Archives mensuelles : novembre 2022

Folle Embellie et Folles de joie VADMC

Folle Embellie et Folles de joie : la force de vivre

Que représente la folie féminine au cinéma ? Une révolte et/ou une fuite de l’autorité patriarcale ou une névrose bien hystérique, c’est-à-dire issue des ovaires, donc biologique, donc impossible à guérir et non imputable à la société ?

Les cinéastes de Folle Embellie et Folles de joie ont choisi la première alternative, ce qui leur permet également d’ausculter l’époque où se déroule leur long-métrage. Qu’il s’agisse de la France de l’exode de juin 40 (Folle Embellie, Dominique Cabrera, 2004) ou de l’Italie de 2016 (Folles de joie, La Pazza Gioia, Paolo Virzi, 2016), la situation politique et économique est problématique, et les marginaux sont exclus de la roue capitaliste, sans aucune surprise.

La condition des gens considérés comme fous est cependant plus dure, au vu de l’époque1, dans Folle Embellie. Au début du fils, la caméra s’attarde brièvement sur des lits en plein air, où des malades sont enchaînés, criant leur souffrance. Est-ce sous l’effet de l’affolement général que personne ne s’en occupe, ou est-ce l’habitude ? Les conditions matérielles des asiles n’étaient pas si brillantes, ni les traitements administrés, pas si évolués depuis le dix-neuvième siècle2. Quant à la psychanalyse, freudienne ou non, sa pénétration est lente en France3. D’où l’état d’hébétude et/ou de violence de l’ensemble des patient·es de Folle Embellie. Le petit groupe qui s’échappe (mère, père, fils, et deux sœurs, une femme et un homme) ne sort pas indemne de sa liberté retrouvée pour autant, à l’instar de Beatrice et de Donatella dans Folles de joie.

Pourtant, ces deux femmes ont des conditions de vie optimales dans leur enfermement : médecin·es, psychiatres qui sont à leur écoute, minimum de médicaments, des travaux encadrés peu contraignants à l’extérieur de la structure hospitalière, qui se trouve dans la campagne, une liberté de mouvements à l’intérieur. Ce n’est pas un paradis, mais un endroit où les souffrances sont entendues et prises en compte au maximum, contrairement à ce qui se déroulait dans la plupart des instituts psychiatriques jusque dans les années soixante, comme on le voit dans le film fleuve Nos meilleures années (La Meglio Gioventù, Marco Tullio Giordana, 2003).

C’est que, la liberté, oui, mais pour en faire quoi ? Donatella (Micaela Ramazotti) veut reprendre son fils, que l’assistance publique lui a ôté, après qu’elle a tenter de se noyer avec lui. Beatrice (Valeria Bruni Tedeschi) souhaite reprendre son existence confortable de grande bourgeoise proche de Berlusconi et des politiques qui ont mis l’Italie à genoux, tout en jouant avec le corps des femmes4.

Côté français, Hélène (Yolande Moreau), suit ses compagnes et compagnons, sans poser de questions, enfermée dans son univers, mais souriant aux autres, tout comme Florent (Philippe Grand’Henry). Colette (Maryline Canto), une jeune femme, et sa sœur cadette Lucie (Julie-Marie Parmentier) se libèrent progressivement de leurs miasmes de mal-être, de timidité, de manque de confiance en elles et, pour Lucie, de mutité. Les entraves liées à une éducation féminine type tombent alors. Quant à Alida (Miou-Miou), elle a simplement suivi son mari Fernand (Jean-Pierre Léaud) à l’asile, lorsque celui-ci y a été enfermé pour démence. Elle n’a pas de séquelles du harcèlement sexuel qu’elle a subi dans sa jeunesse, lorsqu’elle était domestique chez des bourgeois. On apprend à la fin du film son ascendance italienne, par une chanson qu’elle entonne afin de remercier la fermière de l’avoir recueilli avec sa famille et ses compagnes et compagnon de voyage. Son fils Julien (Morgan Marinne), presque adulte, protège sa mère des violences subites de son père et tente de construire sa propre vie.

Par conséquent, se trouver loin des médecin·es et des murs des structures psychiatriques devrait aboutir uniquement à d’heureux résultats, notamment pour les femmes, qui ne sont plus sous surveillance patriarcale.

C’est ce qui se passe pour presque toutes, sauf Hélène, qui accepte la condamnation à mort imposée par Fernand. Elle se pend dans la cour d’une ferme abandonnée. Colette et Lucie rejoignent la vie normale par la fréquentation d’autres personnes que les malades de l’asile et par le trajet qu’elles accomplissent avec leur groupe, spatial donc mental, et trouvent chacune un petit ami, Julien pour Colette, le fils de la fermière, pour Lucie.

Alida, après s’être libérée, pour quelques jours, de la présence de son mari, connaît une sexualité heureuse avec un batelier, Moïse (Gabriel Arcand), avant de reprendre la route et de recroiser Fernand et de s’installer dans une ferme tenue par la patronne, qui a besoin de bras et qui tient à conserver Alida, Lucie et Julien, qui se sont bien intégrés. Un retour à la terre bien différent que celui imaginé et imposé ensuite par le maréchal Pétain.

Ce n’est qu’à la fin du film qu’elle affronte son époux et refuse de réintégrer le foyer-asile conjugal. Alida protège également Julien du même sort. Elle lui conseille de faire sa vie loin de Fernand – et d’elle. Alida offre la liberté à son fils tout autant qu’à elle-même.

De même, c’est Beatrice qui convainc Donatella de s’enfuir de leur structure psychiatrique et qui l’aide à retrouver son fils, adopté par un couple. La volubilité de Beatrice et sa faconde font sortir Donatella de son mutisme et de son désespoir. Elle lui donne la force d’affronter ses nombreux problèmes qui l’ont conduit à tenter de se suicider avec son fils. Et, par conséquent, de laisser son enfant dans sa nouvelle famille. De son côté, Donatella apaise Beatrice et lui fait trouver moins insupportable leur retour dans la structure psychiatrique, loin de l’Italie à peine sortie de l’ère Berlusconi, c’est-à-dire dans un monde extérieur bien plus dur et violent que là où elles ont été placées.

La force de vivre soutient l’ensemble de ces femmes, à une exception près. Elles luttent contre des systèmes politiques qui les oppriment car ne voulant pas les écouter, ni les aider à sortir de leurs maux, provoqués par ledit système. Un cercle vicieux dont seule la sororité les sort. Debout pour la vie !

 

1 Isabelle von Bueltzingsloewen, « Les “aliénés” morts de faim dans les hôpitaux psychiatriques français sous l’Occupation », Vingtième Siècle. Revue d’histoire, 2002/4 (no 76), p. 99-115. URL : https://www.cairn.info/revue-vingtieme-siecle-revue-d-histoire-2002-4-page-99.htm

2 Fanny Le Bonhomme, Anatole Le Bras , « Les institutions psychiatriques en Europe, XIXe-XXe siècles », Encyclopédie d’histoire numérique de l’Europe [en ligne]. URL : https://ehne.fr/fr/node/14132

Hervé Guillemain, « Le soin en psychiatrie dans la France des années 1930 », Histoire, médecine et santé [En ligne], 7|printemps 2015. URL : http://journals.openedition.org/hms/804      Cf. aussi Elisabeth Roudinesco, Histoire de la psychanalyse en France, Paris, Seuil, 1994. 2 tomes.

 4 Lorella Zanardo, Il Corpo delle Donne, Universale Economica Feltrinelli, 2010.

 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Folle Embellie et Folles de joie : la force de vivre », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/7297

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Faire ses choix VADMC

Faire ses choix. Partir, revenir, pourquoi ? (2)

Dans les romans comme dans la vie, il est parfois plus difficile de partir que de rester. L’immobilisme permet à la zone de confort de rester immuable et, souvent faussement sereine. Bouger, voyager, séjourner ailleurs, ne va pas de soi, surtout si l’on est pauvre. Revenir non plus n’est pas une sinécure, quel que soit son milieu social.

Le livre, puis la série, Normal People, en est un bon exemple. Le récit, court mais serré, de Sally Rooney, paru en 2018, montre les tensions spatiales qui s’instaurent entre et pour les deux héros, Connell et Marianne. Habitant la même petite ville irlandaise et fréquentant le même lycée, l’une est riche, l’autre est de condition modeste. Ils n’habitent donc pas dans le même quartier ni dans un domicile identique, en termes de mètres carrés. La demeure de Marianne, de sa mère et de son frère aîné est vaste et possède un jardin. La maison de Connell et de sa mère est petite et sans espace vert, engoncée entre deux autres logements. Au lycée, plusieurs rangées séparent la solitaire Marianne de Connell et ses ami es. De même, leur début d’études à Dublin duplique leur vie en province : lui est en colocation car sans bourse, elle habite l’appartement familial.

L’attribution d’une bourse au mérite à chacun·e change de vie. La jeune femme descend dans l’ordre social, en quittant la demeure familiale, tandis que Connell peut arrêter de travailler à côté de ses études. Les deux jeunes gens se rejoignent socialement, mais pour un bref instant seulement. En effet, Marianne souhaite s’éloigner encore plus de sa mère indifférente et de son frère violent. Elle part d’abord dans la villa familiale près de Trieste, puis en Erasmus en Suède, pendant que Connell sombre dans la dépression.

Le retour du Grand Nord de la jeune femme réactive le passé, puisque les vacances universitaires d’été signent la séparation sociale des espaces. Connell est chez sa mère en ville, Marianne chez sa mère dans le haut de la cité. Et c’est toujours elle qui se rend chez lui, sauf lorsqu’elle l’appelle à l’aide, car son frère l’a frappée, une fois encore. Marianne, encore enfermée dans le cercle vicieux de la culpabilisation et de la violence intra-familiale, n’a pas encore fait la démarche d’aller chez un·e professionnel·le de santé, contrairement à Connell. Sa force est cependant immense, au vu des relations toxiques avec les hommes – sauf Connell, qu’elle a traversées.

Pour elle, partir d’Italie, puis de Suède, a donc été bénéfique. Au contraire, le petit tour d’Europe (Allemagne, Tchéquie, Slovaquie, Autriche, Italie) entrepris par Connell avec ses ami·es Elaine et Nail l’a sorti de sa condition d’étudiant d’un milieu modeste, en lui ouvrant l’univers, géographique, artistique, sensoriel. Tout cela nourrissant sa créativité d’écrivain. D’où des publications modestes, qui lui ouvrent les portes d’une université new-yorkaise. Le nouveau départ de Marianne, lui, est stable spatialement. Elle a vraiment coupé les liens gangrenés avec sa famille et souffle à Dublin, au sein de l’université jouissant de sa bourse et de la liberté mentale qu’elle lui offre.

Le parcours existentiel de Connell et de Marianne continue à tracer de beaux parallèles, dans un double envol. Des destins à être continués.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Faire ses choix. Partir, revenir, pourquoi ? (2) », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/7235

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Pourquoi les dinosaures VADMC

Pourquoi les dinosaures ?

Mais pourquoi, ô pourquoi cette haine des « reptiles fossiles de l’ère secondaire » dans le cinéma hollywoodien de l’époque classique ? En effet, deux d’entre eux, au moins, finissent mal, par terre et en morceaux, après avoir été fortement malmenés par des humain·es de passage.

Dans L’Impossible M. Bébé (Bringing Up Baby, Howard Hawks, 1938), le paléontologue David Huxley (Cary Grant) voudrait bien quitter son squelette de dinosaure favori, au moins le temps de sa future lune de miel et de mettre en route un/des enfant(s), mais sa fiancée Alice Swallow (Virginia Walker), tout en lorgnons et jupe droite, est formelle : le travail, rien que le travail, encore le travail. Caricature de la bas-bleue, Alice en sera pour ses frais, car David lui échappe, au sens spatial, donc, ici, psychologique.

L’appât de la fuite du scientifique est, tout d’abord, un os intercostal. De brontosaure. Qui lui échappe, à la suite de complications hilarantes. D’où, bien sûr, la course à la recherche de l’os perdu. En compagnie d’une charmante héritière, Susan Vance (Katharine Hepburn), qui lui fait perdre, dans l’ordre et de manière non exhaustive : sa veste de smoking, son sang-froid, ses vêtements de ville – remplacés par un très joli peignoir féminin froufroutant -, ses lunettes, sa coiffure impeccable, son parler, également impeccable, son sens de la logique et sa liberté, puisqu’il finit en prison.

Tout semble pourtant rentrer dans l’ordre : David est libéré grâce à sa fiancée, il retrouve son os bien-aimé, apporté par Susan, et le squelette du brontosaure le protège de la fougue de celle-ci. Croit-il. Car Alice lui assène un « You’re just a butterfly. » (« Vous n’êtes qu’un papillon »), avant de partir, droite et digne. Et quand, juste après, Susan rapporte l’os, elle fait s’effondrer ledit reptile fossile, au grand dam de David. Et plus il essaie de lui dire son désarroi, plus elle s’excuse, plus elle est charmante et plus… oh et puis zut pour la science, vive l’amour. Et un squelette de petit dinosaure sourit derrière le couple enlacé.

Onze ans plus tard, l’effondrement du dinosaure dans le Muséum d’Histoire naturelle de New York n’est qu’un épisode parmi d’autres dans Un Jour à New York (On The Town, Stanley Donen, 1949), mais il a également pour fonction de souder le trio de marins et leurs deux nouvelles petites amies. Oui, car Gabey (Gene Kelly) n’a toujours pas trouvé sa « Miss Turnstiles » (Vera Ellen), rencontrée dans le métro, recherche prétexte à la visite de la Grosse Pomme. Par contre, le jeune et rougissant Chip (Franck Sinatra) est presque tombé dans les bras de l’hardie chauffeuse de taxi Brunhilde dite Hilde (Betty Garrett, pas encore tombée dans les filets de la Chasse aux sorcières). Et Ozzie (Jules Munshin) vient tout juste d’avoir le coup de foudre pour une jeune bourgeoise en quête de « vrai mâle », Claire (Ann Miller). Et Ozzie ressemble, heureuse coïncidence, à « l’homme préhistorique » du Muséum, qui voisine avec un squelette de dinosaure et des objets et vêtements d’art premier.

Claire entonne alors un chant de triomphe, « Prehistoric Man », à la douce confusion d’Ozzie et à l’hilarité des autres. La chanson énumère ce que Claire rejette, à savoir l’élégance à la Fred Astaire (légère pique contre le rival de Gene Kelly) et à la Clark Gable, ainsi que les complications intellectuelles et psychanalytiques. Son homme idéal est sain, sportif et d’une intelligence moyenne. La virilité post-Deuxième Guerre mondiale a besoin de symboles forts, quoique schématiques.

S’ensuit une folle séquence chantée et dansée, où le talent d’Ann Miller est mis en valeur. Ses claquettes crépitent, ses jupes vertes doublées de carreaux beiges volent, son chant s’élève dans la salle. Ses nouveaux amis s’approprient les objets et vêtements exposés, leur rendant vie, avec tout de même un côté d’appropriation culturelle qu’il ne faut pas négliger : leurs chants et dansent miment de supposées traditions du continent africain, qu’on ne peut qu’assimiler à des cris et mouvements simiesques. Ce qui passait pour du comique de situation et de geste sans conséquence est catalogable comme du racisme.

Alors que Claire termine sa danse, Ozzie s’appuie négligemment au squelette, dont il fait tomber une articulation de la patte antérieure droite. Et le dinosaure proteste, en s’effondrant lentement mais sûrement, alors qu’un groupe de visiteurs et de visiteuses arrive dans la salle. Panique des marins et des filles, qui se ruent vers la sortie et le taxi de Hilde, qui exige que Chip reprenne sa place devant, à côté d’elle, son genou gauche à portée de sa main à elle.

Après des aventures à couper le souffle, dont une course-poursuite à travers Coney Island puis en voiture, tout est bien qui finit bien : chacun a sa chacune, et le conservateur du Muséum abandonne les poursuites contre le groupe.

Les deux films développent, plus ou moins brièvement, tout de même, une critique de la recherche et des lieux de savoir. Les Nords-Américain·es blanc·hes n’oublient pas qu’elles et ils appartiennent à une nation jeune, volontairement coupée de la vieille Europe. Reste, heureusement, le plaisir de visionner des films brillants et plaisants, riches de leur propre culture.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Pourquoi les dinosaures ? », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/7190

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Goutte western VADMC

La goutte du western

Peupler une attente et la rendre intéressante ne va pas de soi, à l’écrit comme à l’écran. Deux cinéastes ont choisi le même détail pour focaliser l’attention des spectateurs et des spectatrices, l’un après l’autre, le second rendant peut-être hommage au premier.

En 1951, au début du Train sifflera trois fois (Fred Zinnemann), trois bandits, dont l’un est joué par Lee Van Cleef, futur acteur des western-spaghettis de Sergio Leone, attendent leur chef Franck Miller (Ian MacDonald), qui arrive par le train dans la petite ville de l’Ouest, où ils se trouvent. Leur station à la gare est silencieuse, seule une méchante goutte d’eau persiste à tomber sur leur chapeau, encore et encore, depuis le toit.

Dix-sept ans plus tard, trois bandits (dont Woody Strode, Le Sergent noir de John Ford en  1960) attendent un inconnu dans une gare de l’Ouest américain, sur ordre de leur chef Franck (Henry Fonda). Et une goutte d’eau tombe, tombe, tombe, sans cesse, sur leur chapeau. Sergio Leone étire cette séquence inaugurale d’Il était une fois dans l’Ouest (1968), avant l’arrivée de l’homme à l’harmonica (Charles Bronson) et les secs échanges de coups de feu entre les bandits et le bel et sombre inconnu.

Le sens du détail des réalisateurs permet d’augmenter le suspens, tout en jouant sur les nerfs des personnages et du public. Comment résister à la goutte ?

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « La goutte du western », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/6972

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Sortir vivant de la cuve VADMC

Sortir vivant de la cuve

La richesse des références historiques, littéraires, cinématographiques, bref, culturelles, constitue le fondement des premiers Star Wars de George Lucas (1977, 1980, 1983). Parmi mille et un exemples, nous avons choisi la fin de L’Empire contre-attaque (Empire Strikes Back, 1980). Han Solo (Harrison Ford), le voyou au cœur tendre, est coulé vivant dans une cuve de carbonite, sous les yeux de sa bien-aimée, une des cheffes de la rébellion, la princesse Leia Organa (Carrie Fischer). Leia ne peut rien tenter pour le délivrer, car elle est aussi prisonnière des forces du mal. Han est ensuite expédié, sous la forme d’une plaque à taille humaine, au gluant Jabba le Hutt, qui a de vieux comptes à régler avec Han.

Tout dans cette séquence chimique rappelle la fin de Masques de cire (Mystery of the Wax Museum, Michael Curtiz, 1933) : même cuve, même disposition de la cuve, même atmosphère sifflante et angoissante, même mégalomanie masculine. Et même type de personnages féminins à tempérament indépendant et qui agissent. Différence notable tout de même : c’est une femme, Charlotte Duncan (Fay Wray), qui doit être recouverte vivante de cire fondue, et non un homme. Et elle échappe à ce destin sadique grâce à son amie Florence Dempsey (Glenda Farrell) et à son fiancé Ralph Burton (Allen Vincent). Et le sculpteur de chair humaine1, Ivan Igor (Lionel Atwill), dans une belle envolée anti-soviétique, périt par là où il voulait pécher, sa cuve.

C’est ce qui va arriver à l’empereur Palpatine (Ian McDiarmid) dans Le Retour du Jedi (1983). Sa principale créature, Dark Vador (David Prowse), le jette dans un puits/une cuve sans fond, où il meurt brutalement.

Et dans les deux films, la joie et l’amour refleurissent : Luke Skywalker (Mark Hamill) a enfin réglé son Œdipe, Leia et Han sont réunis, tout comme Florence et Jim (Franck McHugh), Charlotte et Ralph. Alléuia garanti dans les mondes libres.

1 Un des surnoms du sinistre Mystérieux Docteur Cornélius (Gustave Le Rouge, 1913).

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Sortir vivant de la cuve », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/6979

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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