Archives de catégorie : Créatrices

Comment les femmes agissent-elles ? avec un blog, leur voix, leur plume, leur pinceau, et surtout… leur intelligence !

Coeurs vaillants cinéma

Cœurs vaillants, la liberté au bout du champ

Ce film de Mona Achache se déroule à l’été 1942, juste après la Rafle du Vel’ d’Hiv’, où « 13 152 juifs sont arrêtés à leur domicile par des policiers français avant d’être livrés aux Nazis1. »

Rose (Camille Cottin), conservatrice au Louvre, a caché six enfants juifs et juives dans des caisses d’œuvres d’art destinées à partir loin des Allemands, c’est-à-dire, d’abord, dans les châteaux de la Loire. Les trois filles et les trois garçons arrivent sains et saufs à Chambord, d’où elles et ils doivent partir le lendemain matin pour la zone libre, grâce au curé de Chambord (Patrick dAssumçao). Mais une officière nazie (Anne-Lise Heimburger) surgit, en exigeant les collections spoliées aux Français·es juives et juives. Se trouvant fort bien au château (acht, François Ier), elle décide d’y séjourner et d’y chasser dans le parc royal.

Les enfants, Hannah (Maé Roudet-Rubens), Jacques (Léo Riehl), Josef (Ferdinand Redouloux), Clara (Lilas-Rose Gilberti), Henriette (Asia Suissa-Fuller) et son frère Léon (Luka Haggège), vont se cacher dans la forêt, grâce à la complicité du jeune Paul (Félix Nicolas), enfant de chœur dont le père est prisonnier en Allemagne depuis la défaite de 1940. Les cabanes de Paul leur sont des refuges temporaires contre la barbarie qui leur colle aux chausses.

Rose, qui peut compter sur la discrétion précieuse du conservateur du château (Swann Arlaud), se prépare donc à faire passer le groupe enfantin et Paul en zone non occupée, où elles et ils sont attendus dans une maison d’enfants. Ce qui sera fait, après le décès accidentel de Clara et le sacrifice de Rose, qui se fait passer pour folle auprès des soldats allemands qui gardent le dernier pont avant le champ de la liberté.

Dans ce film foisonnant, nul pathos désagréable, mais une véritable émotion qui surgit régulièrement, grâce à une mise en scène serrée, au plus près des corps et des visages. Le jeu des acteurs et des actrices est sobre, les adultes n’en font pas trop et les enfants ne bêtifient pas. Lorsque leurs larmes coulent, c’est que la situation l’exige : fatigue, faim, manque de leurs parents et angoisse quant à leur sort (le leur et celui de leurs parents). Les garçons autant que les filles s’expriment ainsi, sans fausse honte.

De même, dans ce groupe où les âges s’échelonnent entre huit et seize ans, les disputes ne manquent pas, loin de l’image d’Épinal d’angelots se tenant forcément les coudes en cette période noire de leur existence. Ce qui n’empêche pas des flirts de s’ébaucher, entre Clara et Josef d’abord, Clara qui se noie après deux chutes sans gravité dans l’eau. Josef récupère alors le journal intime de cette nouvelle Anne Franck, y écrit son amour pour elle, se barbouille les lèvres de l’encre de son stylo et appuie ses lèvres sur la page qu’il vient de rédiger. L’entreprise mémorielle de Clara se poursuit sous une autre forme, celle de la biographie et de la conservation du nom de la disparue, comme aujourd’hui dans les mémoriaux de la Shoah… et dans les films consacrés à cette période.

Autre flirt, celui d’Hannah et de Paul, très intéressé par la poitrine de la jeune fille, lors du bain pris en commun – et en sous-vêtements. Les coup d’œil sur le corps de l’autre deviennent des regards de visage à visage, en un début d’histoire.

Et c’est d’ailleurs en exposant son corps en chemise que Rose sauve « les » enfants, elles et eux qui ne sont pas « ses » enfants, comme elle le fait sèchement remarquer au conservateur de Chambord au début du film. Rose joue de la concupiscence des soldats allemands pour les attirer dans la rivière, afin que le groupe enfantin passe le pont qui les mènera en zone libre.

Le personnage de Rose, hommage à la résistante Rose Valland, dont Camille Cottin a pris les traits, les vêtements pratiques et les lunettes2, n’est pas une mère de substitution, ce dont Léon et Josef lui font d’ailleurs grief. Les motivations de Rose sont humanistes et non maternalistes. Sauver un peu, si peu, de l’humanité dans l’enfer de l’Occupation, telle est la tâche qu’elle s’est donnée, qu’il s’agisse de tableaux ou d’êtres humains. Elle reproche ainsi au conservateur de Chambord de se réfugier dans l’art pour fuir le monde, au lieu d’être dans le monde humain grâce à l’art et à l’architecture. Belle leçon de philosophie du film, où les œuvres d’art montrées sont soit des visages (La Joconde, La Victoire de Samothrace, des portraits de jeunes filles peintes par Renoir3), soit du land art fabriqué par les enfants au sol de leur première cabane, où se trouvent aussi des figurines humaines.

Par les cabanes, nous touchons à la part onirique du film. Il y a déjà les brèves images, sublimes, de jour et de nuit, du château, de la forêt et des animaux non humains qui y vivent en liberté. Par la vie dans la cabane au sol et le passage dans la cabane dans l’arbre, nous plongeons dans l’univers de l’aventure, dont la revue catholique Cœurs vaillants est un des prototypes, avec notamment la publication des aventures de Tintin et Milou. Dans le film, situé en juillet 42, il s’agit du Crabe aux pinces d’or4. Sans oublier le clin d’œil au public contemporain, avec Hannah et son chapeau de type Indiana Jones – qui combat les Nazis dans La Dernière Croisade (Steven Spielberg, 1989).

Mais l’onirisme n’est pas que joyeux, il peut tourner au cauchemar, comme dans n’importe quel conte de fées. Le repos et la vie aventureuse (trouver à manger, se laver, boire, dormir autre part que sur une fourmilière, recoudre un vêtement déchiré) ne durent qu’un temps. L’officière et ses sbires viennent accomplir leur œuvre de mort dans le parc, établissant un parallèle facile entre leur assassinat d’animaux non humains et celui de Juifs, de Juives, de résistant·es… et, potentiellement, des enfants qui observent la militaire du haut de leur cachette dans l’arbre. Les abris dans la forêt sont aussi fragiles que ceux des Hébreux dans le désert5 et, comme les Hébreux, les enfants doivent reprendre leur errance, jusqu’à atteindre la Terre promise, loin des méchant·es en armes.

Heureusement, le groupe reprend ses chaussures, au lieu de les laisser en tas, comme c’est le cas des gazé·es dans les camps de déportation6. Et, grâce à Rose, prennent le champ.

Si ce film mélange les vérités historiques, c’est pour notre plus grande joie. Rose Valland, conservatrice au Jeu de Paume et résistante, n’est jamais allée à Chambord pendant l’Occupation pour s’occuper de la sauvegarde des collections des musées nationaux. Sauvegarde qui s’est effectuée à partir de « Drôle de guerre », non en 1942. Et les œuvres d’art spoliées par les Allemands n’en faisaient évidemment pas partie, même si Valland a pu en dresser l’inventaire, puisque les caisses d’œuvres d’art ont transité par les entrepôts des musées nationaux7. Par contre, Lucie Mazauric, conservatrice au Louvre, raconte dans le troisième tome de ses mémoires, Le Louvre en voyage. 1939-1945 (publié en 1967), les ruses déployées par ses collègues et elle-même afin de soustraire le patrimoine artistique français et étranger à l’avidité nazie, dès 1939 et jusqu’à la Libération, qui verra fleurir une grande exposition au Louvre puis au Petit Palais8. Et, surtout, aucun·e enfant n’a été sauvé via le transport des œuvres d’art.

Il n’empêche que ce film accompli brillamment un devoir de mémoire indispensable, avec des acteurs et des actrices de talent. Film donc à voir pour soi et à montrer de toute urgence aux jeunes générations.

Pour aller plus loin sur le Vel’ d’Hiv’ et les enfants cachés (livre, bande dessinée, radio, film) :

Claude Berri, Le Vieil Homme et l’Enfant, 1967.

Roselyne Bosch, La Rafle, 2010.

Robert Bober, Berg et Beck, Paris, POL, 1999.

Cabu, La Rafle du Vel’ d’Hiv‘, Paris, Tallandier, 2022.

Louis Malle, Au revoir les enfants, 1987.

Xavier Mauduit, « Recueillir et prendre soin, destins d’enfants juifs après la guerre », France Culture, vendredi 10 juin 2022. URL : https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/le-cours-de-l-histoire/recueillir-et-prendre-soin-destins-d-enfants-juifs-apres-la-guerre-9469341?fs=e&s=cl

Gilles Paquet-Brenner, Elle s’appelait Sarah, 2010.

Tatiana de Rosnay, Elle s’appelait Sarah, Paris, Héloïse d’Ormesson, 2007.

Johan Sfar, Gainsbourg (vie héroïque), 2010.

 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Cœurs vaillants, la liberté au bout du champ », Voyages autour de mon cerveau, juin 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=5487

 

2 Cf. les photographies de Rose Valland à la fin de l’album in Catel, Pollack, Bouilhac, Rosa Valland. Capitaine Beaux-Arts, Bruxelles, Dupuis, 2009, s.p.

5 Marion Feldman, Yoram Mouchenik, Marie Rose Moro, « Les enfants juifs cachés en France pendant la Seconde Guerre mondiale : des traces du traumatisme repérables plus de soixante ans après », La psychiatrie de l’enfant, 2008/2 (Vol. 51), p. 481513, note 7 : « En hébreu, signifie « cabanes ». Cest une des trois grandes fêtes de pèlerinage ou fêtes des moissons. Célébrée durant sept jours à partir du 15 Tichri, Souccoth est la plus joyeuse des fêtes prescrites par le Pentateuque. Les Juifs sinstallent dans des cabanes rituelles, qui sont les symboles de la protection divine puisquelles rappellent les abris fragiles où les Hébreux vécurent dans le désert. » URL : https://www.cairn.info/revue-la-psychiatrie-de-l-enfant-2008-2-page-481.htm#re7no7

6 Le plasticien Christian Boltansky en a fait l’objet de son installation en 2016 au Grand Palais à Paris : http://www.lecoindesartsplastiques.com/2016/09/installation-memoire-christian.html

7 Chronologie à la fin de l’album de Catel, Polack, Bouilhac, Rosa Valland. Capitaine Beaux-Arts, op. cit., s.p.

8 Lucie Mazauric, Le Louvre en voyage. 1939-1945, Paris, Plon, 1978, p. 208-213.

 

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Petite Leçon d'amour

Petite leçon d’amour, des fraises pour les bras cassés

La comédie romantique d’Ève Deboise illustre bien cette (fausse) citation de Confucius : pour chasser les ténèbres, rien de tel qu’une bonne bougie. Et des fraises.

Si ce film est un peu trop foutraque pour être véritablement percutant, il n’en reste pas moins attachant. La réalisatrice et scénariste pose les problèmes du temps devant les spectateurs et spectatrices, à elles et ils de choisir : le prof trop rigide versus les élèves chahuteurs, les classes surchargées versus le désintérêt des élèves pour leurs études, le harcèlement sexuel de mineure vers adulte et réciproquement, la publicité sexiste pour la lingerie qui découpe le corps des femmes et l’expose sur les bus, les abribus etc., versus le droit à être épanouie dans sa féminité et d’avoir une jolie lingerie, la drogue chez les jeunes versus l’alcool chez les un peu moins jeunes, un divorce difficile versus une autodestruction à petit feu.

Mais quel couple ! Et quelle rencontre explosive bien dans la lignée des comédies étasuniennes des années trente ! Elle (Laétitia Dosch) oblige Lui (Pierre Deladonchamps) à regarder en face ses nombreux problèmes et Lui oblige Elle à prendre des responsabilités en situation de crise, sans rien lâcher. Un duo de Pygmalion·nes, en somme.

Et le désir s’insinue entre eux, après que Lui, Mathieu, ait involontairement assisté à une scène de sexe entre deux inconnu·es, d’abord dans une chambre, puis dans la cuisine, le tout à base de crème chantilly en bombe. Ce voyeurisme réactive sa libido. Et, lui qui était si renfermé et si peu apte à l’action directe, n’hésite pas, attention, à aller piocher dans ce frigo-ci pour prendre des fraises et la fameuse bombe de chantilly.

S’il est vrai que Elle, Julie, a auparavant exprimé le souhait de manger des fraises en plus de ses quatre kebabs et trente-six hamburgers, il n’empêche que le symbole est fort. Autant Mathieu refusait de regarder Julie manger cette solide nourriture grasse et préférait rester au comptoir du kebab à boire encore et encore, sans s’assoir en face d’elle, autant il s’assoit à côté d’elle dans sa voiture pour la contempler déchiqueter délicatement les fraises … et avaler goulûment la crème chantilly. Métaphore sexuelle, le fruit et la crème participent au rapprochement spatial et sensuel des deux héros, avant les baisers finaux et le mieux-être de chacun·e.

Mathieu lâche du lest en cours et se fait donc respecter des élèves, Julie arrête le grignotage compulsif et, gracieuse, s’étire et esquisse une chorégraphie de danse contemporaine au milieu d’un square. Ils pourront ainsi former un couple, ayant laissé leurs soucis et leurs maux.

Une manière originale de conclure cette comédie romantique qui donne le sourire.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Petite leçon d’amour, des fraises pour les bras cassés », Voyages autour de mon cerveau, juin 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=5430

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Le Jeune Homme Annie Ernaux

Désir pas mort, Le Jeune Homme d’Annie Ernaux

Loin, très loin d’un chant du cygne et d’un adieu à la sexualité, Le Jeune Homme d’Annie Ernaux irradie de désir. Alors que dans Mémoire de fille (2016) l’autrice rendait implicitement hommage à Simone de Beauvoir et à ses Mémoires d’une jeune fille rangée (1958), nous sommes ici très loin – et c’est tant mieux – de la conclusion désenchantée de La Force des choses (1963) : « Jamais plus un homme. Maintenant, autant que mon corps mon imagination en a pris son parti. » Ce n’est heureusement pas le cas d’Annie Ernaux.

Il est vrai que Beauvoir, en écrivant La Force des choses, enterre à la fois plus de quinze ans de guerres coloniales (Madagascar, Indochine, Afrique de l’Ouest, Afrique du Nord), sa relation tourmentée et passionnée avec l’écrivain Nelson Algren, son « crocodile » de Chicago, et son compagnonnage de sept ans avec le journaliste et futur cinéaste Claude Lanzmann, son cadet de dix-sept ans.

Annie Ernaux, elle, n’enterre rien, elle écrit. Car, comme chez Proust, l’écrit fixe le vécu et le transforme en récit, lui donnant alors son plein sens.

Sens de la saveur des jours avec ce lecteur devenu amant, telle une nouvelle Marguerite Duras avec un nouvel Yann Andréa Steiner, mais sans le côté sadomasochiste de cette relation. Annie Ernaux, elle, fait référence à Théorème de Pasolini (1968) et à son « ange révélateur ».

Sens de la musique qu’on n’entend plus dans le studio du jeune homme, car le désir est à son point d’incandescence.

Sens de la gêne retrouvée, celle, passée, de l’enfance d’Annie Ernaux et celle, présente, du jeune homme. D’où les sacs de nourriture apportées par l’amante à son étudiant, à son « ouvreur du temps ». L’écrivaine précise qu’elle n’envisage pas d’avenir à cette relation, sexe et nourriture se lient alors pour attacher le couple dans un présent répété, celui des visites régulières d’Annie Ernaux à Rouen.

L’alimentation devient aussi une manière d’afficher leur désir réciproque. La sortie au restaurant, scène type des comédies romantiques – avec des clichés de clichés de clichés (bougies et nappe blanche ou nappe à carreaux, selon le standing du couple) – devient l’occasion pour Annie Ernaux de se moquer physiquement, avec son corps plus âgé que celui de son petit ami, des diktats sexistes. Elle souligne que les couples incestueux homme âgé-jeune femme passent inaperçus et ne sont pas remis en question par des regards fielleux, contrairement au sien.

Mêler sexe et nourriture ne va pas de soi, il dépend de l’avis des autres, de celui de la société. Le patriarcat ne supporte toujours pas qu’une femme soit plus âgée que son compagnon, et les jeunes générations ne sont hélas pas en reste, elles qui draguent ce jeune homme-là sous le nez d’Annie Ernaux. Mais l’effet est contraire à celui attendu : le couple ne se défait pas, et Annie Ernaux éprouve un « sentiment de victoire » à défier les conventions mortifères, que ce soit au restaurant ou à l’extérieur de l’extérieur, sur la jetée de Fécamp.  Sens du désir encore plus fort après de telles épreuves, parfum de jouer avec les non-dits et les interdits.

Il est aussi possible de rester en vie, bien portante, désirante, écrivaine, après un tel amour. Pas de torrents de larmes de son côté , pas d’amertume ni de mort (Harold et Maude, de Colin Higgins, pourtant pionnier, se termine par le suicide volontaire de l’héroïne). Désir d’écrire, de vivre sa vie, encore et toujours.

Écrire pour (re)vivre et faire vivre cette relation, superbe pied-de-nez aux conventions patriarcales.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Désir pas mort, Le Jeune Homme d’Annie Ernaux  », Voyages autour de mon cerveau, mai 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=5386

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Interview sur Antonia Bird 2

À la redécouverte d’Antonia Bird

“Rencontre avec Guillaume Banniard et Muriel Cinque, corédacteurs en chef du second numéro du magazine indépendant L’Infini Détail qui consacre un dossier à Antonia Bird. Une immense et invisibilisée cinéaste britannique qui n’avait, jusqu’ici, pas eu les honneurs d’un article à la mesure de sa carrière.”

Tiphaine Martin – Comment est né votre projet ?

 

Muriel Cinque – de la curiosité et du désir de partager. En visionnant les différents projets de madame Bird, il nous est apparu à Guillaume et moi-même que nous avions affaire non seulement à une cinéaste de qualité mais à un être humain de grande valeur. Son approche des sujets qu’elle traite, sa maîtrise des tourments intérieurs de ses personnages, son sens de l’observation et son absence de jugement font de son travail une mine d’or.

Guillaume Banniard – pour ma part, il est aussi né d’un sentiment de frustration, celle de découvrir les films d’Antonia Bird tout en découvrant que personne, en fait, ne les connaissait. Son long-métrage Vorace compte parmi mes dix films favoris depuis sa sortie, en 1999, mais j’ai moi-même mis des années avant d’explorer le reste de sa filmographie. La création de ce dossier nous est apparu comme une évidence. Ce magazine est aussi le fruit du dévouement de notre maquettiste, Marie Lemoine, qui a donné un magnifique écrin à notre travail. L’identité visuelle de L’Infini Détail lui est entièrement due.

©Rackdamn

T.M. – Qui est Antonia Bird et pourquoi n’est-elle pas/peu connue aujourd’hui ?

G. B. – C’est une cinéaste londonienne décédée prématurément, fin 2013, à l’âge de 62 ans. Nous-mêmes nous posons la question de son anonymat. Notre revue, L’Infini Détail, la pose également. Et y répond en explorant ses œuvres. Ses films, il faut insister là-dessus, sont taillés pour le public. Ils sont engagés autant que divertissants, accessibles.

M. C. – Antonia Bird est une cinéaste de l’humain. Son cinéma est engagé, social et surtout populaire dans le sens noble du terme. Elle n’a jamais renoncé face à l’adversité, qu’il s’agisse du mépris des distributeurs qui ont littéralement sacrifié son œuvre la plus connue, Vorace, ou des menaces de mort suite au tournage de son film sur l’Église britannique, Prêtre. Elle reste peu connue car sa filmographie n’a pas ou peu eu l’heur de sortir en salle et sa disparition prématurée a fait que les plateformes ne s’y sont pas intéressées. Pas plus que les télévisions françaises. Il faut donc faire l’effort de chercher. 

T.M. – Quels sont ses films et où peut-on les visionner ?

G. B.et M. C. – Légalement, c’est un sacerdoce ! Les options sont limitées pour mettre la main dessus. Côté support physique, il existe des DVD français de VoracePrêtreDe l’amour à la folie et La Cellule de Hambourg. Ils se trouvent sur le marché d’occasion. Vorace, lui, est actuellement présent sur le catalogue de la plateforme FilmoTV. Sinon, certains sont visibles sur YouTube dans une qualité toute relative, et sans sous-titres. Nous espérons organiser des projections dans des festivals, une fois le magazine sorti. Voire une rétrospective à l’Institut Lumière ou à la Cinémathèque française. Charlotte Wensierski, la directrice du Festival du Film Subversif de Metz, a envie depuis plusieurs années de passer Vorace. Ce serait formidable qu’elle projette plusieurs films de Antonia Bird durant la prochaine édition.

T.M. – Quels sont leurs points communs, leur fil directeur ?

M. C. – Le choix de ses comédiens et leur emploi. Ce n’est pas pour rien si, malgré le fait qu’elle reste méconnue de nombreux cinéphiles, elle reste dans le cœur de ceux qui ont côtoyé ses œuvres. La manière dont elle s’empare des sujets qu’elle choisit de traiter, quels qu’ils soient, rend son cinéma absolument unique. Leur diversité montrent aussi son ouverture d’esprit, son empathie.

G. B. – Je suis entièrement d’accord. J’ajouterais que le point commun de tous ses films, c’est une direction d’acteurs merveilleuse. Le style visuel de Antonia Bird se met toujours à leur service. Ses films sont d’une grande efficacité, car soucieux de captiver le public, peu importe le sujet abordé. Et entre les troubles psychiatriques, le terrorisme, l’homosexualité ou encore le cannibalisme, Dieu sait qu’elle a abordé des sujets difficiles.

T.M. – Quelle est l’évolution dans sa filmographie ?

G. B. – De mon point de vue, on peut davantage parler de constance. Ses œuvres de début de carrière, comme l’excellent téléfilm Safe, étaient déjà très puissants. Antonia Bird a su conserver l’acuité de son regard sur ses projets suivants, téléfilms comme films de cinéma, productions britanniques comme américaines.

M. C. – Je pense que l’on peut parler de constante plus que d’évolution. Certes elle a débuté en travaillant pour la télévision et le passage au grand écran peut passer comme telle, de même que traverser l’océan le peut aussi mais dès ses premiers métrages, son écriture, ses personnages et sa caméra ont la même puissance. 

T.M. – A-t-elle inspiré d’autres cinéastes, d’autres artistes (plasticien·nes, écrivain·es, musicien·es…) ?


G. B. – Pas à ma connaissance, mais comment en être sûr ? J’ai découvert le cinéaste hongrois Jan Kadar le jour où John McTiernan, réalisateur de Predator, l’a mentionné lors d’une interview dans l’émission BiTS de Rafik Djoumi. « Sa maîtrise suprême de la caméra n’a jamais eu la reconnaissance méritée », disait-il. S’il n’avait pas cité ce cinéaste, aurais-je jamais entendu parler de Jan Kadar ? Sans doute pas, alors qu’il a influencé l’un des cinéastes hollywoodiens les plus importants des années 1980-1990 ! J’ai commencé la filmographie de Jan Kadar par Le Miroir aux alouettes, que j’ai ensuite fait découvrir à Muriel. C’est une merveille. Allez savoir si des cinéastes établis n’ont pas été influencés de la même manière par Antonia Bird ?


M. C. – Je ne crois pas vraiment. Ses partenaires lui ont été fidèles, et les influences sont parfois si bien digérées… Elle a travaillé avec de futures stars comme Linus Roache (Homeland), Guy Pearce, Aidan Gillen (Game of Thrones) ou encore Robert Carlyle, avec qui elle était amie. C’est un beau CV pour une femme oubliée.

Lien vers la page Ulule :  Revue – L’Infini Détail n°2 – Ulule

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, Guillaume Banniard et Muriel Cinque, « À la redécouverte d’Antonia Bird », Voyages autour de mon cerveau, janvier 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/2437

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Affiche BNF Gallica - Joséphine Baker

Joséphine Baker par Simone de Beauvoir, de revue en revue

Notre hommage à Joséphine Baker et à son entrée au Panthéon sera beauvoirien. Extrais des mémoires de Simone de Beauvoir.

1930, Simone de Beauvoir va voir la danseuse dans sa revue « Paris qui remue », en compagnie de Jean-Paul Sartre, compagnon principal, voire nécessaire, selon la terminologie de leur couple, de cette époque :

Nous fréquentions les music-halls. Joséphine Baker reprit au Casino de Paris les chansons et les danses qui l’avaient quelques années plus tôt précipitée dans la célébrité : de nouveau, elle triompha1

Des photographies de cette revue sont disponibles sur le site de La Régie théâtrale : http://www.regietheatrale.com/index/index/photographies/josephine-baker-casino-de-paris-1930.html

Trente ans plus tard, avec son compagnon Claude Lanzmann, en mai 1959, elle voit la chanteuse en répétition pour la revue « Paris Mes Amours » :

Vers le mois de mai, Lanzmann m’emmena un soir voir répéter Joséphine Baker à l’Olympia ; dans des décors tronqués, des acteurs en costumes de ville en coudoyaient d’autres, demi-nus dans des travestis antiques ; je pris plaisir à ce désordre, à l’agitation des techniciens, à la mauvaise humeur des responsables, aux effets insolites produits par la rencontre d’artifices somptueux avec la platitude quotidienne. Mais en me rappelant la Joséphine de ma jeunesse, je me répétai le vers d’Aragon : « Qu’est-ce qui s’est passé ? La vie… » Elle se défendait avec un héroïsme qui forçait l’estime ; il me semblait d’autant plus indécent de la regarder. Je découvrais sur son visage le mal qui rongeait le mien2.

Pour vous faire votre opinion, une photographie de cette revue est à voir sur le site de France bleu : https://www.francebleu.fr/emissions/josephine-baker-et-sa-tribu-arc-en-ciel/josephine-baker-ses-adieux-successifs-a-la-scene-episode-ndeg8

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Joséphine Baker par Simone de Beauvoir, de revue en revue », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2021. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=2240

 

1 Simone de Beauvoir, La Force de l’âge, Paris, Gallimard, « Folio », 1999, p. 61.

2 Simone de Beauvoir, La Force des choses. II, Paris, Gallimard, « Folio », 1999, p. 254.

 

 

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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