reflex vide.

Heureusement, Galatée/Jo abandonne enfin ses prétentions de bas-bleu pour se ranger aux côtés de Pygmalion/Dick, laissant l’horrible Français aux prises avec un énorme pansement. Pas question de mixité raciale, même avec une héroïne jouée par une actrice d’origine européenne (anglo-belge). Car, comme dans, par exemple, Entrons dans la danse (The Barkleys of Broadway, Charles Walters, 1949), avec Fred Astaire en co-vedette, être Français c’est être plutôt jeune, ridicule et pernicieux, toujours prêt à voler la femme des autres et à couper les cheveux en quatre, soit par la philosophie, soit par la tragédie (Entrons dans la danse).

Il est vrai que le réalisateur doit plaire non seulement au public raffiné et justement, intellectuel, de la Côte Est, mais également aux spectateur·trices du Texas, de l’Oklahoma et de l’Utah. Côté français, imaginons que le public germanopratin a su prendre la charge à la légère (qu’en a pensé Sartre ?), tandis que les spectateur·trices du Cantal, de la Bourgogne et du Nord-Pas-de-Calais ont pu approuver les coups donnés à Flostre, plus parce qu’il est un intellectuel qu’un pervers sexuel.

Reste Paris, en quelques beaux clichés, que Donen filmera à nouveau avec Audrey Hepburn (et un nouveau partenaire bien plus âgé qu’elle, Cary Grant), dans Charade, en 1963.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Drôle de frimousse : génération du rythme ou existentialisme graveleux ? », Voyages autour de mon cerveau, mai 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9740

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Yentl anti-Titanic VADMC

Yentl, l’anti-Titanic

Être une jeune fille et parvenir à être libre sans aide est possible, que ce soit dans la réalité ou dans la fiction. Dans certaines fictions. Ainsi, la longue, très longue, comédie romantique Titanic (James Cameron, 1997) est-elle d’un sexisme absolu de ce point de vue-là, contrairement à la comédie dramatique Yentl (Barbra Streisand, 1983). S’il est dommage que ce soit le film le plus ancien qui soit féministe et non le plus récent, il n’est hélas pas étonnant que ce soit le long-métrage réalisé par une femme qui montre l’ascension vers sa liberté de l’héroïne.

Yentl (Barbra Streisand) est une jeune fille juive polonaise du début du vingtième siècle. Orpheline de mère, fille de rabbin, elle étudie le Talmud en cachette, car interdit aux filles et aux femmes, trop impures pour toucher le saint texte et pour avoir le droit de prendre goût aux études. La réalisatrice montre l’intégrisme religieux dans toute sa splendeur, donc la misogynie et le machisme de ce milieu, qui ne doit pas être moindre chez les catholiques et les orthodoxes polonais.

À la mort de son père, Yentl décide de partir à la découverte du monde et de faire des études. Par mesure de sécurité et parce qu’elle n’a pas le droit d’étudier en tant que femme, elle coupe ses cheveux et revêt un costume masculin. Croisant la route d’Avigdor (Mandy Patinkin), elle fait des études en sa compagnie. Amoureuse de lui, dans le cheminement habituel des jeunes filles de son époque retranscrit dans les contes, les romans puis dans les films classiques, elle fait la connaissance de sa fiancée, Hadass (Amy Irving).

La réalisatrice évite avec brio l’affrontement sexiste, via la chanson « No wonder » (« Ce n’est pas étonnant »). Yentl y exprime sa jalousie, vite remplacée par la liste des qualités d’Hadass, tant physiques que ménagères. Hadass correspond en effet au topique de la jeune bourgeoise européenne de la Belle Époque : cheveux longs, élégante, polie, devançant les moindres désirs de ces messieurs, sachant coudre, cuisiner, tenir une conversation mondaine. Elle est tout ce que Yentl n’est pas, non seulement de par sa classe sociale, mais également par son conformisme aux cadres patriarcaux. Et c’est Yentl, Pygmalionne pleine d’allant, qui va l’en émanciper, un peu, en lui apprenant à lire et à écrire, quand elle va se marier avec elle, sous son identité masculine.

Mais la destinée de Yentl ne s’arrête pas dans l’enclos de cette demeure bourgeoise. Afin de réunir son épouse à son ancien fiancé, qui l’aime toujours, Yentl révèle qu’elle est une femme, et émigre aux États-Unis. Elle rejoint sa classe sociale d’origine, mais avec de la maturité, et en étant libre de ses mouvements, sans aucune tutelle ni entraves. Sur le pont du bateau qui s’éloigne, elle chante son bonheur de tout son cœur, faisant rimer « voice » (voix) avec « choice » (choix), dans « A Piece of Sky » (« Un morceau de ciel »). Yentl, femme indépendante, n’a besoin de personne pour parcourir le bateau et s’accouder au rebord, tournée vers son futur pays. Alors que James Cameron n’a su qu’imaginer son héroïne bourgeoise Rose (Kate Winslet) en besoin de soutien – masculin. Et ce, alors que le début du film montre le caractère rebelle de Rose et son peu d’empressement à se plier aux règles de la bonne société. Mais le réalisateur l’a dotée d’un Pygmalion, Jack (Leonardo di Caprio) qui la porte et la retient au fronton du paquebot. Et qui, étant d’un milieu populaire, lui fait découvrir la « vraie vie ». Qu’elle vivra seule, bien entendu, telle une veuve éternelle, sans être là aussi autorisée par le réalisateur à avoir une vie sexuelle.

Au contraire, l’histoire de Yentl n’est pas terminée à la fin du film, libre à elle de vivre, d’étudier, d’aimer, de travailler. Et, peut-être, sa petite-fille étudiera-t-elle à Cornell, rencontrant un bel étudiant (Robert Redford), et nous serons alors dans Nos plus belles années (The Way We Were, Sydney Pollack, 1973).

En attendant, place au chant, au ciel, aux mouettes et à la liberté conquise par soi-même.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Yentl, l’anti-Titanic », Voyages autour de mon cerveau, avril 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9711

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Défis à l'autorité VADMC

Défis à l’autorité, du réverbère à la rue

Quoi de plus excitant que de défier l’autorité ? C’est ce que font les Jets dans le film musical West Side Story (Robert Wise et Jerome Robbins, 1961) et Jean-Baptiste Turlot (Raymond Bussières) dans L’Assassin habite au 21 (Henri-Georges Clouzot, 1942). Tant le groupe que l’individu solitaire chantent leur mépris pour la police et s’en amusent. Rappelons que Bussières a fait partie dans les années trente du groupe révolutionnaire « Octobre », rassemblé autour de Jacques Prévert, qui conspuait l’ordre établi. Le rôle du sympathique voyou rangé des voitures lui va donc comme une… carte de visite.

L’avenir de Jean-Baptiste Turlot est brumeux à plus d’un titre. Tranquillement assis sur la barre d’un réverbère, un soir de brouillard, à l’époque contemporaine, donc sous l’Occupation, donc pendant le couvre-feu, il apostrophe un paisible gendarme, Pussot (un subtil jeu de mots ? ; Gabriello), qui a hâte de rentrer faire des chatouilles à son épouse Germaine. Turlot chante : « J’emmerde les gendarmes, là-haut, là-haut. J’emmerde les gendarmes, et la maréchaussée, et la maréchaussée. » L’agent tente de le raisonner, sans compter qu’il est pressé. Turlot envisage alors la possibilité que Germaine trompe son mari. Pussot s’énerve et arrête Jean-Baptiste, qui, doux comme un agneau, se laisse conduire au poste. Clouzot ménage ainsi le suspens, à la douzième minute de son film, tout en prenant à partie une des figures majeures d’autorité des temps de l’Occupation, tout en s’inscrivant dans une longue tradition comique française (théâtral, romanesque puis cinématographique) de moquerie de la police.

Les Jets, jeunes voyous États-uniens dont les parents sont originaires de Pologne, tournent en dérision l’agent de police du quartier populaire new-yorkais où ils habitent. Ce dernier, « l’officier Krupke » (William Bramley), d’origine irlandaise, devient la cible, au vu son paternalisme et son incapacité à empêcher les violences urbaines, des moqueries des jeunes gens, comme en témoigne la chanson et la chorégraphie « Gee Officer Krupke » (Leonard Bernstein).

Les Jets – dans sa partie masculine, les jeunes filles assistant au spectacles sans chanter et sans danser – y raillent donc la police, mais aussi, par extension, les assistant·es sociales et sociaux, les psychanalystes et psychiatres, toutes celles et ceux qui souhaitent les mettre au travail et les faire rentrer dans les cadres de la société, avec travail, famille et patrie au bout de la non-réflexion sur soi. L’ensemble forme un discours vain et propre à donner bonne conscience aux adultes, plutôt que de prouver l’inefficacité de la société à leur proposer un futur décent, en leur laissant le choix de s’exprimer sur leurs envies. Le tout en les victimisant et en les réduisant à des « social disease » (« cas sociaux »).

Les Jets font alors semblant de n’être aucunement responsables de leur existence, puisque :

My daddy beats my mommy,

My mommy clobbers me,

My grandpa is a commie,

My grandma pushes tea,

My sister wears a mustache,

My brother wears a dress.

Par conséquent, puisque : « Mon papa bat ma maman, ma maman me frappe, mon papi est un coco, ma mamie deale, ma sœur porte une moustache, mon frère porte une robe. » (traduction personnelle), il est normal d’être anormal.

Entre sexisme, homophobie et clichés sociaux, les paroles de la chanson présentent une situation familiale-type. La chorégraphie syncopée et les mimiques de danseurs exagèrent le côté dramatique de la chanson, pour mieux le prendre en dérision.

À travers ces deux exemples, nous pouvons constater à quel point, selon les réalisateurs,  l’autorité policière est fragile et dépend du bon vouloir des citoyens.

 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Défis à l’autorité, du réverbère à la rue », Voyages autour de mon cerveau, avril 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9641

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