Archives de catégorie : Premières séances

S’installer dans un fauteuil, au cinéma, chez soi ou chez les autres, et analyser les images qui bougent.

Elizabeth-été et Richard-iguane : deux visions filmées du voyage chez Tennessee Williams VADMC

Elizabeth-été et Richard-iguane : deux visions filmées du voyage chez Tennessee Williams

Le couple terrible Elizabeth Taylor et Richard Burton ont tourné tous deux, chacun·e de son côté, des adaptations des pièces de Tennessee Williams. Taylor l’Américaine a été « Maggie la chatte » dans La Chatte sur un toit brûlant (Cat on a Hot Tin Roof) dans l’adaptation de 1958 par Richard Brooks, avant d’incarner Catherine Holly dans Soudain l’été dernier (Suddenly, Last Summer), réalisé par Joseph L. Mankiewicz en 1959. Burton le Gallois se glisse dans le costume du pasteur défroqué T. Lawrence Shannon dans La Nuit de l’iguane (The Night of the Iguana) de John Huston, sorti en 1964. Les trois pièces ont été créées respectivement en 1955, 1958 et 1961.

Que ce soit dans Soudain l’été dernier ou dans La Nuit de l’iguane, le voyage tient une place importante dans la psyché des personnages. Sa matérialisation à l’écran tient compte des indications scéniques et des paroles des personnages. 

Le premier terme qui vient à l’esprit est « chaleur » : celle du climat des pays hors États-Unis, l’Espagne dans le premier film et le Mexique dans le second. Ce sont des espaces de liberté pour les Nord-Américain·es qui y séjournent, touristes et travailleurs néo-conquérant·es. Chaleur qui pousse les sentiments et les sensations des non natifs et non natives au paroxysme de la fureur de vivre. La sexualité y éclate au grand jour, provoquant des drames, avant le retour à la norme, donc au bercail.

C’est le jeune Sebastian Venables qui utilise sa mère Violet (Katherine Hepburn), puis sa cousine Catherine comme appât pour ses désirs homosexuels. Si Violet est consentante, refusant de voir à quoi joue son fils, il n’en est pas de même pour Catherine. C’est la jeune Charlotte Goodall (Sue Lyon), touriste, qui se jette à plusieurs reprises dans les bras de Shannon, devenu guide touristique, puis de Hank (Skip Ward) le chauffeur du bus touristique. Shannon, quoique très fortement tenté, ne veut plus retomber dans ses erreur passées, qui l’ont fait chasser de l’Église. Hank, lui, ne voit en Charlotte qu’une innocente jeune fille, lâchement abusée par un vil séducteur, sans voir sa névrose. C’est Maxine Faulk (Ava Gardner), patronne d’origine états-unienne d’un hôtel perdu au fond de la forêt, qui trompe son ennui et son attente de Shannon dans l’océan, avec deux de ses serviteurs mexicains.

Tant Sebastian que Charlotte agissent avec l’arrogance de leur classe, en toute impunité. Leur richesse est une menace pour la tranquillité de leurs proches, ils en usent comme d’une arme pour contraindre proches et étrangers à leur céder. Les rapports sociaux sont violents, conduisant Catherine à la folie et Shannon à emmener le groupe de touristes (des femmes âgées, sauf Charlotte) à l’auberge de Maxine, sous couvert de ramener Charlotte et sa tante-chaperon Judith Fellowes (Grayson Hall) à la raison, afin de ne pas perdre son emploi. Notons que ce personnage et celui de Charlotte expriment des peurs misogynes, car Shannon n’est pas qu’un innocent, et Charlotte est une caricature de la vierge névrosée qui accuse faussement les hommes de violences sexuelles. Violences misogynes également de Sebastian, considérant sa mère et sa cousine comme des objets, jetant l’objet-mère quand elle devient âgée pour la remplacer par un corps-cousine, déjà violé·e par un « homme de bien » – pas inquiété pour le viol qu’il a commis-, avant leur voyage en Espagne.

Le séjour à l’hôtel de Maxine est l’occasion pour les touristes de s’épanouir autour de verres d’alcool de plus en plus nombreux, loin des visites de sites antiques auxquelles elles ne s’intéressent pas et qui les obligent à marcher, elles qui ne sont pas des sportives, et de longs moments dans un bus surchauffé à parler de leurs vies inintéressantes. Elles restent assises sur la terrasse, à l’ombre, à boire et à converser, sans enthousiasme et commentaires élogieux obligatoires. Le voyage devient une halte dans le quotidien, dans un endroit exotique, dont elles nourriront leurs souvenirs à leur retour.

Pour Catherine, le retour au pays après le décès de Sebastian, lynché puis dépecé par une foule de jeunes hommes et de garçons qui mendiaient, est difficile, car Violet refuse d’entendre et l’homosexualité de son fils, et ses perversions, et sa responsabilité éducative dans celles-ci. Son refus est tel qu’elle se réfugie dans la folie, tandis que Catherine est guérie d’avoir été écoutée et comprise par le docteur John Cukrowicz (Montgomery Clift), qui devait la trépaner sur ordre de Violet, afin qu’elle cesse de, soi-disant, calomnier le pur et angélique Sebastian, un tel génie poétique qu’il n’écrivait qu’un seul poème par an.

On peut se demander quel sera le retour de Charlotte parmi les siens : se mariera-t-elle avec Hank, avec un autre, trouvera-t-elle l’épanouissement sexuel, ou restera-t-elle frigide, faute d’un partenaire à l’écoute de ses envies ? Quant à Shannon, après avoir lourdement flirté avec une artiste peintre itinérante, Hannah Jelkes (Deborah Kerr), qui le repousse car ne souhaitant pas compromettre sa tranquillité pour une aventure d’un soir, il répond à l’amour de Maxine et à ses soins maternants. Hannah reprend sa route, les serviteurs mexicains ne sont plus des objets de plaisir, tout va bien dans le meilleur des mondes possibles.

Les voyages sont autant mentaux que physiques, et aboutissent à la clarification de la place que chacun·e occupe dans le monde.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Elizabeth-été et Richard-iguane : deux visions filmées du voyage chez Tennessee Williams », Voyages autour de mon cerveau, juin 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/16360

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Renforcer le patriarcat Mariages Pièce montée VADMC

Renforcer le patriarcat ? Mariages !, Pièce montée

Qu’en est-il de la représentation de l’amour blanc hétérosexuel au tout début du vingt-et-unième siècle au cinéma, alors que le retour du bâton des années quatre-vingt-dix perdurait ? Nous avons choisi deux comédies romantiques françaises populaires : Mariages ! (Valérie Guignabodet, 2004) et Pièce montée (Denys Granier-Deferre, 2010), d’après le roman de Blandine Le Callet Une pièce montée (2007). Ces deux longs-métrages reposent sur le même principe de se dérouler pendant un mariage blanc bourgeois, et d’être joués par une pléiade d’acteurs et d’actrices connu·es, facilitant ainsi l’identification de la partie blanche du public entre l’acteur·trice et son personnage, et du public avec les personnages. Nous sommes loin du mariage entre un Français à la peau blanche et une Française à la peau noire des Aventures de Rabbi Jacob (Gérard Oury, 1972), où le raciste Victor Pivert (Louis de Funès) et ses préjugés sont ridiculisés.

Ces deux films reposent sur le même principe, qui est celui du cinéma populaire occidental, au moins depuis l’arrivée du cinéma parlant en 1927 : un conflit, des conflits, pour une résolution qui va dans le sens le plus fermé de la société. Soit ici, des couples mariés qui gravitent autour du couple qui va se marier. Si, dans Pièce montée, roman et film, il y a une célibataire, Marie (Julie Depardieu), elle accumule les clichés : universitaire, habillée de couleurs voyantes qui détonnent au milieu des pastels distingués des autres invitées, et elle se révèle homosexuelle. L’équation sexiste et lesbophobe est faite entre célibat féminin, vie professionnelle centrée sur la réflexion et l’analyse, et une orientation sexuelle différente de celle autorisée par la société patriarcale, avec le mariage à l’église et à la mairie, puisque le mariage civil du début des années deux mille était encore réservé aux couples hétérosexuels, tout comme l’est toujours le mariage catholique en 2024.

Dans ces deux films, nous sommes loin de la modestie du mariage de Geneviève et de Jacques dans Après la pluie, le beau temps (Comtesse de Ségur, Paris, Hachette, « Bibliothèque rose », 1989, p. 270) : « Le mariage se fit le matin à dix heures, sans cérémonie, sans invitations, sans tout ce qui fait de ce jour une corvée générale. » C’est l’exact contraire : nombreuses grappes d’invité·es, nombreuses tentes dans un grand espace campagnard (Mariages !), château avec parc idoine (Pièce montée) pour ces Parisien·nes qui restent entre eux sans se mêler aux provinciales et provinciaux, pardon, aux campagnard·es, et qui se marient à l’église – la cérémonie à la mairie n’est jamais montrée ni même mentionnée, comme si la séparation de l’Église et de l’État de 1905 n’avait jamais eu lieu, comme si les luttes féministes françaises millénaires contre l’institution matrimoniale n’avaient jamais existé. Il s’agit d’en mettre plein la vue des familles et des invité·es, tout en tenant son rang social, d’une part, et, d’autre part, d’amortir le prix du billet pour la spectatrice et le spectateur, uniquement parisien·ne donc.

Les femmes rêvent de mariage, de belles robes, de belles danses à deux, de buffets carnistes (ni bio ni végétarien ni vegan), d’église et de grandes pompe, bref, de clichés dégoulinants. Les hommes s’en accommodent très bien et jouent volontiers le jeu. Certes, certains personnages refusent de jouer le jeu de l’hypocrisie sociale, mais si peu, et elles, puisque ce sont uniquement des femmes, restent dans les bornes de l’attendu.

Dans Pièce montée, outre Marie, il y a Madeleine (Danielle Darrieux), la grand-mère, qui fait exploser un secret de famille dont elle est responsable au beau milieu du repas de noces de sa petite-fille. Mais elle en est immédiatement châtiée, puisqu’elle décède juste après. Quant à Hélène (Léa Drucker), plus que quadragénaire, si elle quitte son mari Alexandre (Christophe Alévèque), elle prend avec elle leurs deux enfants. Certes, elle les protège d’une image masculine toxique, mais quid de sa future vie amoureuse ? Et de sa situation financière après le divorce, s’il y en a un ? Toutes questions qui sont éludées par la narration.

Dans Mariages !, Micky (Lio), quinquagénaire soumise, se révolte et part seule après le mariage, lassée de son époux. Mais pour aller où et avec quelle indépendance financière ? Le scénario évite soigneusement d’y répondre. Tous les autres couples restent ensemble, malgré disputes et violences diverses, dont les coups de fusil donnés par Alex (Jean Dujardin), témoin du marié, sur fond de consommation excessive d’alcool. Ce personnage est finalement récupéré par sa femme Valentine (Mathilde Seigner) et pardonné. une violence masculine type (arme et alcool) est absorbée et dissoute dans le pardon féminin, au nom de l’amour. Le patriarcat peut dormi tranquille, les violences masculines continueront encore longtemps.

Ainsi, ces deux films tournés au début des années deux mille auraient très bien pu être tournés au vingtième siècle, avec quelques micro-ajustements (pas question de divorce, par exemple). Ce qui compte est le globe patriarcal, qui n’est finalement pas remis en question, entourant le public de son verre protecteur, loin des tentations égalitaires et des débats socio-politiques de 2004 et 2010.

En 2024, existent-ils des comédies romantiques populaires, outre Notre tout petit mariage (Frédéric Quiring, 2023), qui mettent en scène des couples avec des couleurs de peau différentes, hétérosexuels et/ou homosexuels, français et/ou étrangers ? Et, qui seraient mariés, ou pas.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Renforcer le patriarcat ? Mariages !, Pièce montée », Voyages autour de mon cerveau, juin 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/16330

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Partir, revenir, pourquoi ? (9) Tomber la chaussure Certains l’aiment chaud, L’Allée du Roi VADMC

 Partir, revenir, pourquoi ? (9) Tomber la chaussure : Certains l’aiment chaud, L’Allée du Roi 

Le mythe de Cendrillon, perdant sa chaussure et trouvant ainsi amour, gloire et beauté, a été utilisé de nombreuses fois au cinéma et à la télévision. Ainsi, dans Certains l’aiment chaud (Billy Wilder, , 1959) et dans L’Allée du Roi (Nina Companeez, 1995), d’après le roman de Françoise Chandernagor (1981), deux personnages féminins, Daphne (Jack Lemmon) et Françoise d’Aubigné (Dominique Blanc) se retrouvent-elles avec une chaussure en moins, mais avec un riche amoureux en plus.

Les deux pertes de chaussure sont en effet liés au domaine amoureux : Jerry/Daphne, violoncelliste en fuite après avoir involontairement assisté à un massacre dans un garage de Chicago en février 1929, se déguise en femme et part en tournée en Floride avec son ami·e Joe/Josephine (Tony Curtis), saxophoniste, iel aussi témoin des meurtres, au sein d’un orchestre féminin.

À son arrivée à l’hôtel où l’orchestre se produit et est logé, Daphné, encombrée de bagages, coince par mégarde le talon de sa chaussure droite dans le plancher de la terrasse de l’hôtel et perd sa chaussure. Galamment, Osgood Fielding III (Joe E. Brown) se baisse sans faire craquer ses articulations de plus que septuagénaire, la lui remet et se présente. En retour, Daphne s’amuse à répliquer (notes personnelles) : « I’m Cinderella the Second. » C’est-à-dire (traduction personnelle) : « Je suis Cendrillon Deux. » Les présentations sont faites, l’histoire d’amour peut commencer entre eux.

Les scénaristes Billy Wilder et son complice I.A.L. Diamond ont-ils pensé au millionaire Henry Spoford III (George Winslow) des Hommes préfèrent les blondes (Howard Hawks, Gentlemen Prefer Blondes, 1953) ? En effet, outre le goût bien connu des Anglo-Saxon·nes pour les noms à rallonge et numérotés selon le rang dans la lignée, il s’agit dans les deux longs-métrages de millionnaires et de leurs rapports avec les femmes, sachant que les âges de ceux-ci sont à l’exacte opposé : chez Hawks c’est un enfant de neuf ans, chez Wilder c’est un homme âgé. Hawks et son scénariste Charles Lederer jouent du contraste entre la longueur du nom et son jeune âge, tout en court-circuitant la possibilité d’une idylle, organisée à l’aveugle par Lorelei Lee (Marylin Monroe, jouant également Sugar Kowalczyk dans Certains l’aiment chaud), entre celui-ci et une des héroïnes, Dorothy Show (Jane Russell).

Daphne, de son côté, voit d’abord dans le sémillant Osgood un bon porteur de (ses) valises et violoncelle, puis en harceleur qu’elle gifle, découvrant ainsi ce que c’est qu’être une femme seule dans un ascenseur avec deux hommes, dont l’un, le garçon d’ascenseur, fait semblant de ne rien voir. Sexisme et classicisme se mêlent pour faire de Daphne une victime.

Françoise d’Aubigné, elle aussi, est d’abord une victime de la société patriarcale. Elle se retrouve veuve du poète Scarron (Michel Duchaussoy) à vingt-quatre ans, en l’an de grâce 1660. Sans le sou, son mari n’ayant laissé que des dettes, et elle-même issue d’une famille impécunieuse, elle dépend tout d’abord de la charité d’une aristocrate, puis de la bienveillance d’une autre aristocrate de ses amies, Madame de Montchevreuil (Nicole Dubois), qui l’invite à passer l’été dans sa propriété du Vexin. Françoise se retrouve dans une joyeuse société, où elle peut atténuer son chagrin et ses inquiétudes quant à son avenir.

Survient alors un cousin de sa bienfaitrice, Louis de Mornay, marquis de Villarceaux (Samuel Labarthe), dont elle a eu à subir les violentes assiduités du temps où son mari était encore en vie et qu’elle hait avec une violence si forte que son amie, la courtisane Ninon de Lenclos (Annie Sinigalia), lui avait conseillé la modération : « Revenez à plus d’indifférence ou vous êtes perdue. » Car le désir flamboie pour la première fois en Madame Scarron, mal mariée à un vieillard infirme, mais sans qu’elle le sache, et de par son vécu matrimonial frustrant, et de par son manque d’expérience dans le domaine sentimental.

Daphne, quant à elle, est séduite progressivement par Osgood. Elle se fiance avec lui, et le rejoint finalement sur son hors-bord, en compagnie de Joe et de Sugar, amoureux l’un de l’autre. Les chaussures, tant féminines que masculines, ont joué un rôle dans cette réunion finale, car les bandits de Chicago et des autres états se sont réunis à l’hôtel de Floride où jouent Daphne, Josephine et Sugar. Le chef de Chicago, Spats Colombo (George Raft), y meurt de manière violente, ses guêtres atterrissant de chaque côté des escarpins de Daphne, cachée avec Josephine sous la table du repas de l’ensemble des mafieux. Les deux jeunes filles prennent alors l’apparence d’un groom (Daphne) et d’un infirme en fauteuil roulant (Josephine), mais se font repérer par les bandits à cause des escarpins de Daphne. La course-poursuite qui s’ensuit aboutit donc, après d’autres péripéties, au hors-bord d’Osgood. Et au dévoilement de l’identité masculine de Joe à Sugar, et de Jerry à Osgood qui, impavide, réplique (notes personnelles) : « Well… nobody’s perfect. » C’est-à-dire (traduction personnelle) : « Ma foi… personne n’est parfait. » Et, sur cette sentence ironique, se clôt l’un des films les plus fameux du cinéma occidental au vingtième siècle.

La chute de la chaussure de Françoise est due à deux facteurs : sa pauvreté – ses chaussures sont alors en mauvais état -, et le mauvais temps, qui a détrempé le chemin campagnard qu’elle emprunte en compagnie de Villarceaux. Celui-ci se tient tout à fait, enfin, comme un gentilhomme, lui prêtant son bras, conversant sans brusquerie et s’intéressant plus au paysage (prés, bois et granges) qu’à elle. Jusqu’à proposer d’examiner le talon de la chaussure droite de Françoise, cassé net au cours de la promenade. Il lui demande poliment sa seconde chaussure, examine les deux, puis jette le tout par-dessus son épaule. Et propose de la raccompagner au château dans ses bras. La jeune femme hésite, il l’embrasse, l’enlace et la porte dans la bienheureuse grange.

Françoise n’oppose aucune résistance et ses soupirs, accompagnés de « Je vous en prie », comme il est précisé dans le roman (Paris, Julliard, 1996, p. 145) peuvent se comprendre comme une invitation à continuer. Le téléfilm file les scènes de sexe, dans la grange puis dans la chambre au château de Françoise, montrant ainsi le consentement de la jeune femme, le roman est tout aussi explicite : « Sur ce qui se passa ensuite, je ne puis prétendre à l’excuse d’avoir été forcée ni même précipitée. » (Ibid.) Françoise d’Aubigné, veuve de condition modeste, dépendant de la charité des puissant·es, revendique la confusion des sentiments et des sensations, tout comme, ensuite, son droit au plaisir et à l’amour. Les brutalités passées de Villarceaux ne sont pas pour autant excusées et c’est Françoise qui prend l’initiative de la rupture, quelque temps après, sans céder au chantage affectif de Villarceaux, outré qu’après s’être refusée à lui aussi longtemps, puis s’être donnée, elle ose préférer rompre avec lui. Et devenir, des années après, dans une grotte de rocailles du château de Versailles, la maîtresse, puis la seconde épouse, de Louis XIV (Didier Sandre).

Tout finit bien pour nos deux héroïnes, au sein de sociétés patriarcales occidentales qui monnaient le corps des femmes, pour lesquelles le sexe est un moyen d’obtenir le confort matériel. Et, parfois, l’amour.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Partir, revenir, pourquoi ? (9) Tomber la chaussure : Certains l’aiment chaud, L’Allée du Roi », Voyages autour de mon cerveau, juin 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/16299

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Easy Virtue VADMC

Partir, revenir, pourquoi ? (8) Ne jamais revenir : Un mariage de rêve

Il paraît que l’amour rend aveugle. Ou pas. En effet, l’Américaine Larita (Jessica Biel) sait que son second mari, l’Anglais John Whitaker (Ben Barnes), quoique majeur, est encore un petit garçon. Un enfant fasciné par sa beauté, son intelligence et son modernisme – Larita est pilote de course, ce qui, en cette année 1924, représente un défi au sexisme ambiant, et pas uniquement celui des circuits européens.  

En effet, dans Un mariage de rêve (Stephan Elliott, Easy Virtue, 2008), Larita est fraîchement accueillie par sa belle-famille, beau-père (Colin Firth) excepté. Sa belle-mère Veronica (Kristin Scott Thomas) ne lui pardonne rien : son origine transatlantique, d’être plus âgée que John, son métier, qui la tient éloignée de la verte campagne anglaise, son statut de veuve, son absence de fortune, son nouveau nom, qui la fait déchoir de son rang de maîtresse de maison, ses tenues (pantalons ou robe décolletée), son allergie aux fleurs, sa détestation de la chasse, l’amour de John. Bref, rien ne va. D’autant que la possible perte de pouvoir, sur sa sa maison et sur John, s’accompagne de l’envol de ses grandes espérances de redresser son domaine, par le mariage de John avec Sarah (Charlotte Riley), jeune fille de son riche voisin.

Elle refuse âprement toutes les tentatives d’approche affectueuse et d’aide de Larita, tout comme ses cadeaux et changements : un phonographe, un portrait de Larita par Picasso, une dinde succulente pour fêter l’alliance anglo-américaine. Symboliquement, Veronica noie sa portion de dinde sous la sauce dont elle couvre habituellement la nourriture grisâtre et sans goût dont elle nourrit sa famille. Comme le lui retourne Larita à la fin du film, ses incessantes récriminations sur l’absence d’aide qu’elle reçoit couvrent sa soif de pouvoir, ses frustrations divers et variées, ainsi que son esprit borné et sec.

Car, même si elle chérit son fils, elle ne supporte aucune initiative de sa part, qu’il s’agisse de son mariage ou de son achat d’un tracteur afin de mieux cultiver leurs terres. Pas question non plus de danser le tango lors d’un bal, seule la valse est bienséante. Et nous sommes donc après la Première Guerre mondiale…

Ses filles, Hilda (Kimberley Nixon) et Marion (Katherine Parkinson), ne sont guère mieux. Jalouses, aigries par le manque d’hommes de leur âge à cause de la saignée de 14-18, volontairement confinées dans leur maigre existence et leurs glorieux souvenirs d’avant-guerre, portant des vêtements ternes, elles ne supportent pas le vent de liberté solaire que Larita apporte avec elle. Elles préfèrent participer à la curée contre leur belle-sœur, secondées par leur oncle d’Amérique, qui va fouiller dans le passé de Larita. Hilda et Marion refusent d’entendre Larita, qui leur conseille de partir de leur trou campagnard et d’aller explorer le vaste monde par elles-mêmes et d’utiliser leur intelligence pour acquérir un travail, donc l’indépendance.

Quant au beau-père, Jim, il continue ses sarcasmes envers ses trois enfants, tout en évitant de se trouver longuement en présence de son épouse. Sa sympathie envers Larita se manifeste rarement en public, sauf à la fin du film, où il prend ouvertement son parti en dansant avec elle, lors du bal organisé par Veronica, enfin conscient de la solitude de Larita et de la faiblesse de caractère de John. Secouant finalement sa dépression et sa culpabilité de ne pas avoir ramené vivant un seul des hommes de son village en 1918, il part avec sa future ex-belle-fille. Nous ne sommes pas loin du conte de Cendrillon, version Disney, avec quelques aménagements.

Cendrillon-Larita n’a pas tant besoin d’un prince charmant, toujours perdu dans les jupes maternelles, que de sa propre voiture, pour partir du château. De victime, elle redevient actrice de sa propre vie. Adieu château, courants d’air, absence de chauffage et traditions obsolètes, welcome les Années Folles !

Elle laisse John aux bons soins de Sarah. Intelligente, celle-ci n’en a pas voulu à Larita de son mariage précipité avec John, mais bien du silence de John à ce sujet, alors qu’ils étaient promis l’un à l’autre depuis longtemps. De même, Sarah propose son aide à Larita lorsque celle-ci s’en va et dit la comprendre. Sarah ne saute pas de joie à l’idée de récupérer John, même si elle l’aime et qu’elle sait s’entendre bien avec Veronica. Elle félicite son frère cadet Philip (Christian Brassington) d’être allé vers Larita lors du bal et de lui avoir proposé son aide, alors que John la laissait seule au milieu de la piste de danse, avant que Jim ne prenne le relais. La sororité et la solidarité existent, face à la haine et à la bêtise.

Ce film montre bien à quel point rester engoncé·e dans le passé est mortifère, tout comme l’immobilisme spatial. Souhaitons le meilleur à Larita, libérée de toute obligation maritale, avec ou sans Jim, ainsi qu’à Sarah et à Philip, à la campagne ou ailleurs.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Partir, revenir, pourquoi ? (8) Ne jamais revenir : Un mariage de rêve », Voyages autour de mon cerveau, mai 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/16095

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Présences de la bande dessinée dans les films VADMC

Présences de la bande dessinée dans les films

La bande dessinée, ses auteurs, ses autrices, ses illustrateurs et ses illustratrices ont dû longuement bataillé pour gagner le droit à être reconnus comme des artistes du Neuvième Art. La représentation de la bande dessinée dans les fictions est une des preuves de cette condescendance. Si Françoise Sagan base une scène de sexe hétérosexuel sur le rire commun d’une lecture partagée de La Famille Fenouillard de Christophe dans Un certain sourire (1956), certains réalisateurs de cinéma et leurs scénaristes s’en moquent, prenant les lecteurs et les lectrices de bande dessinée pour des gens peu cultivés.

C’est le cas d’Ernst Lubitsch et de Samson Raphaelson dans l’adaptation de la pièce de Leslie Bush-Fekete Le Ciel peut attendre (Heaven Can Wait, 1943) ; de Jean Girault et de Jacques Wilfrid dans l’adaptation de leur pièce Pouic-Pouic (1963) ; et de Roger Vadim et Claude Choublier dans l’adaptation de la pièce de Sagan Château en Suède (1963). Ces trois films se déroulent au sein de la grande bourgeoisie, nord-américaine chez Lubitsch, française chez Girault, voire de l’aristocratie, suédoise, chez Vadim.

La lecture de bande dessinée y est montrée comme le fait d’un couple de parvenus (Lubitsch), d’une grande bourgeoise folle de son poulet Pouic-Pouic (Girault), d’un frère et d’une sœur qui s’ennuient (Vadim). Sauf chez Vadim, aucun de ses personnages n’est montré en train de lire autre chose, indiquant par là leur manque de culture et d’intelligence. Toutes ses scènes se situent à la campagne, lieu dépréciatif dans l’échelle des valeurs du « bon goût », espace aussi du repos, quand on se situe du point de vue des urbain·es.

Pour ces trois cinéastes, l’espace de lecture de la bande dessinée n’est pas un pré, sous un chêne verdoyant, ou sur un banc dans une roseraie, mais à la table de la salle à manger, soit pendant le petit-déjeuner dominical (Lubitsch), soit après (Vadim), soit après le déjeuner (Girault). Et dans le salon après le dîner, chez Lubitsch que chez Vadim. Ce sont des moments de détente, ou qui devraient l’être. 

En effet, le couple du Kansas du Ciel peut attendre, les Strabel (Marjorie Main et Eugene Pallette), dont le nom résonne harmonieusement avec le nom de leur vache-totem, Mabel, se disputent, d’un bout à l’autre d’une immense table en bois ciré, le journal comique où se trouve la bande dessinée, The Katzenjammer Kids. Madame pousse le sadisme jusqu’à révéler à haute voix à Jasper (Clarence Muse), leur domestique noir, le moyen par lequel le héros s’est sorti de la situation délicate où il se trouvait dans le numéro précédent. Monsieur fulmine, car il voulait connaître par lui-même la suite de l’histoire. Nous retrouvons ledit journal sur son ventre proéminent dans la séquence post-dîner, signe que son épouse le lui a cédé. 

Dans Pouic-Pouic, Cynthia Monestier (Jacqueline Maillan) commente la bande du jour du Professeur Nimbus, dont les aventures ont été dessinées par André Daix, puis, à partir de la Libération, par J. Darthel, « pseudonyme collectif » de plusieurs dessinateurs (Antoine Sausverd, Dans l’ombre du professeur Nimbus, Paris, PLG, 2023, p. 135). Pendant ce temps, son époux Léonard (Louis de Funès) grogne, se plaint et tire des plans sur la comète, comme à son habitude. 

Sous le comique de ces scènes dans les deux films pointe la mésentente conjugale et les rapports de pouvoir, les épouses tentant de renverser leur position subordonnée et, pour Cynthia, d’éviter une énième scène conjugale. 

Dans Château en Suède, Sébastien (Jean-Claude Brialy) lit nonchalamment le journal Spirou, avant que sa sœur,  plus ou moins incestueuse, Éléonore (Monica Vitti) ne le ramasse et ne s’y plonge. Cette référence bédéesque souligne leur complicité et leur côté infantile, mais d’enfants cruels, gâtés, sans bornes morales, se réjouissant des assassinats successifs des amants d’Éléonore par son mari Hugo (Curd Jürgens), pourtant lui-même bigame.

Nous pouvons mesurer à travers ces trois exemples l’évolution de la vision de la bande dessinée, désormais considérée et étudiée, ainsi que la dynamique des rapports entre septième et neuvième arts.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Présences de la bande dessinée dans les films », Voyages autour de mon cerveau, mai 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/15956

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