Archives de catégorie : Premières séances

S’installer dans un fauteuil, au cinéma, chez soi ou chez les autres, et analyser les images qui bougent.

Coeurs vaillants cinéma

Cœurs vaillants, la liberté au bout du champ

Ce film de Mona Achache se déroule à l’été 1942, juste après la Rafle du Vel’ d’Hiv’, où « 13 152 juifs sont arrêtés à leur domicile par des policiers français avant d’être livrés aux Nazis1. »

Rose (Camille Cottin), conservatrice au Louvre, a caché six enfants juifs et juives dans des caisses d’œuvres d’art destinées à partir loin des Allemands, c’est-à-dire, d’abord, dans les châteaux de la Loire. Les trois filles et les trois garçons arrivent sains et saufs à Chambord, d’où elles et ils doivent partir le lendemain matin pour la zone libre, grâce au curé de Chambord (Patrick dAssumçao). Mais une officière nazie (Anne-Lise Heimburger) surgit, en exigeant les collections spoliées aux Français·es juives et juives. Se trouvant fort bien au château (acht, François Ier), elle décide d’y séjourner et d’y chasser dans le parc royal.

Les enfants, Hannah (Maé Roudet-Rubens), Jacques (Léo Riehl), Josef (Ferdinand Redouloux), Clara (Lilas-Rose Gilberti), Henriette (Asia Suissa-Fuller) et son frère Léon (Luka Haggège), vont se cacher dans la forêt, grâce à la complicité du jeune Paul (Félix Nicolas), enfant de chœur dont le père est prisonnier en Allemagne depuis la défaite de 1940. Les cabanes de Paul leur sont des refuges temporaires contre la barbarie qui leur colle aux chausses.

Rose, qui peut compter sur la discrétion précieuse du conservateur du château (Swann Arlaud), se prépare donc à faire passer le groupe enfantin et Paul en zone non occupée, où elles et ils sont attendus dans une maison d’enfants. Ce qui sera fait, après le décès accidentel de Clara et le sacrifice de Rose, qui se fait passer pour folle auprès des soldats allemands qui gardent le dernier pont avant le champ de la liberté.

Dans ce film foisonnant, nul pathos désagréable, mais une véritable émotion qui surgit régulièrement, grâce à une mise en scène serrée, au plus près des corps et des visages. Le jeu des acteurs et des actrices est sobre, les adultes n’en font pas trop et les enfants ne bêtifient pas. Lorsque leurs larmes coulent, c’est que la situation l’exige : fatigue, faim, manque de leurs parents et angoisse quant à leur sort (le leur et celui de leurs parents). Les garçons autant que les filles s’expriment ainsi, sans fausse honte.

De même, dans ce groupe où les âges s’échelonnent entre huit et seize ans, les disputes ne manquent pas, loin de l’image d’Épinal d’angelots se tenant forcément les coudes en cette période noire de leur existence. Ce qui n’empêche pas des flirts de s’ébaucher, entre Clara et Josef d’abord, Clara qui se noie après deux chutes sans gravité dans l’eau. Josef récupère alors le journal intime de cette nouvelle Anne Franck, y écrit son amour pour elle, se barbouille les lèvres de l’encre de son stylo et appuie ses lèvres sur la page qu’il vient de rédiger. L’entreprise mémorielle de Clara se poursuit sous une autre forme, celle de la biographie et de la conservation du nom de la disparue, comme aujourd’hui dans les mémoriaux de la Shoah… et dans les films consacrés à cette période.

Autre flirt, celui d’Hannah et de Paul, très intéressé par la poitrine de la jeune fille, lors du bain pris en commun – et en sous-vêtements. Les coup d’œil sur le corps de l’autre deviennent des regards de visage à visage, en un début d’histoire.

Et c’est d’ailleurs en exposant son corps en chemise que Rose sauve « les » enfants, elles et eux qui ne sont pas « ses » enfants, comme elle le fait sèchement remarquer au conservateur de Chambord au début du film. Rose joue de la concupiscence des soldats allemands pour les attirer dans la rivière, afin que le groupe enfantin passe le pont qui les mènera en zone libre.

Le personnage de Rose, hommage à la résistante Rose Valland, dont Camille Cottin a pris les traits, les vêtements pratiques et les lunettes2, n’est pas une mère de substitution, ce dont Léon et Josef lui font d’ailleurs grief. Les motivations de Rose sont humanistes et non maternalistes. Sauver un peu, si peu, de l’humanité dans l’enfer de l’Occupation, telle est la tâche qu’elle s’est donnée, qu’il s’agisse de tableaux ou d’êtres humains. Elle reproche ainsi au conservateur de Chambord de se réfugier dans l’art pour fuir le monde, au lieu d’être dans le monde humain grâce à l’art et à l’architecture. Belle leçon de philosophie du film, où les œuvres d’art montrées sont soit des visages (La Joconde, La Victoire de Samothrace, des portraits de jeunes filles peintes par Renoir3), soit du land art fabriqué par les enfants au sol de leur première cabane, où se trouvent aussi des figurines humaines.

Par les cabanes, nous touchons à la part onirique du film. Il y a déjà les brèves images, sublimes, de jour et de nuit, du château, de la forêt et des animaux non humains qui y vivent en liberté. Par la vie dans la cabane au sol et le passage dans la cabane dans l’arbre, nous plongeons dans l’univers de l’aventure, dont la revue catholique Cœurs vaillants est un des prototypes, avec notamment la publication des aventures de Tintin et Milou. Dans le film, situé en juillet 42, il s’agit du Crabe aux pinces d’or4. Sans oublier le clin d’œil au public contemporain, avec Hannah et son chapeau de type Indiana Jones – qui combat les Nazis dans La Dernière Croisade (Steven Spielberg, 1989).

Mais l’onirisme n’est pas que joyeux, il peut tourner au cauchemar, comme dans n’importe quel conte de fées. Le repos et la vie aventureuse (trouver à manger, se laver, boire, dormir autre part que sur une fourmilière, recoudre un vêtement déchiré) ne durent qu’un temps. L’officière et ses sbires viennent accomplir leur œuvre de mort dans le parc, établissant un parallèle facile entre leur assassinat d’animaux non humains et celui de Juifs, de Juives, de résistant·es… et, potentiellement, des enfants qui observent la militaire du haut de leur cachette dans l’arbre. Les abris dans la forêt sont aussi fragiles que ceux des Hébreux dans le désert5 et, comme les Hébreux, les enfants doivent reprendre leur errance, jusqu’à atteindre la Terre promise, loin des méchant·es en armes.

Heureusement, le groupe reprend ses chaussures, au lieu de les laisser en tas, comme c’est le cas des gazé·es dans les camps de déportation6. Et, grâce à Rose, prennent le champ.

Si ce film mélange les vérités historiques, c’est pour notre plus grande joie. Rose Valland, conservatrice au Jeu de Paume et résistante, n’est jamais allée à Chambord pendant l’Occupation pour s’occuper de la sauvegarde des collections des musées nationaux. Sauvegarde qui s’est effectuée à partir de « Drôle de guerre », non en 1942. Et les œuvres d’art spoliées par les Allemands n’en faisaient évidemment pas partie, même si Valland a pu en dresser l’inventaire, puisque les caisses d’œuvres d’art ont transité par les entrepôts des musées nationaux7. Par contre, Lucie Mazauric, conservatrice au Louvre, raconte dans le troisième tome de ses mémoires, Le Louvre en voyage. 1939-1945 (publié en 1967), les ruses déployées par ses collègues et elle-même afin de soustraire le patrimoine artistique français et étranger à l’avidité nazie, dès 1939 et jusqu’à la Libération, qui verra fleurir une grande exposition au Louvre puis au Petit Palais8. Et, surtout, aucun·e enfant n’a été sauvé via le transport des œuvres d’art.

Il n’empêche que ce film accompli brillamment un devoir de mémoire indispensable, avec des acteurs et des actrices de talent. Film donc à voir pour soi et à montrer de toute urgence aux jeunes générations.

Pour aller plus loin sur le Vel’ d’Hiv’ et les enfants cachés (livre, bande dessinée, radio, film) :

Claude Berri, Le Vieil Homme et l’Enfant, 1967.

Roselyne Bosch, La Rafle, 2010.

Robert Bober, Berg et Beck, Paris, POL, 1999.

Cabu, La Rafle du Vel’ d’Hiv‘, Paris, Tallandier, 2022.

Louis Malle, Au revoir les enfants, 1987.

Xavier Mauduit, « Recueillir et prendre soin, destins d’enfants juifs après la guerre », France Culture, vendredi 10 juin 2022. URL : https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/le-cours-de-l-histoire/recueillir-et-prendre-soin-destins-d-enfants-juifs-apres-la-guerre-9469341?fs=e&s=cl

Gilles Paquet-Brenner, Elle s’appelait Sarah, 2010.

Tatiana de Rosnay, Elle s’appelait Sarah, Paris, Héloïse d’Ormesson, 2007.

Johan Sfar, Gainsbourg (vie héroïque), 2010.

 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Cœurs vaillants, la liberté au bout du champ », Voyages autour de mon cerveau, juin 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=5487

 

2 Cf. les photographies de Rose Valland à la fin de l’album in Catel, Pollack, Bouilhac, Rosa Valland. Capitaine Beaux-Arts, Bruxelles, Dupuis, 2009, s.p.

5 Marion Feldman, Yoram Mouchenik, Marie Rose Moro, « Les enfants juifs cachés en France pendant la Seconde Guerre mondiale : des traces du traumatisme repérables plus de soixante ans après », La psychiatrie de l’enfant, 2008/2 (Vol. 51), p. 481513, note 7 : « En hébreu, signifie « cabanes ». Cest une des trois grandes fêtes de pèlerinage ou fêtes des moissons. Célébrée durant sept jours à partir du 15 Tichri, Souccoth est la plus joyeuse des fêtes prescrites par le Pentateuque. Les Juifs sinstallent dans des cabanes rituelles, qui sont les symboles de la protection divine puisquelles rappellent les abris fragiles où les Hébreux vécurent dans le désert. » URL : https://www.cairn.info/revue-la-psychiatrie-de-l-enfant-2008-2-page-481.htm#re7no7

6 Le plasticien Christian Boltansky en a fait l’objet de son installation en 2016 au Grand Palais à Paris : http://www.lecoindesartsplastiques.com/2016/09/installation-memoire-christian.html

7 Chronologie à la fin de l’album de Catel, Polack, Bouilhac, Rosa Valland. Capitaine Beaux-Arts, op. cit., s.p.

8 Lucie Mazauric, Le Louvre en voyage. 1939-1945, Paris, Plon, 1978, p. 208-213.

 

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Petite Leçon d'amour

Petite leçon d’amour, des fraises pour les bras cassés

La comédie romantique d’Ève Deboise illustre bien cette (fausse) citation de Confucius : pour chasser les ténèbres, rien de tel qu’une bonne bougie. Et des fraises.

Si ce film est un peu trop foutraque pour être véritablement percutant, il n’en reste pas moins attachant. La réalisatrice et scénariste pose les problèmes du temps devant les spectateurs et spectatrices, à elles et ils de choisir : le prof trop rigide versus les élèves chahuteurs, les classes surchargées versus le désintérêt des élèves pour leurs études, le harcèlement sexuel de mineure vers adulte et réciproquement, la publicité sexiste pour la lingerie qui découpe le corps des femmes et l’expose sur les bus, les abribus etc., versus le droit à être épanouie dans sa féminité et d’avoir une jolie lingerie, la drogue chez les jeunes versus l’alcool chez les un peu moins jeunes, un divorce difficile versus une autodestruction à petit feu.

Mais quel couple ! Et quelle rencontre explosive bien dans la lignée des comédies étasuniennes des années trente ! Elle (Laétitia Dosch) oblige Lui (Pierre Deladonchamps) à regarder en face ses nombreux problèmes et Lui oblige Elle à prendre des responsabilités en situation de crise, sans rien lâcher. Un duo de Pygmalion·nes, en somme.

Et le désir s’insinue entre eux, après que Lui, Mathieu, ait involontairement assisté à une scène de sexe entre deux inconnu·es, d’abord dans une chambre, puis dans la cuisine, le tout à base de crème chantilly en bombe. Ce voyeurisme réactive sa libido. Et, lui qui était si renfermé et si peu apte à l’action directe, n’hésite pas, attention, à aller piocher dans ce frigo-ci pour prendre des fraises et la fameuse bombe de chantilly.

S’il est vrai que Elle, Julie, a auparavant exprimé le souhait de manger des fraises en plus de ses quatre kebabs et trente-six hamburgers, il n’empêche que le symbole est fort. Autant Mathieu refusait de regarder Julie manger cette solide nourriture grasse et préférait rester au comptoir du kebab à boire encore et encore, sans s’assoir en face d’elle, autant il s’assoit à côté d’elle dans sa voiture pour la contempler déchiqueter délicatement les fraises … et avaler goulûment la crème chantilly. Métaphore sexuelle, le fruit et la crème participent au rapprochement spatial et sensuel des deux héros, avant les baisers finaux et le mieux-être de chacun·e.

Mathieu lâche du lest en cours et se fait donc respecter des élèves, Julie arrête le grignotage compulsif et, gracieuse, s’étire et esquisse une chorégraphie de danse contemporaine au milieu d’un square. Ils pourront ainsi former un couple, ayant laissé leurs soucis et leurs maux.

Une manière originale de conclure cette comédie romantique qui donne le sourire.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Petite leçon d’amour, des fraises pour les bras cassés », Voyages autour de mon cerveau, juin 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=5430

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Un souffle d’aventures au féminin : La Tulipe noire de Christian-Jaque

C’est la seconde fois que le réalisateur français Christian-Jaque s’intéresse à l’horticulture en compagnie du dialoguiste et scénariste Henri Jeanson. D’abord, en 1950, ils ont commis, de concert avec Gérard Philippe et Gina Lollobrigida, Fanfan la Tulipe, réjouissant concentré d’antimilitarisme sur fond de républicanisme bon teint, sans oublier les références aux Trois Mousquetaires d’Alexandre Dumas. La Tulipe noire, film de 1964, est dans la même veine, quoique sans aucun rapport avec La Tulipe noire de Dumas (1850), qui se passe en Hollande au dix-septième siècle.

Les allusions à Fanfan la Tulipe se retrouvent aussi dans les scènes d’attaques de carrosse des nobles et de la police, avec des cadrages de type western (par exemple La Chevauchée fantastique de John Ford), similaires dans les deux films. Sachant aussi que La Tulipe noire peut être vue a posteriori comme un western-spaghetti à la française, le premier western de Sergio Leone étant justement de 1964 .

De même, nous retrouvons dans La Tulipe noire l’apprentissage sentimental du héros Julien – Julien comme Julien Sorel, incarné en 1954 pour Claude Autant-Lara par Gérard Philippe, héros stendhalien également chez Christian-Jaque en 1948 dans La Chartreuse de Parme. Ou Julien comme la sensible Julie de La Nouvelle Héloïse de Jean-Jacques Rousseau, amoureuse de Saint-Preux, patronyme de Julien et de son frère aîné Guillaume dans La Tulipe noire.

Car il s’agit d’abord d’un combat entre deux prénoms masculins, donc deux manières d’envisager la virilité : d’une part le très macho Guillaume – comme Guillaume le Conquérant au Moyen Âge ? -, d’autre part le doux Julien, tout acquis aux idées des Lumières, qui sont présentées comme tendant vers l’égalité femmes-hommes, ce qui reste par ailleurs à prouver.

Guillaume (Alain Delon) trousse, avec leur consentement, nobles dames et femmes de chambre. Julien (Alain Delon) fait les doux yeux à une jeune fille du peuple, Caroline Plantin (Virna Lisi), et souhaite l’épouser. S’il couche avec une aristocrate, maîtresse de son frère, c’est à son corps défendant et suite à un malentendu. Et aussi pour montrer au spectateur et à la spectatrice de 1964 qu’Alain Delon est autant viril dans un rôle que dans l’autre. Et c’est Guillaume le macho qui meurt à la fin du film, tandis que Julien, sous le nom de Guillaume, s’en va en dansant avec sa dulcinée, fille de Plantin le révolutionnaire.

Plantin (Francis Blanche) incarne avec ferveur et saveur un homme du peuple prêt à donner son sang pour que triomphe la liberté, l’égalité et la fraternité. D’abord aux Amériques avec Lafayette, comme il le déclare avec fierté, dans la guerre d’indépendance des Anglais, fraîchement arrivés en terres amérindiennes, contre le Royaume-Uni. Puis dans le Sud-Est de la France en ce bel été 1789, en compagnie de Julien de Saint-Preux. Ou est-ce ce dernier qui l’a accompagné pour faire entrer le « 19 Juillet 1789 dans les livres d’histoire », comme Plantin le demande à sa « libellule », une femme du peuple de son âge, à la fin du film ? Peu importe au fond, puisque, hélas, c’est une fois de plus une date parisienne qui a été retenue, celle du 14 Juillet…

L’œil de Francis Blanche frise de joie quand il doit se conduire en chef de guerre, tout comme lorsqu’il sanglote dans les bras de son pire ennemi, le prince de Grassillac de Morvan-Le-Breau (Robert Manuel). On pense bien sûr à son rôle d’agent secret soviétique dans Les Barbouzes de Lautner (1964) ou de sympathique gangster dans Les Tontons flingueurs (Lautner, 1963), jamais en reste de démesure – et de misogynie, comme dans la fameuse scène de la cuisine.

Mais ce qui nous intéresse ici est son côté paternel. Comme son homonyme Plantin (Charles Aznavour) dans Paris au mois d’août (Pierre Granier-Deferre, 1964, d’après René Fallet), Plantin-Blanche entretient de bons rapports avec sa fille chérie, Caroline. Foin du déshabillé ravageur de Martine Carole (égérie des films Caroline-chérie et épouse de Christian-Jaque, qui la fait aussi tourner dans son Nana d’après Zola en 1955). Place à l’épée et à la « botte secrète » – Lagardère nous voici – héritée d’un ancêtre mousquetaire, Porthos. Ou comment rejoindre A. Dumas par la pointe du fleuret.

Ou plutôt, de la rapière, car l’histoire de Caroline Plantin ressemble furieusement à celle de la Béatrice de Georges Chaulet dans le roman jeunesse Une rapière pour Béatrice (1963) : même absence de mère, comme toujours opportunément morte en couches ; même regret des pères de ne pas avoir eu de fils ; même éducation genrée (habits masculins, liberté de ton et de manière, goût pour les armes). Et même rapport filial aux Trois Mousquetaires, dont la trilogie des Béatrice s’inspire à larges traits et avec plus ou moins de bonheur.

Caroline n’a pas froid aux yeux, elle n’hésite pas à se battre, en pantalon et chemise aux manches retroussées, pour défendre ses idées républicaines et pour empêcher le prince deGrassillac de mener son armée de mercenaires à Paris en juillet 1789, afin de massacrer les Parisien·nes en révolte contre l’autorité royale. Elle n’a pas besoin de Julien pour la défendre. Elle échappe à la rafle qui voit Julien et Plantin être faits prisonniers, puis torturés, puis, pour Julien, être condamné à la pendaison. Elle brave le peloton qui entoure le gibet pour crier son amour à Julien et se fait, à son tour, arrêter.

Le macho Guillaume, qui a pris la place de son jumeau qu’il a fait évader, regrette d’ailleurs de ne pas savoir qui elle est, lui qui est habitué aux conquêtes faciles mais sans tendresse. Sa seule véritable affection est pour son cheval Voltaire, qui vengera d’ailleurs la mort de Guillaume en poursuivant le lieutenant-général de police (Adolfo Marsillach), un des responsables de la traque puis de la pendaison de Guillaume, jusqu’à ce que celui-ci se noie, le tout sur le fond allègre de la musique de Gérard Calvi.

Après leur première rencontre, Caroline défie Julien à l’épée et s’y montre plus habile que lui. Et elle lui réclame le gage promis, soit un doux baiser ; ce qui fait hurler au « droit de cuissage » son père, surgi sur ses entrefaites. Caro lui explique alors que les temps féodaux sont abolis, que c’este elle qui a embrassé Julien, et vive l’égalité amoureuse ! Tout cela ne mène pas bien loin et reste pudique et centré sur l’amour, mais nous sommes dans le cadre d’un film familial des années soixante, et qui aurait pu imaginer le déferlement de la deuxième vague des mouvements féministes français six ans plus tard ?

Certainement pas le scénariste ni le réalisateur, qui en restent à un mélange amour-politique assez basique, mais qui détonne tout de même dans le paysage cinématographique français de l’époque. Les réalisateurs de la Nouvelle Vague ont beau avoir rajeuni et rafraîchi les films, leurs sujets restent au « masculin singulier », comme le démontre Geneviève Sellier dans son ouvrage de 2005, paru aux Éditions du CNRS. Et leur vision de « la » femme reste patriarcal. Même Truffaut dans son adaptation de Jules et Jim (titre doublement masculin, film de 1962) reste tributaire de la morale du livre et de son époque : Catherine (Jeanne Moreau) se débat pour être une libre amoureuse, mais elle est coincée dans le regard des hommes, qui en font un mythe et non une femme qui tente d’exister hors de la morale traditionnelle. Et elle n’a pas de travail hors son foyer, elle est inconstante et capricieuse. Elle fait périr Jim (Henri Serre) avec elle, sans se soucier de Jules (Oskar Werner) et de leur fille Sabine (Sabine Haudepin).

Au contraire, Caro revendique des idéaux politiques et agit pour plus d’égalité, de liberté et de fraternité. Ses habits masculins ne sont pas un déguisement, mais une utilité et un confort pour les batailles à mener. Même en robe de mariée, elle sauve Julien en retenant la bride de son cheval Tambour, ce qui lui permet de retarder, puis d’annuler, son mariage avec son fiancé d’alors. Et donc de quitter sa robe blanche, son voile blanc pour une robe sobre.

La fin du film, optimiste, permet aux femmes de s’en sortir : Caro grâce au peuple venu la délivrer de sa prison, la marquise (Dawn Addams) en forçant la porte du carrosse du prince de Grassilac, qui l’emmène hors de France. Le scénario ne la condamne pas à mort mais à l’exil, contrairement à son mari, pendu, au lieutenant-général de police, noyé, et à d’autres hommes nobles et aux fermiers généraux, tués par le peuple en révolution. La marquise sait se sortir d’une situation dangereuse en changeant de protecteur. Le récit respecte le sort traditionnel des femmes aristocrates, qui sont pieds et poings liées par leur dépendance financière.

Et Henri Jeanson et Christian-Jaque ont préféré focaliser l’attention des spectateurs et des spectatrices sur le couple Caro-Julien, qui danse et danse et danse en musique dans cette période heureuse d’abolition des privilèges en tout genres.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Un souffle d’aventures au féminin : La Tulipe noire de Christian-Jaque », Voyages autour de mon cerveau, mai 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=5315

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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8 de carreaux – Grand Prix Ciné ELLE Magazine 2021

Retour en septembre 2021, lorsque j’ai fait partie du jury Grand Prix Ciné ELLE Magazine 2021, au Pathé Fauvettes à Paris 13e. Du vendredi soir au dimanche après-midi, huit films, des rencontres avec les journalistes de ELLE, les réalisateurs et réalisatrices, les acteurs et les actrices, les autres membres du jury, pour des débats parfois musclés, mais toujours courtois.

Lui – Guillaume Canet

Lui (G. Canet), compositeur de musiques de film, convoque sur une île bretonne les hologrammes vivants de son épouse (V. Ephira), de sa maîtresse (L. Casta), de son meilleur ami (M. Kassovitz) et de ses parents (N. Baye et P. Chesnais). Elles et ils s’immiscent dans sa panne d’inspiration pour l’aider à résoudre sa crise existentielle.

Lui dirige tout bien entendu, en bon Pygmalion, en les faisant parler comme il le désire, de ce qu’il désire et en les faisant agir comme il l’entend. Mais ses personnages lui échappent et le forcent à les écouter vraiment, ce qui fait fonctionner la catharsis. Les dialogues font semblant de se répéter pour mieux faire avancer le traitement psychanalytique.

La caméra de Canet enferme son héros dans un huis-clos mental, les échappées en mer ensoleillée tournent aussi au drame. Lui ne peut échapper à ses angoisses et à ses hantises, quel que soit le l’espace et le climat, l’heure et le lieu. L’île n’est pas l’endroit du bonheur comme dans A Good Man (Marie-Castille Mention-Schaar, 2021), ni l’occasion d’un cauchemar absolu comme dans L’Ile aux Trente Cercueils (Maurice Leblanc, 1919), mais un entre-deux où se poser.

La Fracture – Catherine Corsini

Raf (V. Bruni-Tedeschi) aime encore Julie (M. Foïs), qui ne l’aime plus. Raf court après Julie, se casse le poignet et la jambe et finit aux urgences. Bourgeoise de gauche, dessinatrice de bande dessinée et de presse, Raf, puis Julie, découvrent avec effarement le chaos qui règne dans les hôpitaux français en ce moment, manque de personnel, épuisé, et crises sociales en tête.

Les deux se mélangent tout au long du film, puisque la police exige des médecins, des infirmières et des infirmiers qu’ils listent les manifestantes et manifestants qui se font soigner. Il faut la fougue et la force de conviction de Kim (A. Diallo Sagna) pour convaincre ses collègues de refuser cet ordre.

Raf et Julie sont confrontées au mouvement des Gilets jaunes. Raf rencontre un autre blessé, gazé  et frappé par un CRS, Yann (P. Marmaï), qui ne comprend pas pourquoi l’État ne veut pas entendre ses revendications, mais qui va se trouver nez-à-nez avec un CRS dans la cour de l’hôpital, policier qui le laisse partir. Julie croise un ancien camarade de lycée, Laurent (J.L. Coulloc’h), qui accompagne une jeune femme gravement blessée par la police pendant une manifestation.

Catherine Corsini décrit avec force, énergie et humour, des femmes et des hommes ordinaires, qui ont tous et toutes leurs raisons d’être malheureuses et malheureux, CRS compris. À quand le retour du bonheur ?

Un héros –  Asghar Farhadi

Le bonheur, Rahim (Amir Jadidi) y croit. C’est pour cela qu’il pousse sa fiancée Farkhondeh (Sahar Goldoust) à commettre un vol, afin qu’il puisse soudoyer les gardiens de sa prison de Téhéran et sortir. Sauf que ce mouvement malhonnête dans une société guère propre va le précipiter dans l’abîme d’où il souhaite sortir. Décidant d’être honnête, il décide de rendre le sac de pièces d’or volé. Et tout s’enchaîne implacablement : la propriétaire des pièces, une femme malheureuse en ménage, disparaît dans la nature après avoir repris son dû, les réseaux sociaux s’agitent et l’accuse d’avoir tout inventé pour se faire passer pour honnête, le commerçant qui l’a fait mettre en prison, poussé par sa fille, lui refuse un nouveau délai pour rembourser sa dette, l’association de secours aux prisonniers le lâche par peur du scandale, le directeur et le sous-directeur de la prison veulent le faire taire car il pourrait parler des mauvaises conditions de détention, voire de l’épidémie de suicides qui y a lieu. Et il doit retourner en prison.

Un individu, ni particulièrement bon ni vraiment mauvais, est broyé sans pitié dans une société ancrée dans ses traditions (de l’honneur, de la dot féminine, du mariage sacré, de la peine de mort), aidée en ceci par l’hyper-technologie (réseaux sociaux).

Et c’est là que réside la portée universelle du film : non seulement les plus jeunes ont le nez rivé sur leurs tablettes, les moins jeunes sur leurs téléphones portables, donc l’individualisme y triomphe des maigres solidarités qui peuvent se nouer (dans la famille, entre ami·es, entre amoureux), mais encore chacun·e est prisonnier·e dans sa case (sociale, sexuelle), le déterminisme fonctionne à plein. À nous de décider de tendre la main à l’autre.

Un Monde – Laura Wandel

Un premier film belge sur le harcèlement scolaire, dur, sans pathos, cadré à hauteur d’enfant et porté par la jeune interprète de Nora (Maya Vanderbecque), l’héroïne. Premier jour de CP, Nora est terrifiée par l’univers de l’école primaire – visiblement, elle découvre le monde de l’école, non scolarisée auparavant. Les apprentissages sont rudes : bruit fort et incessant, savoir faire ses lacets, marcher sur la poutre sans tomber, plonger et nager, manger à la cantine ce que son père lui a préparé avec les autres élèves, se faire ds amies. Apprentissage aussi d’un des cercles vicieux de la société : voulant protéger son frère aîné de ses tortionnaires, elle les dénonce à son père et au directeur de l’école. Et le harcèlement continue, se reporte sur elle, puis sur un autre élève de la classe de son frère, devenu un bon truand par peur de passer encore et toujours pour un lâche.

Les stéréotypes sexistes et sociaux sont mis en lumière par tous ces comportements. Les petites filles trouvent étrange que le père de Nora vienne la chercher à l’école, puisque c’est aux mamans de le faire : serait-il un chômeur, donc un paresseux, incapable de subvenir, en bon mâle lambda, aux besoins de sa famille ? Et son frère, humilié jusqu’au bout, puisqu’il est obligé de venir manger aux côtés de sa petite sœur et non avec les élèves de son âge, est vraiment un moins que rien, un lâche, pas un être viril.

Les adultes, dans tout cela, n’ont pas le beau rôle : les pères ne savent réagir que par la violence, le directeur et certaines enseignantes et assistantes d’éducation se voilent la face et ne résolvent aucun problème de fond (déconstruction des stéréotypes de genre). Seule l’enseignante de Nora (Laura Verlinden) fait face au machisme des élèves et applique une pédagogie innovante dans ses classes. Elle part donc de cette école privée en cours d’année. Nouveau déchirement pour Nora, qui se fait prendre en grippe par sa nouvelle professeure. Et nous quittons alors cet autre monde, cet univers terrible de l’enfance et de l’école, sans savoir si Nora va rester isolée ou non.

Une femme du monde – Cécile Ducrocq

Un film pro-prostitution. Pour une vue réelle du monde de la prostitution, voir les témoignages sur le site du Mouvement du Nid et les actions de Zéromacho.

Gaza mon amour – Tarzan et Arab Nasser

Un pêcheur sexagénaire, un soir, trouve une statue d’Apollon dans la baie, quelque part dans le monde. Il ne s’en préoccupe que peu, plus intéressé à trouver le moyen de déclarer sa flamme à sa dulcinée, patronne d’un magasin de textile. Si ce n’est que la police a vent de sa découverte et contraint son nouveau propriétaire à céder l’Apollon à l’État, par de multiples vexations, dont deux courts séjours en prison. Entre-temps, sa sœur a l’idée de lui présenter un lot de fiancées potentielles, qu’elle fait défiler chez lui. Elle n’accepte pas la femme qu’il aime et qui ignore de moins en moins la flamme de son soupirant, peu discret il est vrai.

Gaza, de nos jours. Issa (Salim Daw) est amoureux de Siham (Hiam Abbass) et se retrouve avec un Apollon antique sur les bras. Convoquant les mânes de Buster Keaton et le flot de l’absurde en général, les Frères Nasser montent la mécanique d’une comédie qui fleurte avec le drame. Tout est bien qui finit bien, sur le bateau d’Issa, dans une belle scène de tendresse et de corps qui se touchent pour la première fois, mais cela aurait pu tourner autrement.

Les réalisateurs ont préféré montrer des éclats de la vie quotidienne : police partout, contrôles fréquents, espaces de vie réduits, envie de partir pour les jeunes, résignation pour les vieux. Une société travaillée par la guerre, avec ses démonstrations viriles de force côté palestinien et ses soldats mâles prêts à tirer côté israélien. Et les femmes dans tout ça ? Voilées si elles sont âgées, vêtues à l’occidentale si elles sont jeunes, elles attendent les hommes et l’amour, ou tentent de régir l’existence des autres. Comme dans Un héros (Asghar Farhadi, 2021), la collectivité hésite et est tiraillée entre des modèles de civilisations et d’époque différentes. Si ce n’est que la Palestine semble accepter que les jeunes femmes divorcent de leur plein gré et s’habillent comme elles le souhaitent à l’extérieur, sans les rappeler à l’ordre.

A Good Man – Marie-Castille Mention-Schaar

Chef-d’œuvre de justesse, de tendresse, d’amour et de solidarité, A Good Man narre une histoire de couple époustouflante de notre temps. Benjamin (N. Merlant) aime Aude (Soko), qui aime Benjamin. Ils vivent paisiblement sur une île bretonne, lui infirmier, elle professeure de danse contemporaine. De temps à autre, ils sortent avec leurs ami·es, et reçoivent la visite du frère de Benjamin (Vincent Dedienne) et de sa famille. Une vie tranquille, en somme. Mais Aude a un souci : elle ne peut avoir d’enfant, ce qui la ronge. Mais Benjamin a un problème : sauf Aude et sa famille, personne ne sait qu’il s’appelle encore Sarah sur sa carte d’identité, ce qui le ronge. Prêt à être opéré pour sa transformation biologique en homme, Benjamin y renonce et tombe enceint. Son couple est remis en cause, sa famille s’inquiète – nous ne voyons jamais celle d’Aude, mais l’amour sera le plus fort, malgré les coups transphobes, malgré la tentation adultérine d’Aude avec une femme, malgré la découverte par ses proches de l’île de sa grossesse et de son parcours de combattant·e.

Marie-Castille Mention-Schaar a choisi un sujet difficile, complexe et délicat à traiter. C’est une pleine réussite, par la justesse des dialogues, peu fournis, qui font toujours avancer la situation (pas forcément en bien), par le jeu des actrices principales, minimaliste et qui porte loin. Pour ne pas avoir cédé au pathétique, au larmoyant ou à l’optimisme béat. Pour nous tenir en haleine tout au long du film, parce qu’on veut le bonheur d’A(ude) et de B(enjamin). Parce qu’on sourit à travers ses larmes d’émotion à la fin, devant leur sourire et leur réussite, existentielle et sociétale, qui fait reculer la bêtise et la violence. À la vie, à eux, à nous !

Un autre monde – Stéphane Brizé

Philippe (V. Lindon) a tout pour lui : cadre dans une petite entreprise, aimant son travail, marié, deux enfants, la cinquantaine. Philippe n’a rien pour lui : il découvre que son addiction à son travail ont fait de lui un étranger et un type qui met la pression sur sa femme, Claire (S. Kiberlain), qui demande le divorce ; sa fille Juliette (J. Bibring) est au Canada et peu pressée de rentrer ; son fils Lucas (A. Bajon) menace un des professeurs d’école de commerce et finit en hôpital psychiatrique ; sa supérieure, Claire Bonnet Guérin (M. Drucker), qui gère les relations avec la maison-mère aux États-Unis, lui demande de supprimer cinquante-sept emplois dans son entreprise, afin de satisfaire l’appétit des actionnaires et la prospérité du boss. Que va-t-il faire ?

C’est ce cheminement vers la libération personnelle et donc le bonheur retrouvé, ou plutôt vers un bonheur véritable, que nous suivons avec grand intérêt. Cette évolution passe par des logorrhées   suivies de longs silences : de Philippe, mais aussi des autres, sa femme, son fils, les ouvrières et ouvriers, qui ne savent pas comment expliquer leur mal-être et qui partent dans de longs discours pas forcément très biens construits. Tant à dire, trop à dire, trop tard pour se dire ? Par contre, les cadres, eux, sont économes en paroles, tout comme les supérieurs de Philippe, qui savent très bien briser le peu de solidarité entre collègues que Philippe tente de construire. Sa croyance en un monde capitaliste à visage humain tombe dans les oubliettes de la réalité économique et structurelle de notre époque. Ce qui importe est de gagner de l’argent encore, encore, encore, encore, pendant que tombent celles et ceux qui font marcher la chaîne de l’entreprise, sans un regard, sans une main secourable. Jusqu’à quand ?

Un bon film social à la française, solide et mesuré.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « 8 de carreaux – Grand Prix Ciné ELLE Magazine 2021 », Voyages autour de mon cerveau, avril 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=5139

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Modern Love : film intersectionnel en négatif

Film de 2008 de Stéphane Kazandjian, Modern Love est un film tellement aberrant que j’ai longtemps hésité à en parler. Emprunté à la médiathèque musicale de Paris il y a plusieurs années, son visionnage m’avait sidérée et accablée par son avalanche de clichés sexistes, homophobes et racistes. Mais en 2022, il est possible de l’étudier en utilisant l’intersectionnalité, même en mode négatif. Et de le comparer à d’autres films qui manient bien mieux les clichés.

Or donc, ce film choral, qui doit faire les délices des membres de la Manif pour tous, des anti-féministes et des racistes de tout poil, raconte le parcours de plusieurs Français et Françaises, sur un an, d’une soirée dans un restaurant le 31 décembre au soir à l’autre.

Elsa est en pleurs dans les bras de sa meilleure amie – mariée mais elle ne fête pas le Nouvel An en famille, tout est normal – dans un restaurant bondé. Elles assistent toutes deux à une altercation. Une jeune femme quitte son compagnon barbu et compatissent… pour l’homme, bien entendu. Elsa pleurniche qu’elle n’arrive pas à trouver l’homme idéal : beau, gentil, attentionné, affectueux, bref, le Prince charmant Disney ou rien.

Un peu plus tard, Elsa renverse son jus d’orange sur la chemise impeccable d’un nouveau collègue, qui est se révèle beau, gentil, attentionné, affectueux… mais homosexuel, bien entendu. Parce qu’en fait, les hommes hétérosexuels ne peuvent savoir ce que les femmes attendent, il faut donc qu’ils soient un peu « féminins », donc homosexuels pour les comprendre, telle est la leçon du film. Mais en fait non, l’homophobie est abandonnée, contrairement au premier Bridget Jones (le film de 2001, avec l’« ami gay » avec lequel parler entres copines). Parce qu’en fait l’homosexuel est hétérosexuel – ou serait-ce Elsa qui l’a remis dans le « droit » chemin de l’hétéronorme ? Sauf que… tout va mal : les tartines grillées en forme de cœur, les énormes bouquets de roses à gogo, les dîners à l’impromptu avec chandelles, champagne et chorégraphies orchestrées par Sidi Larbi Cherkaoui (mais qu’est-il venu faire dans cette galère ?), ça va cinq minutes. Donc, en vingt minutes, on passe d’un mauvais remake de Coup de foudre à Nothing Hill (1999) à un mauvais remake des films avec Doris Day et Rock Hudson (Confidences sur l’oreiller, Un pyjama pour deux). Finalement, retour à la case départ pour Elsa, toujours en pleurs dans le même restaurant. Heureusement, le destin veille et lu fait rencontrer l’homme barbu quitté un an auparavant. Et, bien sûr, c‘est l’homme de sa vie, même s’il n’est pas beau, qu’il dit qu’il ne se lave pas tous les jours et qu’il « pisse debout » dans les toilettes – détail délicat qui présage bien d’une vraie relation hétérosexuelle. Parce que les vrais hommes, ça n’offre ni fleurs ni chandelles, mais ça sent fort et ça marque son territoire. Regarder donc plutôt La Délicatesse (David Foenkinos, 2011), avec son personnage de Markus (François Damiens) qui séduit progressivement Nathalie (Audrey Tautou), malgré un physique qui ne correspond ni au physique du défunt mari de Nathalie (Pio Marmaï) ni aux attentes de la société en matière de beauté masculine.

Autre pan de l’homophobie présente dans ce film, la relation adultère entre la meilleure amie d’Elsa et une autre femme. Autre femme qui est, bien entendu, sexuellement disponible à toute heure du jour et de la nuit. Pour autant, on ne voit aucune scène de sexe entre elles. Et, sans surprise, leur histoire finit mal, justement par la trop grande disponibilité sexuelle de l’amante. Rien à voir avec l’histoire extra-conjugale malaisée entre Ysis (Géraldine Nakache) et Marie (Alice Taglioni) dans Sous les jupes des filles (Audrey Dana, 2014), Ysis n’acceptant pas sa propre bisexualité ni le regard des autres vis-à-vis des couples homosexuels, et préférant retourner auprès de son mari et de ses enfants, tout en se libérant de sa peur de mourir jeune.

Dernière horreur, et pas des moindres, quoique apparaissant tardivement dans la narration, le racisme. Sans surprises, les histoires du film se passent entre ressortissant·es français·es à la peau blanche, comme dans 99,9999% des films français, qu’ils soient définis comme « populaires » ou « d’auteurs » (pour les actrices on repassera). Et je n’ai pas le souvenir d’avoir vu, dans les scènes de foule, un/des corps et des visages non-blancs.

Ensuite, Elsa ne trouve pas mieux, à plusieurs reprises, que d’ânonner des mots soi-disant « asiatiques » – je ne vais même pas dire « chinois », « japonais », « cambodgiens » ou « coréens », on n’en est pas là, à distinguer les différents pays du continent asiatique – tout en mimant en pouffant un salut mains jointes, là aussi assimilable au cliché raciste de se moquer de coutumes différentes de soi. On se croirait revenu au film de Claude Sautet Bonjour sourire (1956), où les moqueries racistes d’Annie Cordy et d’Henri Salvador (qui jouent leur propre personnage) à l’encontre du « cuisinier chinois » fleurissent allègrement et ne sont jamais contrées par quelque autre personnage que ce soit. Il est vrai que deux ans après l’échec des assassinats, tortures et viols des Indochinois·es par les soldats français, il fallait bine trouver un moyen de se venger de la déculottée de la Guerre d’Indochine. C’est la même chose dans Modern Love, personne ne tacle Elsa et sa victime garde le sourire – ben quoi, c’est de l’humour.

Tout est premier degré dans ce film à l’intersectionnel négatif, où racisme, sexisme et homophobie se mélangent pour le plus profond ennui et dégoût du public.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Modern Love : film intersectionnel en négatif », Voyages autour de mon cerveau, avril 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=5190

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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