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Eugénie Grandet, religion ou voyage ?

En 2021, l’adaptation de Marc Dugain du roman d’Honoré de Balzac Eugénie Grandet (1833) le simplifie sans le trahir, sauf sur le sens du destin de l’héroïne, détail non négligeable.

Le réalisateur a attribué au Père Grandet (Olivier Gourmet) la description de sa biographie : ancien révolutionnaire par intérêt, maire de Saumur, louvoyant entre les régimes avec habileté[1]. De même, les scènes d’avarice, réduites, proviennent toutes du roman : réduction de la chandelle et du pain[2], colère contre la bassinoire pour chauffer les draps humides du lit de Charles Grandet[3], impossibilité de faire de la crème ou de la galette pour fêter l’arrivée du cousin[4], bouillon de corbeau sacré meilleur met du monde[5]. De même, certains dialogues de Balzac sont gardés tels quels par Dugain : celui entre madame Grandet (Valérie Bonneton), Eugénie (Joséphine Japy) et Charles (César Domboy) sur les distractions – hors théâtre, « péché mortel »[6] ; celui entre la mère et la fille sur son amour naissant pour son cousin[7].

Le réalisateur a raccourci la durée de l’idylle entre Eugénie et Charles, passant d’une dizaine de jours à deux jours, le troisième étant le départ de Charles pour les Amériques. Dugain a tenu à sexualiser la passion (au sens religieux du terme) de la Provinciale pour le Parisien. Le public a droit à une brève scène de sexe avec, ô stupeur, la jeune fille bientôt femme postée au-dessus de son cousin. Ce serait un sans-faute féministe, par l’inversion de la posture classique présente dans les films, à savoir femme au-dessous de l’homme. Seul problème, et de taille, rien ne nous indique que la frustration sexuelle d’Eugénie soit si grande qu’elle saute dès le deuxième soir sur le premier homme de son âge qui n’appartient pas à son cercle habituel. Dans une atmosphère à la Rembrandt et à la Le Nain, les visages des Grassin et des Cruchot, les bon·nes ami·es du Père Grandet, deviennent des trognes, croquées avec délectation par la caméra, qui s’attarde sur un menton en galoche, une bouche à demie ouverte, des lèvres pincées, des yeux perçants, une aile (de corbeau ?) suçotée dévotement, des cous engoncées dans des hauts cols. Dans la scène de sexe entre les cousins, nous retombons alors dans le cliché habituel de la puissance virile si irrésistible qu’elle fait chuter n’importe quelle jeune fille, par de simples regards et une promenade le long des peupliers. Balzac comparait Eugénie à « l’idéal de la Marguerite de Gœthe, moins la faute[8] » et concluait la scène d’adieu des cousins par un seul et unique baiser, convenance romantique mais aussi sociale, qui pousse Charles à demander Eugénie en mariage[9]. Dugain tient absolument à… punir son héroïne à la manière des films classiques hollywoodiens : « Ma fille, tu as commis le péché de chair, paies-en chèrement le prix. » À savoir, une attente de six ans (contre les sept du roman[10]), non sanctionné par un mariage. Et où est passée la religiosité d’Eugénie, moquée par son père, et montrée au début du film par une scène de confession ? Nous ne sommes pas dans l’adaptation de Douce (Michel Davet, 1940) par Claude Autant-Lara en 1943, lorsque Douce se rebelle contre son confesseur et ne remet plus les pieds dans une église. L’Eugénie de Balzac et de Dugain est pieuse sans hypocrisie.

Le réalisateur a également simplifié le parcours de la fortune de Charles Grandet. Au lieu de le faire partir pour les Indes[11] puis pour « la côte d’Afrique, (…) Lisbonne et [les] États-Unis[12] », Dugain le charge uniquement, ainsi que le Père Grandet, qui pousse son neveu dans cette direction, du poids d’esclavagiste aux Amériques. Esclavagiste signifiant, bien entendu, faisant le commerce triangulaire, puisque de nos jours les autres esclavages, d’hier à aujourd’hui, n’existent plus et sont effacés par celles et ceux qui hurlent à la mauvaise intrinsèque des personnes à la peau blanche. Étant entendu que ni les Berbères, ni les Chinois·es, ni les Japonais·es, ni les Vietnamien·es, ni les Cambodgiens·nes, ni les Coréen nes, ni les Afghan·nes, ni les Iranien·nes… ni les Indien·nes n’ont la peau blanche. Ces derniers et dernières apprécieront la disparition de leurs souffrances multiples et variées sous les colonisations anglaises, danoises, françaises, hollandaises et portugaises., ainsi que la hiérarchisation desdits tourments, visiblement moins importants que ceux, indéniables, des esclaves issu·es des peuples de l’Afrique de l’ouest, vendu·es par leurs chefs, par les marchands arabes ou capturés par les commerçants européens.

Chez Balzac, qui condamne explicitement le commerce des esclaves, Charles trafique la chair humaine de différentes nationalités, d’âges divers et de classes sociales variées, qu’il place au même rang que d’autres marchandises :

Au contact perpétuel des intérêts, son cœur se refroidit. Le sang des Grandet ne faillit point à sa destinée. Charles devint dur, âpre à la curée. Il vendit des Chinois, des Nègres, des nids d’hirondelles, des enfants, des artistes ; il fit l’usure en grand. L’habitude de frauder les droits de douane le rendit moins scrupuleux sur les droits de l’homme. Il allait alors à Saint-Thomas (…) acheter à vil prix les marchandises volées par les pirates et les portait sur les places où elles manquaient. (…) plus tard, les Négresses, les Mûlatresses, les Blanches, les Javanaises, les Almées (…), ses orgies de toutes les couleurs, et les aventures qu’il eut en divers pays effacèrent complètement le souvenir de sa cousine, de Saumur, de la maison, du banc, du baiser pris dans le couloir[13].

La multiplicité des moyens employés par Charles Grandet pour faire fortune est gommée par Dugain, au mépris de la vérité historique, de même que le sort des femmes prostituées sous toutes les latitudes, pour le plaisir de l’homme riche. Nous passons d’une dénonciation de violations brutales des droits humains partout autour du monde par un homme blanc, européen et français trafiquant tout ce qu’il peut, à la figure d’un vilain univoque, centré sur le commerce triangulaire, qui n’est d’ailleurs que peu évoqué, et jamais dans ses détails.

Rappelons également que Balzac comparait madame Grandet à une « pauvre ilote[14] ». Les connaissances historiques de l’écrivain sont plus détaillées que celles du réalisateur et des « offensé·es » perpétuel·les, voire presque plus féministes, puisque la comparaison entre le sort des femmes et celui des esclaves (ici, spartiates dans l’Antiquité) est un parallèle souvent fait par les militant·es féministes, dont Simone de Beauvoir dans l’introduction du tome un du Deuxième Sexe (1949). Essai où, par ailleurs, l’autrice dénonce le « cynisme » balzacien et son conseil aux hommes, dans La Physiologie du mariage (1829) de « traiter [la femme] en esclave tout en la persuadant qu’elle est reine[15]. » Chez Dugain, rien de tout cela, sinon un discours féministe bien troussé d’Eugénie à son père, quoiqu’étrange du côté religieux. En effet, la jeune femme, une fois sa mère morte et heureuse d’aller au paradis, après avoir vécu l’enfer domestique sur la terre, reproche à son père d’être un mâle tout-puissant, avec les lois (juridiques, sociales, religieuses) de son côté, lois établies par d’autres hommes à leur unique profit. Elle revendique la perte de sa foi. Mais est-ce la conséquence du décès de sa mère, ou est-ce la violente altercation avec son père à cause de Charles ? Monsieur Grandet n’a pas supporté – comme dans le roman – qu’Eugénie donne ses pièces d’or à son cousin. Mais là où Balzac réglait cela à l’intérieur de la maison des Grandet, avec Eugénie revendiquant fièrement son acte de générosité et d’amour, Dugain a préféré une scène grandiloquente. Le Père Grandet traîne sa fille à l’église et lui intime, au nom de Dieu, du lieu sacré où ils se trouvent et de sa foi à elle, de lui dire la vérité. Eugénie s’exécute de mauvais grâce, mais quel rapport entre la brutalité paternelle et la perte de la foi ? Autant sa révolte contre le patriarcat est logique, autant celle contre la divinité est problématique, car elle semble provenir des moqueries de son père à l’égard de Dieu et non d’une réflexion personnelle. Comme lors de son éducation sexuelle par son cousin, elle ne tient sa conduite que des hommes, ce qui n’est pas féministe.

En revanche, le sort que lui réserve le réalisateur (autre homme jonglant avec l’existence féminine) est, lui, féministe. Honoré de Balzac préférait condamner son héroïne à la piété et aux bonnes œuvres, accompagnées d’une haire sévère, celle des habitudes existentielles héritées de son père :

Malgré ses huit cent milles livres de rente, elle vit comme avait vécu la pauvre Eugénie Grandet, n’allume le feu de sa chambre qu’aux jours où jadis son père lui permettait d’allumer le foyer de la salle, et l’éteint conformément au programme en vigueur dans ses jeunes années. (…) La main de cette femme panse les plaies secrètes de toutes les familles. Eugénie marche au ciel accompagnée d’un cortège de bienfaits[16].

Comme dans Le Curé de village (1841), l’amour et la sexualité sont interdites aux femmes, qui passent leurs frustrations et leurs déceptions sentimentales sur les pauvres, pour le bien de ces derniers, bien entendu, en faisant faire des constructions et en éradiquant leurs maux.

Marc Dugain choisit de libérer Eugénie Grandet de cette triste destinée, tout en respectant une réalité historique longtemps oubliée, à savoir que les femmes voyageaient beaucoup au dix-neuvième siècle, comme le rappelle le chercheur Sylvain Venayre :

Lambiguïté de la figure de la grande voyageuse” (et la relative rareté des cas qui lillustraient), de même que le ressassement des motifs dillégitimité du voyage féminin, ne doivent pas faire oublier que les femmes du XIXe siècle voyagèrent massivement et ce, indépendamment des obligations que pouvaient leur imposer les devoirs de famille[17].

L’Eugénie Grandet de Dugain correspond donc à des modèles vivants qui, elles aussi, après voir refusé de regarder par la fenêtre car rien ne se passe devant chez elles, partent librement sur les chemins et les routes, une fois qu’elle sont indépendantes mentalement et financièrement. Loin de la vision balzacienne, passée à la postérité via les manuels scolaires et l’enseignement patriarcal de clichés romanesques qui ne recouvrent pas toute la vérité historique, voire l’occultent, Dugain met en avant l’envie de vivre et l’indépendance d’Eugénie qui, après Paris et sa visite méprisante à son veule cousin (alors que dans le roman elle envoie son futur mari régler ses comptes de famille[18]), part de sa ville natale. Selon la chercheuse Michelle Perrot, les femmes françaises qui voyagent à partir du dix-neuvième-siècle sont courageuses :

Elles ont, surtout, affirmé leur liberté de sujet : dans leurs pratiques vestimentaires, et leur mode de vie, leurs choix religieux, intellectuels et amoureux. Dune manière ou dune autre, en le payant souvent très cher, elles ont brisé le cercle de lenfermement et fait reculer la frontière du sexe[19].

Être soi passe par l’élargissement de l’espace et la création de lieux à soi. Espérons pour l’Eugénie de Dugain un autre destin que celui que Germaine de Staël réserve à sa Corinne (1807), à savoir une solitude désespérée dans un pays étranger, l’Italie, puis la mort. Cette femme intelligente, cultivée et sans chaîne matrimoniale doit s’incliner devant une pure jeune fille, sa jeune sœur, et donc laisser son amant se marier on ne peut plus classiquement, avec une plus jeune que lui.

Nous avons envie de suivre l’héroïne de Dugain dans sa libération. Non, « elle n’est pas finie l’histoire, l’histoire d’Eugénie[20]. »

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Eugénie Grandet, religion ou voyage ? », Voyages autour de mon cerveau, octobre 2021. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=2118


[1] Honoré de Balzac, Eugénie Grandet, Paris, Le Livre de Poche, 1991, p. 10-11.

[2] Ibid., p. 27, 83.

[3] Ibid., p. 72.

[4] Ibid., p. 81-82.

[5] Ibid., p. 86.

[6] Ibid., p. 98.

[7] Ibid., p. 112.

[8] Ibid., p. 173.

[9] Ibid., p. 179.

[10] Ibid., p. 242.

[11] Ibidem

[12] Ibid., p. 244.

[13] Ibid., p. 243.

[14] Ibid., p. 103.

[15] Simone de Beauvoir, Le Deuxième Sexe. Tome II, Paris, Gallimard, 1987, p. 565.

[16] Honoré de Balzac, Eugénie Grandet, op. cit., p. 269, 270.

[17] Sylvain Venayre, « Au-delà du baobab de Mme Livingstone. Réflexions sur le genre du voyage dans la France du XIXe siècle. », Clio, n°28, 2008, p. 113.

[18] Honoré de Balzac, Eugénie Grandet, op. cit., p. 262-266.

[19] Michelle Perrot, « Sortir » in Geneviève Fraisse et Michelle Perrot, Histoire des femmes. Tome IV, Paris, Perrin, 2002, p. 563.

[20] Réinterprétation personnelle de la chanson d’Anne Sylvestre « L’Histoire de Jeanne-Marie », in Anne Sylvestre, Comment je m’appelle, Barclay, 1977.

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial Simone de Beauvoir Studies.

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Mourir peut attendre, surtout pour les femmes

Mourir peut attendre, opus 2021 de la saga Bond, se conclue par la mort du héros, et non par sa fin heureuse habituelle, lorsque le héros a accompli sa mission, à savoir sauver le monde capitaliste des griffes des anti-capitalistes, à savoir les communiste, dont l’idéologie de partage est aujourd’hui sérieusement mâtinée d’égoïsme et d’individualisme fort peu marxistes-léninistes. Ce final est plus symbolique que réel et marque plus l’arrêt par Daniel Craig de son incarnation de l’agent 007 que la mort d’un héros – ni Conan Doyle avec Sherlock Holmes ni Maurice Leblanc avec Arsène Lupin n’y sont d’ailleurs arrivés en leur temps. Mais ce décès est intéressant, car il marque la volonté des producteurs, dont Craig fait partie, d’arrêter les féminicides pandémiques dont était parsemés la saga Bond, qu’il s’agisse de la petite amie de l’espion, des méchantes (toujours subordonnées à l’ennemi principal de 007) ou des amantes épisodiques du viril agent de l’empire britannique.

Dans Mourir peut attendre, les femmes vivent et survivent. Elles ne sont pas du tout touchées lors de combats dont elles maîtrisent parfaitement les règles. Après le générique de début, le dynamitage du tombeau de Vesper Lynd, grand amour de Bond morte à cause de lui dans les deux versions de Casino Royale (1967 et 2006), peut être vu comme l’arrêt symbolique du flot de cadavres féminins dans la série, ce qui est réjouissant. Bond n’est plus le protecteur de femmes plus ou moins faibles, plus ou moins perverses et ce n’est certainement pas lui qui leur enseigne et leur révèle ce qu’est le sexe hétérosexuel (Golfinger et sa lesbophobie), l’amour et la tendresse partagées. Espérons que ce féminisme continue dans les prochains films.

De même, côté héros, la mue en homme qui pense les femmes égales à lui est accomplie, d’où son décès, peut-être … ? Il abandonne son masque et sa carapace d’impassibilité et de froideur pour faire face au soleil de l’amour et de la paternité, ce qui n’est pas rien pour le loup solitaire décrit par Ian Fleming et filmé ainsi depuis 1962 dans James Bond contre Dr No. Dans l’opus sorti en 2021, James Bond est conscient que son orgueil lui a coûté cinq ans de bonheur au côtés de Madeleine Swann (Léa Seydoux) et de leur fille Mathilde (Lisa-Dorah Sonnet), sans oublier le doudou lapin de cette dernière, qu’il arbore fièrement à sa ceinture à la fin du film, non comme prise de guerre, mais comme objet précieux à conserver jusque’à la fin, dans sa tombe aquatique, à l’instar des Anciens Égyptiens qui conservaient leurs objets personnels dans leur dernière demeure.

Sinon, cet opus est une très belle vitrine touristique pour la région Puglia (Pouilles), dans le sud-est de l’Italie. Sans vouloir tomber dans du cynisme et de l’ironie faciles, il est presque regrettable que les personnages s’agitent devant les maisons et les places des petits villages perchés, tellement agréables à l’œil et si ensoleillés. Il est vrai que l’exotisme fait aussi partie de la charte filmique des James Bond, au même titre que les gadgets technologiques – toujours aussi impressionnants et dont on ne se lasse pas non plus – et les belles voitures.

Un film à voir et à méditer, en attendant le prochain de la saga, avec un nouvel acteur.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Mourir peut attendre, surtout pour les femmes», Voyages autour de mon cerveau, octobre 2021. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=2107

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial Simone de Beauvoir Studies.

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Interview Soeurs Kuperberg

Transmettre l’histoire du cinéma – Interview des Sœurs Kuperberg

Pendant cinq jours d’affilée, à Noël 2020, le coffret dvd Il était une fois… Hollywood a défilé sous mes yeux éblouis : intelligence, finesse, humour de ces dix documentaires réalisés par les Sœurs Kuperberg. Voici leur interview, dont je les en remercie chaleureusement.

Tiphaine Martin – Quand avez-vous commencé à tourner des documentaires ?

Clara et Julia Kuperberg – En 2005, quand on a créé Wichita Films. Nous avons commencé avec deux films pour Canal Jimmy (Canal + groupe) à l’époque sur le patron du FBI, J.Edgar Hoover et sur le chroniqueur de Vanity Fair, Dominick Dunne. Ces deux films nous ont permis de lancer Wichita Films.

T.M. – Avez-vous rencontré des difficultés à vos débuts, parce que femmes documentaristes ?

C.J. K. – Non, pas particulièrement en tant que femmes, mais plus en tant que nouvelles productrices / réalisatrices dans le milieu. Il était difficile à l’époque d’avoir la double casquette. 

T.M. – D’où vous vient cet amour du cinéma nord-américain ? des séances cinéma et/ou télévisuelles ?

C.J. K. – Il vient d’une culture familiale. Notre père travaillait dans le milieu du cinéma, il avait été producteur de cinéma (Monsieur Klein, entre autres), et il était passionné de cinéma américain. Quant à notre mère, elle était experte en littérature nord-américaine. Donc nous avons baigné dans cette culture cinématographique et littéraire.

T.M. – Comment choisissez-vous vos sujets ?

 C.J. K. – Nous les choisissons soit en fonction de nos recherches, de nos idées, une idée en entraînant une autre. Soit en fonction de l’air du temps, un sujet s’impose alors.

Souvent un film en entraîne un autre, les sujets sont denses donc ils nous donnent souvent une multitude d’autres idées pour de futurs projets. Et puis, nos films sont sur l’histoire du cinéma mais aussi toujours avec une toile de fond sociétal et politique, nous essayons toujours de les re situer dans un plus grand tableau et de comprendre la grande histoire à travers le miroir du cinéma. Le cinéma américain étant d’autant plus un reflet de la société qu’une arme de propagande très efficace.

T.M. –  Combien de temps durent vos tournages ?

C.J. K. – Généralement, nous essayons de partir aux Etats Unis pour plusieurs tournages en même temps. Nous restons entre 1 mois et 3 mois, cela dépend du nombre de films et de leur difficulté. En 2019, avant le COVID et la fermeture des frontières, nous avons tourné 3 films en 2 mois. 

T.M. –  Quelles sont vos envies, vos projets ?

C.J. K. – Nous terminons actuellement un film sur la chanteuse Joni Mitchell, pour ARTE.

Cette année, nous avons fait un portrait d’Anthony Hopkins également pour ARTE qui sera diffusé début 2022 ; et nous venons de finir un film sur Ida Lupino, pour OCS Géants qui est sélectionné au Festival Lumière, et qui sera diffusé le 23 octobre sur OCS Géants. 

Ce film se concentre sur la carrière totalement méconnue de cette femme en tant que réalisatrice. Car Ida Lupino n’est pas seulement l’actrice de film noir qui donnait la réplique à Bogart, c’est surtout une grande réalisatrice que l’histoire a oubliée. Depuis la fin des années 40, elle est la cinéaste la plus prolifique qu’Hollywood ait connu jusqu’à aujourd’hui. Avant-gardiste, elle a porté à l’écran des sujets que les studios n’osaient même pas aborder comme le viol, l’avortement et la bigamie, dans l’Amérique puritaine de cette époque. C’est ce qui nous a fascinées chez elle.

T.M. – Quels retours avez-vous sur vos documentaires ?

C.J. K. – Une assez bonne presse. Et des prix en festivals comme pour le film sur Anthony Hopkins qui vient de gagner le prix du meilleur documentaire international cette année au festival de Palm Springs, l’AMDOCS.

Nous venons aussi de signer un deal de distribution aux États-Unis avec Cinedigm et BMG (deux gros groupes US) pour distribuer aux USA cinq de nos films. 

T.M. – Des regrets ?

C.J. K. – Non. Encore des envies et de l’espoir. 

T.M. – Comment travaillez-vous, quelle est la part de chacune ?

C.J. K. – Nous sommes très complémentaires, chacune sait faire certaines choses mieux que l’autre et donc nous nous répartissons les tâches. Nous arrivons à travailler ensemble car au final nous avons le même film en tête.

T.M. – Quels sont les liens entre les différents documentaires du coffret Il était une fois… Hollywood ?

C.J. K. –L’envie de continuer une certaine transmission de l’histoire du cinéma et de donner envie de la découvrir ou de la redécouvrir, afin qu’elle ne se perde pas. 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, Clara Kuperberg, Julia Kuperberg, « Transmettre l’histoire du cinéma – Interview des Sœurs Kuperberg », Voyages autour de mon cerveau, octobre 2021. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=2078

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial Simone de Beauvoir Studies.

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Sortir de l’ombre ? June Carter dans Walk The Line

Et dire que j’ai failli ne pas aller voir cette biographie filmée. Il faut dire que les premières images de la bande-annonce m’avait fait replonger le nez dans mon livre : pluie, prison, musique synthétique. Puis, vint LE son, ce fameux son de guitare sèche que Johnny Cash, selon le film, a gardé jusque à la fin de sa vie et qu’il refuse d’échanger contre une alternative produite par une guitare électrique. Mes oreilles ont été immédiatement attirées par cette tonalité et, phénomène d’insistance bien connu, ayant vu plusieurs fois la bande-annonce, je me suis précipitée à la première séance matinale du premier jour de l’exploitation du film, à l’UGC des Halles, à Paris, avant d’aller à la FNAC acheter la bande originale du film. Je n’ai pas été déçue. J’ai adoré cette belle histoire typiquement nord-américaine de déchéance-rédemption, avec une histoire d’amour d’autant plus romanesque qu’elle a été vécue par les véritables personnes, le chanteur-musicien Johnny Cash (Joaquin Phœnix) et la chanteuse-musicienne June Carter (Reese Witherspoon). Le tout sur fond d’histoire de la country et du rock blanc : Cash et Carter ont sillonné les États-Unis dans les années cinquante et soixante, parfois en compagnie d’Elvis Presley (Tyler Hilton) et de Jerry Lee Lewis (Waylon Payne).

Soulignons que le film de James Mangold a le mérite de ne pas charger le personnage de la première épouse de Cash, Vivian Liberto (Ginnifer Goodwin). La spectatrice et le spectateur peuvent comprendre son besoin de sécurité et de rentrées financières stables au sein d’une famille qui s’agrandit régulièrement (quatre enfants au total). Nous touchons au fameux « indéfinissable malaise » de la femme blanche nord-américaine, analysé par la militante féministe Betty Friedan dans La Femme mystifiée (1963). Ce « problème qui n’a pas de nom » (traduction littérale du texte anglais) rend les femmes au foyer agressives, puisqu’elles n’ont aucune autonomie financière et que leurs travaux ménagers et d’éducation des enfants ne sont pas reconnus par un salaire ni valorisés au quotidien, sauf par des sources extérieures (publicités, films). La seule véritable scène de colère de Vivian est provoquée par une bravade de John, qui accroche des photos de June pendant leurs tournées dans son bureau et qui refuse de les enlever lorsque Vivian le lui demande, calmement d’abord, puis fermement. La jeune femme, lassée des absences à répétition de son mari, qu’il soit en tournée ou chez eux enfermé dans son bureau, des rumeurs qui courent sur une relation entre Carter et lui et par l’ « obscénité » (selon ses termes) des lettres des fans de son époux, plutôt de très jeunes filles, part avec ses enfants et demande le divorce. La belle maison, la belle voiture et le confort ménager ne suffisent pas au bonheur conjugal.

L’autre personnage féminin fort, qui occupe une place centrale et déterminante dans la narration, est June Carter. Elle surgit dès le début du film, dans le retour en arrière, pendant une émission de radio écoutée par Johnny Cash et son frère aîné Jack (Lucas Till). Le cadet reconnaît la voix de June au milieu des chœurs de la famille Carter, célèbre groupe familial de country – pendant américain de la famille von Trapp, en quelque sorte1. Elvis Presley fait d’ailleurs remarquer à Cash que June a une plus longue carrière qu’eux tous, les nouveaux des années cinquante. Le professionnalisme de Carter est régulièrement montré, d’où sa colère contre ses collègues masculins qui enchaînent amphétamines, alcool, cigarettes, avant et après les concerts, sans se donner la peine de répéter. Cette scène souligne la force morale et éthique de la chanteuse qui, collier de perles, corsage et jupe claires et petits talons, n’hésite pas à lancer leurs bouteilles de bières vides à la tête des machos de base. Surpris par cette attaque, ils se réfugient derrière leurs chaises renversées et Cash crie – non pas « Cry, Cry, Cry », un de ses tubes – mais : « On se rend ! » L’imaginaire du western fait irruption de manière gentiment ironique pour montrer que ce ne sont pas les Tuniques bleues qui sont du bon côté de l’Histoire, mais bien l’Indien·ne. La défaite des mâles face à une femme déterminée est patente, érigeant brièvement Carter en icône féministe.

Cette force morale et physique est présente à d’autres endroits du film. Elle ne concerne pas tous son apostolat amoureux pour sortir Cash de sa culpabilité originelle face à la mort de Jack et de ses dérives.

Pendant toute la durée du film, nous suivons les progrès de l’histoire d’amour entre Carter et Cash, contrariée par leur situation matrimoniale. Si l’itinéraire de Cash est classique, avec sa femme qui attend son retour pour faire l’amour avec lui, tandis que lui couche avec ses – jeunes, très jeunes – dans, puis en conclusion un divorce fracassant, le chemin de Carter est plus complexe. Parce que femme, elle se doit d’avoir une conduite irréprochable en tout point. C’est-à-dire qu’elle doit accepter sans broncher les commentaires haineux et les jugements moraux sur sa soi-disant inconduite, soit ses deux divorces. Ils constituent des outrages scandaleux à la bonne tenue de l’Amérique chrétienne des petites villes du sud, celle qui écoute la country de la famille Carter. La jeune chanteuse doit faire face à une série d’affronts, tous venant de femmes, comme si le réalisateur et le scénariste avaient été incapables d’imaginer une/des scènes avec un homme vitupérant contre June, comme si la rancoeur contre l’existence libre de Carter (partir en tournée, soit avec sa famille, soit avec des hommes, et ne pas s’occuper de ses filles en restant au foyer) était uniquement le fait de femmes. Ou serait-ce une dénonciation très très implicite du manque de sororité en temps de patriarcat triomphant ?

Ce sont d’ailleurs les scènes publiques que lui font d’abord une bonne protestante, qui l’infantilise et la diabolise (« Vos parents doivent être horrifiés par votre divorce », je paraphrase), puis Vivian, qui poussent June à se rapprocher de Johnny, d’abord en lui effleurant l’épaule lors de leur partie de pêche, puis en passant la nuit avec lui après un concert. Pourtant, Carter avait résisté à la tentation d’embrasser Cash après le premier concert où ils se sont rencontrés, celui avec Elvis Presley et Jerry Lee Lewis. Elle avait invoqué son état de fragilité après un premier divorce douloureux et la pression médiatique. Mais elle lui prête tout de même Le Prophète – livre de spiritualité de Khalil Gibran et grand succès aux USA – comme elle le lui avait promis. Cette scène est d’ailleurs à mettre en parallèle avec celle où June emmène Johnny au temple, afin qu’il recouvre la foi, après son sevrage définitif de la drogue. Pas de sensualité torride là non plus, un simple contact de deux mains suffit pour montrer la force du lien qui les unit, et celle que Carter communique à Cash.

De même que Carter soigne Cash de sa blessure originelle, la mort de son frère, Johnny donne confiance à June. La première apparition de la chanteuse sur scène montre qu’elle joue à la petite fille : voix très aiguë, robe rouge à froufrous dont elle fait bouffer les volants pendant qu’elle chante. Quand son futur compagnon lui demande pourquoi elle agit ainsi, en en faisant trop, Carter répond que, n’ayant pas de talent particulier, elle surjoue afin d’être appréciée. Cash l’encourage à être elle-même, hors du groupe familial, où elle n’arrive pas à exister pleinement.

Ses talents de chanteuse sont pourtant montrés à intervalles réguliers, lors de concerts, en solo et avec Cash. Ses changements de costume au fil du récit indiquent sa prise d’autonomie par rapport à son image de fille sympa et avec du répondant en robe rouge (cf. ci-dessus). Nous la voyons vêtue de couleurs claires, plus apaisées et plus discrètes, pour interpréter sur scène ses propres chansons,  assise sur un tabouret et non plus dansant devant le micro, marquant ainsi son statut d’autrice à part entière. Lors du concert à la prison de Folsom, Carter porte un ensemble noir, à l’instar de Cash et de ses musiciens, car elle fait partie de la bande et elle chante avec eux dans un environnement cent pour cent masculin. Ce n’est pas tant une allégeance amoureuse à Cash – sur le mode de celle de Sandra Dee (Olivia Newton-John) à Dany Zucco (John Travolta) à la fin du film Grease2 – qu’une tenue de travail.

L’aptitude à composer de June Carter sont également mis en avant dans la séquence où elle écrit, chante et met en musique « Ring Of Fire ». Cette scène de tristesse et d’intensité amoureuses est placée entre deux moments où Cash se drogue et se détourne de ses propres airs. Le personnage de la musicienne ressort par son calme – elle est assise – mais aussi par son sérieux et par sa concentration. June, quoique malheureuse, se met au travail plutôt que d’être, à l’instar de John, dans le délitement de sa famille et la dépression. Carter existe pour elle-même, comme compositrice.

Dans le domaine privé, elle se bat pour construire une relation presque égalitaire avec Johnny Cash, puisqu’elle est sa salariée come chanteuse de son groupe à lui. Une fois son travail d’infirmière et panseuse d’âme accompli, Carter refuse d’épouser Cash, malgré ses nombreuses demandes. Comme plus tôt dans le film, elle le remet à sa place, sans l’aide d’une bouteille de bière vide cette fois-ci. Cash est sorti de son Fort Alamo intérieur, mais il ne sait toujours pas parler d’égal à égale avec l’Indienne/Carter. Dans le mini-bus qui les conduit vers le concert à Folsom Prison, il la réveille en pleine nuit pour la redemander en mariage : il lui explique qu’il a fait un mauvais rêve. Elle le rabroue et lui demande s’il a pensé aux détails pratiques après leur union, dont les filles qu’ils ont chacun·e eues et elle lui rappelle que ce sont toujours les autres qui aplanissent tout pour lui. Vexé, il lui dit qu’elle a peur d’être amoureuse, peur d’être blessée, peur surtout d’être dans sa « grande ombre ». Sans un mot, elle se rendort, puis se relève brièvement en lui disant qu’elle refuse de lui parler autre part que sur scène. Cette scène est filmée du point de vue de Cash, mais c’est Carter qui a le dernier mot, refusant d’être encore et toujours une amie infirmière et mère. La Tunique bleue Cash se retire… à sa place à l’avant du bus, sous le regard goguenard de ses musiciens, qui n’ont pas perdu une miette de la folle algarade entre les amoureux.

Il va falloir que le musicien place le terrain sur leur passion commune, la chanson, pour persuader June de l’épouser. Il redouble une scène du début du film, lorsqu’il avait maladroitement insisté pour chanter « Time A Wastin’ », chanson d’amour composée par Carter et enregistrée avec son premier mari Carl Smith, puis qu’il avait embrassé sur scène Carter sur la joue. Le comportement machiste de Cash avait abouti à la fuite de Carter, bouleversée par cette double violence : jouer un duo amoureux, au sortir d’un divorce douloureux, avec un homme marié (Cash) dont elle est amoureuse ; être embrassée sans son consentement et en public. De même, lors du concert du vingt-deux février 1968 à Londres, dans la province d’Ontario, au Canada, Cash lui demande de chanter avec lui, elle accepte. Ils commencent « Jackson » puis il s’arrête et la demande en mariage. Elle finit par dire oui, ils s’embrassent, le public éclate en applaudissements. Si cette scène a été vécue par le couple véritable3, il n’en reste pas moins que le glamour et le stéréotype romantique sont fortement entachés de sexisme. Les valeurs traditionnelles de l’Amérique profonde (le mariage hétérosexuel blanc) imposent la loi masculine et la soumission féminine à un code strict : c’est l’homme qui propose le mariage où et quand il le souhaite. La femme ne peut refuser, sous peine de passer pour bizarre. En outre, la présence de spectateurs et de spectatrices mettent une pression supplémentaire sur la femme, car comment refuser une telle proposition de respectabilité, une telle preuve d’amour pardon, devant un si grand parterre ?

Pourtant, peu de femmes semblent être sensible à ce type d’attention4, qui oppose l’espace public occupé par les mâles au domaine privé féminin, répartition bourgeoise blanche occidentale datant au moins du dix-neuvième siècle. Le cinéma hollywoodien a popularisé les balises masculines de la demande en mariage, puis du mariage lui-même5 : l’homme invite sa compagne/fiancée à dîner (le soir, ce qui permet de faire se succéder un bon repas à des embrassades plus ou moins poussées6), qui dans un restaurant italien avec des nappes à carreaux rouges et bancs (l’Italie, patrie de Roméo et Juliette, des pâtes et du bel canto) et avec des bougies tamisées (Dracula n’est pas loin, en fait), qui dans une sublime salle d’un restaurant étoilé, mais toujours le soir et toujours avec des bougies (là, souvenir du mode de vie aristocratique et princier), qui dans une salle de bal, lors d’une fête, sous une gloriette, sur un balcon (la chronologie de Roméo et Juliette étant alors modifiée, puisque le mariage des Véronais intervient après leur première nuit d’amour et non pas après, comme dans les comédies romantiques sous code Hays ou se situant dans un temps historique dont les aspérités sexuelles ont été gommées et affadies). Dans tous ces cas, c’est le territoire extérieur donc mâle qui prime. L’homme (aristocrate, bourgeois, petit-bourgeois) fait symboliquement entrer la femme dans son lieu de vie : confiné élargi du salon mondain, de la salle à manger de réception, de la loge d’opéra, du musée ; terrain extérieur de la chasse à courre, de la boxe, du foot (sports ô combien masculins, les femmes restant spectatrices)…

Dans Walk The Line, le romantisme masculin donc hollywoodien coule à flots, et nous pouvons mesurer l’évolution de Carter, qui ne s’enfuit pas comme au début du film, mais qui reste avec son Johnny sous le feu des projecteurs, à côté de lui.

En définitive, si June Carter troque sa place de chanteuse au sein de sa famille pour une existence aux côtés de Johnny Cash, elle reste une compositrice à part entière, comme le précise le carton final. Le film de Mangold n’est certes pas féministe, mais il a le mérite de mettre en valeur et à sa juste place Carter, qui n’est pas « la femme de » Johnny Cash, mais une interprète et autrice dont la valeur personnelle est montrée et démontrée tout du long-métrage, en pleine lumière. De quoi se réjouir et chanter que « Non non non ce n’est pas moi, bébé, celui que tu recherches», mais toujours sur un mode ironique.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Sortir de l’ombre ? June Carter dans Walk The Line », Voyages autour de mon cerveau, octobre 2021. URL : https://vadmc.hypotheses.org/1976

1  Leur histoire est romancée dans La Mélodie du bonheur (Robert Wise, 1964).

2  Film de Randal Kleiser (1978) d’après la comédie musicale éponyme.

3 La Youtoubeuse MsMojo fait le point sur les arrangements avec la vérité historique dans cette vidéo : https://www.youtube.com/watch?v=X6BnQid-pCM Vidéo consultée le 14 juillet 2020.

4 Cynthia Dos Santos, « La demande en mariage publique, pour ou contre ? », in https://www.mariage.com/organisation/demande-en-mariage-publique-bonne-mauvaise-idee Page consultée le 05 mai 2021.

5 https://vadmc.hypotheses.org/?p=1196

6 Cf. notre article « Manger l’autre pour se découvrir, chez Simone de Beauvoir et Françoise Sagan », en ligne sur le site de l’Observatoire de l’imaginaire contemporain, Université du Québec à Montreal, http://oic.uqam.ca/fr/publications/manger-lautre-pour-se-decouvrir-chez-simone-de-beauvoir-et-francoise-sagan

7 Paroles françaises de « It ain’t me, babe », de Bob Dylan (1964), chanson interprétée par Cash et Carter dans Walk The Line. Traduction personnelle.

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial Simone de Beauvoir Studies.

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