Archives mensuelles : février 2025

Interview Myriam Leroy VADMC

Le cyber-harcèlement, c’est quoi, c’est qui ? – Interview de Myriam Leroy

Un très grand merci chaleureux à Myriam Leroy d’avoir répondu à nos questions.

Tiphaine Martin – Quels sont les liens entre votre travail de journaliste, celui de podcasteuse, celui d’écrivaine et celui de réalisatrice ? Comment passez-vous de l’un à l’autre ?

Myriam Leroy – C’est le sujet qui appelle à chaque fois son propre médium. Parfois certains récits doivent appartenir la scène, parfois ils appellent une narration directe et orale et je choisis alors le podcast, parfois je sens qu’ils doivent être traités par le prisme du roman, avec un travail de mise en fiction et de mise en scène, notamment pour éviter des écueils de redondance…

T.M. – Comment avez-vous choisi les intervenantes pour votre documentaire Sale Pute (2021) ?

M.L. – Nous avons envoyé des bouteilles à la mer à des femmes dont nous savions qu’elles avaient été harcelées, notamment parce que la presse en avait parlé ou qu’elles-mêmes avaient médiatisé la problématique. Nous souhaitions des interlocutrices qui n’étaient pas ou plus dans l’oeil du cyclone, pour bénéficier de leur recul analytique – sur les événements ; et nous voulions aussi des femmes que la re-médiatisation de leurs harcèlements n’allaient pas fragiliser davantage. Car il y a un prix à payer quand on parle. Bien sûr, ce n’est pas une science exacte, il est difficile de prévoir avec exactitude la probabilité de retour de bâton, mais nous avons essayé de mettre en avant des femmes qui ne nous semblaient pas trop en situation de fragilité. Enfin, nous avons voulu varier les profils : une écrivaine, deux journalistes, une humoriste, une youtubeuse, une femme politique, une streameuse, une avocate (…) et une « victime » d’une autre violence, qui a accédé à la notoriété à cause de l’innommable qui lui était tombé dessus. L’idée était de montrer que nous étions toutes concernées, et que le harcèlement, comme on l’entend souvent, n’est pas le corollaire de la célébrité, même si celle-ci peut aussi faire flamber le phénomène.

T.M. – Pourriez-vous établir des parallèles entre les témoignages dans Sale Pute et le procès Pelicot ?

M.L. – Alors, bien sûr, toutes proportions gardées, les victimes de harcèlement qui témoignent dans notre film le font non par plaisir, mais pour visibiliser une problématique dont on a trop souvent honte. Il s’agit de la faire changer de camp. Parmi les parallèles que je peux établir, il y a aussi celui de la preuve, visible par tous (le harcèlement étant la plupart du temps public), et pourtant minorée voire niée par certains. Il ne s’agit pas d’une parole contre parole, et pourtant certains s’échinent à contredire l’évidence.

T.M. – Comment sortir, à votre avis, du « réseau sociaux = virtuel = pas grave », alors que les réseaux sociaux sont alimentés par des humain·es qui sont tout aussi réels et dangereux dangereuses que leurs propos haineux ?

M.L. – Il faut introduire les mots justes dans la narration, et espérer qu’un jour, le grand public s’en empare. Il n’y a pas la « vraie vie », qui serait celle de la rue, et une « fausse vie » qui serait celle des réseaux. Pour ma part, je parle de vie physique, et de vie online, ou d’espace public numérique, mais en tout cas je ne parle jamais de « virtuel ». J’enlève aussi la plupart du temps le préfixe « cyber ». Le cyberharcèlement, c’est du harcèlement, point.

T.M. – Des projections de Sale Pute sont-elles prévues en milieu scolaire et autres lieux ?

M.L. – Bien sûr, c’est même très fréquent. Nous serons encore devant des élèves de terminale à Bruxelles à l’occasion du 8 mars, avec ce film. Les enseignants étant très démunis par rapport à la problématique du harcèlement, le documentaire sert souvent de support à la discussion avec les élèves. Lorsque nous sommes conviées dans les classes, c’est souvent passionnant. Bien que nous remarquons que beaucoup de jeunes estiment que cette violence fait partie de la vie, et ont une empathie assez émoussée par rapport aux victimes.

T.M. – Pensez-vous à publier sous forme papier votre documentaire ?

M.L. – Non, mais Florence Hainaut a creusé le sujet encore davantage dans un livre récent, « Cyberharcelée », aux éditions De Boeck. Elle y développe beaucoup plus de « théorie » que dans le documentaire, qui lui, était destiné au plus large public possible. Celui qui a longtemps « pas vu le problème », ou estimé qu’il suffisait « d’arrêter internet » pour ne pas être importuné.e.

T.M. – Quels sont vos projets ?

M.L. – Je suis en train d’essayer d’écrire une comédie féministe pour le cinéma, et sinon je continue à faire des chroniques à la radio belge, où je dégomme chaque semaine un sujet d’énervement différent, qui, ô surprise, a souvent trait au sexisme.

Image de couverture : Wikimedia Commons.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, Myriam Leroy, « Le cyber-harcèlement, c’est quoi, c’est qui ? – Interview de Myriam Leroy », Voyages autour de mon cerveau, février 2025. URL : https://vadmc.hypotheses.org/23898

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Elle est membre du comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. Elle a participé au documentaire « La Philosophie marseillaise de Simone de Beauvoir », diffusé sur ARTE en 2018. Son exposition Beauvoir la voyageuse est en ligne sur le site MUSEA. En 2020, elle a créé son carnet de recherches, Voyages autour de mon cerveau. Son exposition 2022 Élisabeth Lacoin. Les traces vivantes du Chatfoin est en ligne sur ce site. Ses recherches et ses publications portent sur : les études de genre, Simone de Beauvoir, Le Deuxième Sexe, La Femme rompue, l’écriture de soi, le récit de voyage, la bande dessinée, la littérature jeunesse, l’histoire des arts, les Food Studies, le cinéma, la télévision, la chanson, l’histoire politique. ISSN : 2729-3092

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S’apporter ou pas dans le couple F. Hardy A. Sylvestre VADMC.001

S’apporter ou pas dans le couple : F. Hardy, A. Sylvestre

Être heureux à deux, oui, dans un couple hétérosexuel pourquoi pas, mais qu’y apporte-t-on de soi quand on est une femme ? Les chanteuses Françoise Hardy et Anne Sylvestre ont deux réponses différentes, à l’image de leur répertoire : fougueusement lyrique pour Hardy dans « Je changerais d’avis » (Je changerais d’avis, 1967), pragmatique et plein d’humour pour Sylvestre dans « Les impedimenta » (D’amour et de mots, 1994).

Chez Hardy, la narratrice se jette au cou de son aimé, dont elle n’est pas sûre qu’il l’aime, par ailleurs :

S’il n’y avait qu’une chance, une sur des milliers pour te garder

Moi je la prendrais

(…) Si tu pouvais m’aimer.

Sa chanson est donc un appel à la réciprocité amoureuse, ce qui la place en position de demande, donc incertaine, et d’insécurité. En outre, sans que son aimé le lui ai demandé, et sans que la réciproque soit vraie, elle se dit prête à repartir à zéro :

Je changerais d’avis, ce qu’il faut penser, au fond, je sais que l’oublierais

Je changerais de vie, si tu le voulais, au fond, je sais que je te suivrais

Je changerais d’amis si tu y tenais, tout mon passé, je le quitterais

(…)

Je changerais d’avis et je me dirais que jusqu’à toi, je m’étais trompée

Je changerais de vie sans me demander où je m’en vais, si tu m’emmenais.

La construction impeccable des vers en anaphore souligne la détermination de la narratrice. L’énergie déployée ici est soutenue par la musique d’Ennio Morricone, puisque Hardy a adapté, en transformant totalement le sens de la chanson, « Se telefonando », de l’interprète italienne Mina (paroles de Maurizio Costanzo et Ghigo de Chiara, 1966). La soumission de la narratrice à l’être aimé est totale, ce qui peut être grisant pour celui-ci, car le portant au pinacle du pouvoir sur la narratrice, comme très embarrassant et pesant, car il n’a rien demandé et ne souhaite peut-être pas devenir un surhomme.

Au contraire, la narratrice de la chanson de Sylvestre est sûre d’elle et demande à son aimé de choisir entre « prendre tout le lot ou le portillon ». C’est-à-dire de l’accepter telle qu’elle est, avec son passé qui comprend : ex-maris, enfants, amant·es, mage, coiffeur, chat persan, Depardieu. Et de ne pas se lamenter sur la non-virginité existentielle de la narratrice, lui qui est également chargé d’histoires, comme le rappelle le refrain :

On n’est pas tout neuf, on a son barda

On a ses impedimenta

On n’est pas tout neuf, on est tous des ex

On est tous plus ou moins duplex

Les impedimenta étant ce bagage existentiel plus ou moins voulu et assumé, son poids sur notre vie et donc celle de notre conjoint peut varier. Sylvester choisit la légèreté.

Les deux narratrices se rejoignent cependant sur le renouvellement de l’amour :

La vie n’est pas un seul garçon, un seul visage à aimer

La vie n’est pas une seule passion pour toujours, allumée (…)

« Je ne fus, dit-elle, pas une vestale

Et pas mal de monde, dans ma vie, passa

Mais la marguerite a plus d’un pétale (…). »

À la métaphore de la lampe passionnelle (Hardy), Sylvestre répond par celle de l’effeuillage de la marguerite. Deux images traditionnelles pour exprimer le droit à la multiplicité sentimentale, loin des prônes sociétaux sur l’amour unique et irréversible, surtout quand il s’agit d’amour porté par les femmes.

En effet, combien d’écrits, de films, d’injonctions… doloristes voire morbides sur l’unicité et l’implacabilité d’une passion féminine qui fait mourir/rentrer au couvent/etc., sa propriétaire quand la passion n’est pas/plus partagée ? C’est-à-dire inciter les femmes à être vissées envers et contre tout ce qu’elles peuvent ressentir et vivre une première fois dans leur existence. Pourtant, tout coule et tout se transforme.

Donc, on brûle tout ce que l’on était, pour autant que cela soit possible, ou, « trois, un », on vient à l’autre comme on est, tout en l’aimant pour ce qu’il est, lui aussi ?

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « S’apporter ou pas dans le couple : F. Hardy, A. Sylvestre », Voyages autour de mon cerveau, février 2025. URL : https://vadmc.hypotheses.org/23824

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Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Elle est membre du comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. Elle a participé au documentaire « La Philosophie marseillaise de Simone de Beauvoir », diffusé sur ARTE en 2018. Son exposition Beauvoir la voyageuse est en ligne sur le site MUSEA. En 2020, elle a créé son carnet de recherches, Voyages autour de mon cerveau. Son exposition 2022 Élisabeth Lacoin. Les traces vivantes du Chatfoin est en ligne sur ce site. Ses recherches et ses publications portent sur : les études de genre, Simone de Beauvoir, Le Deuxième Sexe, La Femme rompue, l’écriture de soi, le récit de voyage, la bande dessinée, la littérature jeunesse, l’histoire des arts, les Food Studies, le cinéma, la télévision, la chanson, l’histoire politique.
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Danser en public Sacrée véritée Pulp Fiction VADMC.001

Danser en public : Cette sacrée vérité, Pulp Fiction

Comment danser en public à deux ? Dans les comédies Cette sacrée vérité (Leo McCarey, This Awful Truth, 1937) et Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994), les deux couples hétérosexuels se donnent en spectacle, pour des moments d’anthologie qui mobilisent beaucoup les mains des danseuses.

La comédie de remariage Cette sacrée vérité met d’abord en scène Dixie (Joyce Compton), danseuse professionnelle dans un cabaret new-yorkais, et petite amie de Jerry (Cary Grant), fraîchement divorcé de Lucy (Irene Dunne). Sachant que le divorce ne sera effectif quatre-vingt-dix jours plus tard, à minuit, date à laquelle les personnages sont encore loin à ce moment-ci de l’intrigue. Lucy est venue avec Dan (Ralph Bellamy), son nouveau fiancé, un brave jeune homme de l’Oklahoma, grand, blond, sain, fort, fou amoureux d’elle. Il est prêt à l’épouser sur l’heure et à l’emporter dans sa campagne, loin du bruit et de la fureur de la ville corruptrice, lieu de tous les vices, dont ledit cabaret. Nous retrouvons ce stéréotype campagne idéalisée/ville mauvaise, pris là aussi en dérision, tant, par exemple, dans Uniformes et jupons courts (Billy Wilder, The Major and the Minor, 1942) que dans Confidences sur l’oreiller (Michael Gordon, Pillow Talk, 1959).

De même, la danseuse Dixie n’est pas une mauvaise fille, tout comme, autre exemple, sa devancière Francey (Ginger Rogers) dans Mariage incognito (George Stevens, Vivacious Lady, 1938), qui, elle, est habillée dans son tour de chant d’une robe qui va jusqu’au sol, et qui se carapate de la grande ville avec son fiancé Peter (James Stewart). Dixie, du sud des États-Unis comme Dan, n’est pas gênée par le jeu de scène qui accompagne sa chanson « My Dreams are Gone With The Wind » (le roman sudiste de Margaret Mitchell Gone With The Wind/Autant en emporte le vent est paru en 1936, un an avant la sortie du film), à savoir : sa robe se soulève à intervalles réguliers, dévoilant de plus en plus haut ses jambes, ses cuisses, puis remontant jusque’à sa culotte. Le réalisateur Billy Wilder a-t-il pensé à cette scène lorsqu’il a tourné Sept ans de réflexion (Seven Years Itch, 1955) avec Marylin Monroe, lui faisant jouer une séquence similaire sur une bouche de métro, devenue iconique dans l’histoire du cinéma ?

Puis, Jerry incite sournoisement son ex-femme à danser avec son fiancé, pendant qu’il les regardera. Dan et Lucy valsent, puis, à la musique de valse succède un rythme énergique. Dan et Lucy gigotent plus qu’ils ne dansent, les entraînant dans des mouvements syncopés qui vident la piste de danse des autres danseurs et danseuses. Lucy sourit, gênée de se donner en spectacle, tout en faisant de grands gestes circulaires de la main droite afin d’arrêter Dan. Qui, lui, se donne à fond, très souriant, inconscient de son ridicule. Jerry continue à saper le moral et le possible amour de Lucy pour Dan en demandant un bis à l’orchestre du cabaret. Et Dan d’entraîner à nouveau Lucy dans un trémoussement endiablé, sous l’œil hilare de Jerry et à la stupéfaction des autres danseurs et danseuses, respectueuses et respectueux de la performance, cependant.

Mia (Uma Thurman) et Vincent (John Travolta) occupent eux aussi le devant de la scène dans un cabaret dans une scène devenue iconique de Pulp Fiction. À l’inverse de Cette sacrée vérité, c’est le personnage féminin qui entraîne le personnage masculin à danser. En effet, cette épouse de mafieux veut danser et veut gagner le trophée du concours de twist que propose le directeur du cabaret et que porte une employée, Marylin, déguisée en Marilyn Monroe (perruque blonde, robe évasée blanche et petites chaussures d’été blanches à talons comme celles que portent l’actrice dans Sept ans de réflexion). La chanson « You never can tell » est chantée par son créateur, Chuck Berry, via un disque. Vincent est chargé de la protéger et de faire ses quatre volontés.

Mia et Vincent posent leurs chaussures sur le bord de la piste, attendent le début de la chanson, et dansent, pieds nus (Mia) et en chaussettes (Vincent), face à face, souvent cadrés en gros plan. S’ils bougent de tout leur corps, leurs mains sont les plus vives et les plus expressives : mains cassées au poignet pointant vers le bas, puis agitées au-dessus de la tête, puis mouvements de brasse, puis une main bouchant le nez et l’autre au-dessus de la tête, mains en ciseau à l’horizontal des yeux, puis poings fermés agités, puis une main sur la tête et l’autre à la hanche (Mia) ; poings fermés agités, qui s’ouvrent progressivement pour claquer des doigts, puis mouvements de brasse, mains en ciseau à l’horizontal des yeux, mains qui claquent des doigts, mains presque fermées, une main sur le ventre et l’autre presque fermée devant soi, balancement des mains devant soi, à hauteur de la poitrine, claquements de doigts (Vincent). Ce découpage permet de constater l’alchimie entre les deux personnages, qui s’imitent l’un l’autre, tout en gardant leur individualité manuelle, et corporelle, Mia étant plus vive, Vincent plus sinueux. Bien sûr, ils gagnent le concours.

Lecteur, lectrice, faut-il vraiment vous dire comment se termine Cette sacrée vérité ? Ou, habitué·es comme nous aux comédies de remariage, savez-vous déjà que Jerry et Lucy sont réunis à la toute fin du film, à l’ultime seconde avant que leur divorce ne soit effectif, grâce à d’astucieux courants d’air ? Quant à Pulp Fiction, son intrigue complexe se termine également bien pour Mia, d’une part, et pour Vincent, d’autre part.

Alors, on danse ?

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Danser en public : Cette sacrée vérité, Pulp Fiction »,  Voyages autour de mon cerveau, février 2025. URL : https://vadmc.hypotheses.org/23774

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Elle est membre du comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. Elle a participé au documentaire « La Philosophie marseillaise de Simone de Beauvoir », diffusé sur ARTE en 2018. Son exposition Beauvoir la voyageuse est en ligne sur le site MUSEA. En 2020, elle a créé son carnet de recherches, Voyages autour de mon cerveau. Son exposition 2022 Élisabeth Lacoin. Les traces vivantes du Chatfoin est en ligne sur ce site. Ses recherches et ses publications portent sur : les études de genre, Simone de Beauvoir, Le Deuxième Sexe, La Femme rompue, l’écriture de soi, le récit de voyage, la bande dessinée, la littérature jeunesse, l’histoire des arts, les Food Studies, le cinéma, la télévision, la chanson, l’histoire politique.
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Brueghel chez James Bond ? James Bond contre Dr No

Brueghel chez James Bond ? James Bond contre Dr No

C’est au tout début du roman comme du film, lorsque trois aveugles arrivent, traversent la scène, puis vont tuer un espion britannique (Ian Fleming, Dr No, London: Pan Books, 1964, ebook, p.4-5) :

Just before six-fifteen, the silence of Richmond Road was softly broken. Three blind beggars came round the corner of the intersection and moved slowly down the pavement towards the four cars. They were Chigroes-Chinese Negroes- bulky men, but bowed as they shuffled along, tapping at the kerb with theirwhite sticks. They walked in file. The first man, who wore blue glasses and could presumably see better than the others, walked in front holding a tin cup against the crook of the stick in his left hand. The right hand of the second man rested on his shoulder and the right hand of the third on the shoulder of the second. The eyes of the second and third men were shut.

The three men were dressed in rags and wore dirty jippa-jappa baseball caps with long peaks. They said nothing and no noise came from them except the soft tapping of their sticks as they came slowly down the shadowed pavement towards the group of cars. The three blind men would not have been incongruous in Kingston, where there are many diseased people on the streets, but, in this quiet rich empty street, they made an unpleasant impression. And it was odd that they should all be Chinese Negroes. This is not a common mixture of bloods.

C’est-à-dire (traduction personnelle, littérale, avec les termes utilisés par l’auteur) :

Juste avant six heures quinze, le silence de Richmond Road fut doucement brisé. Trois mendiants aveugles arrivèrent au coin de l’intersection et descendirent lentement le trottoir vers les quatre voitures. C’étaient des « chigroes » – des hommes nègres chinois – des hommes costauds, mais qui s’inclinaient vers le sol tandis qu’ils avançaient d’un pas traînant, tapotant le trottoir de leurs bâtons blancs. Ils marchaient les uns derrière les autres. Le premier homme, qui portait des lunettes bleues et pouvait vraisemblablement voir mieux que les autres, se dirigea vers l’avant en tenant une tasse d’étain contre le creux du bâton, dans sa main gauche. La main droite du deuxième homme reposait sur son épaule et la main droite du troisième sur l’épaule de la seconde. Les yeux des deuxième et troisième hommes étaient fermés.

Les trois hommes étaient vêtus de haillons et portaient des casquettes de baseball Jippa-Jappa sales avec de longues visières. Ils ne parlaient pas et aucun bruit ne venait d’eux, sauf le tapotement doux de leurs bâtons alors qu’ils descendaient lentement le trottoir ombragé vers le groupe de voitures. Les trois aveugles n’auraient pas été incongrues à Kingston, où il y a beaucoup de personnes malades dans la rue, mais, dans cette riche rue vide et calme, ils firent une impression désagréable. Et c’était étrange qu’ils soient tous des nègres chinois. Ce n’est pas un mélange de sang commun.

Nous sommes dans un contexte colonial donc raciste au début du roman d’espionnage James Bond contre Dr No, de l’auteur anglais Ian Fleming, paru en 1958.

Le film de Terence Young de 1962 évacue tout commentaire oral des autres personnages sur l’apparence physique des tueurs, tout en mettant ceux-ci en valeur.

En effet, les trois tueurs apparaissent dès le générique, silhouettes en noir sur un fond tricolore (blanc, bleu, rouge).

Aveugles James Bond VADMC

©Tiphaine Martin

En même temps, la chanson « Kingston Calypso », interprétée par Diana  Coupland, retentit. Bien entendu, les paroles en sont prophétiques :

Three blind mice, here and there

Three blind mice, everywhere

Searching all around for the cat

All over Kingston town pit-a-pat

They got the carving knife

To cut the pussycat’s life

(…)

So beware

C’est-à-dire (traduction personnelle) :

Trois souris aveugles, ici et là

Trois souris aveugles, partout

Cherchant le chat en tout lieu

Dans toute la ville de Kingston, elles ont pris le couteau à découper

Pour couper la vie du minet

(…)

Alors attention

Le suspens est ainsi installé dès les premières secondes du film. Les trois aveugles vont en effet tuer l’espion britannique John Strangways (Timothy Moxon), puis sa secrétaire Mary Trueblood (Dolores Keator), non au couteau, mais à la mitraillette, plus moderne. Ce double meurtre motive la venue en Jamaïque de l’espion britannique OO7 James Bond.

Cette nouvelle parabole des aveugles aurait-elle été inspirée à Ian Fleming, puis à Terence Young, par le tableau (1568) du peintre flamand Pieter Brueghel l’Ancien ?

The_Blind_leading_the_Blind_by_Pieter_Bruegel_the_Elder_Google_Art

Pieter Brueghel l’Ancien, La Parabole des aveugles, 1568

Le mouvement du tableau, du roman et de la première scène du film sont les mêmes, allant de la gauche vers la droite, au premier plan. Tous portent des haillons, et l’un des aveugles peint par Brueghel (le troisième en partant de la gauche) porte un bonnet à visière, certainement l’ancêtre de la casquette à visière portée par les trois aveugles de Fleming et par un des aveugles de Young. Les deux autres aveugles de Young portent des chapeaux de paille, tout comme les autres aveugles de Brueghel portent des bonnets. Rappelons que tant chez Fleming que chez Young, les aveugles sont de faux aveugles, jouant sur la pitié qu’ils inspirent, ainsi que sur l’indifférence du reste de la population à leur égard, ce qui leur permet de commettre leurs forfaits en toute impunité, du moins dans un premier temps.

Si nous suivons la parabole biblique (Bible, Mathieu, 15, 4), tant dans le tableau que dans le roman que dans le film, les aveugles sont sur le mauvais chemin, et seront punis de leurs mauvaises intentions. Ce qui est le cas : les aveugles de Brueghel tombent les uns après les autres, les (faux) aveugles de Fleming puis de Young sont tués.

Moralité : les êtres méchants sont punis.

Pour aller plus loin dans l’analyse du tableau de Brueghel :

https://www.beauxarts.com/vu/bruegel-penchants-critiques/

https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010061566

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Brueghel chez James Bond ? James Bond contre Dr No », Voyages autour de mon cerveau, février 2025. URL : https://vadmc.hypotheses.org/23588

Tiphaine Martin

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Partir, revenir, pourquoi ? (15) Essayer toujours : Prima la vita VADMC

Partir, revenir, pourquoi ? (15) Essayer toujours : Prima la vita

Tomber sept fois, se relever huit fois. Tourner, sauvegarder des films anciens, sauver sa fille de l’emprise de la drogue. Lutter contre la maladie de Parkinson. Tourner, encore et toujours. Fonder la Cinémathèque de Milan. Décéder, dans un envol père-fille en noir et blanc que le Vittorio de Sica de Miracle à Milan (Miracolo a Milano, 1951) n’aurait pas renié.

Le long-métrage Prima la vita (Il tempo che ci vuole, 2024) de l’Italienne Francesca Comencini nous entraîne au sein du duo qu’elle forme avec son père, le réalisateur Luigi Comencini. Ni mère ni sœurs à l’écran, uniquement son géniteur et elle. Francesca Comencini y raconte ses relations de plus en plus complexes avec son père. Ce sont, d’abord, dans l’enfance, de tendres moments : raconter sa journée d’école, assister puis participer aux tournages paternels. Avoir du savon à barbe sur le menton et les joues comme papa, puis prendre un rasoir et ôter le savon à barbe, comme papa. Éducation « comme un garçon » et/ou clin d’œil à une scène de L’Enfant sauvage et de La Chambre verte (François Truffaut, 1969, 1978), entre un adulte et son fils adoptif ?

Un autre écho à ces deux films truffaldiens et à leurs duos adulte/enfant handicapé pourrait se trouver, si nous ne fantasmons pas trop, dans la scène où Luigi (Fabrizio Gifuni) se fâche contre la professeure de français de sa fille Francesca (Anna Mangiocavallo). L’enseignante se moque d’un élève qui a des difficultés à s’exprimer, non seulement en français, mais aussi en italien. L’humanité de Luigi et ses credos « prima la volta » (d’abord la vie, ensuite le cinéma) et « il tempo che ci vuole » (« le temps qu’il faut ») apparaissent également ici. C’est d’ailleurs un autre contrepoint avec le credo exprimé par plusieurs personnages dans La Nuit américaine (François Truffaut, 1973) : « Le cinéma est plus important que la vie. » Que choisir ?

C’est, aussi, pour Francesca, faire face, ou pas, malgré le soutien paternel, à sa peur enfantine à la vue de l’illustration représentant la baleine de Pinocchio. Luigi a beau l’entraîner dans un cirque romain qui exhibe une baleine morte, la peur est la plus forte, et, non, elle ne « se jette [pas] à l’eau », contrairement à ce que clame la chanson de Rocky Roberts (1967) « Stasera mi butto » (« Ce soir je me jette à l’eau »), que la réalisatrice fait éclater comme musique de fosse à cet instant. La musique de la chanson est pourtant joyeuse, et les paroles chantées avec énergie et amusement par le chanteur, faisant oublier le sens plutôt triste de certaines des paroles. Une chanson à prendre au second degré, entre parenthèses, donc. Nous retrouvons également le goût des réalisateurs et réalisatrices  italien·nes pour l’insertion de « chansons légères » (« canzone leggere ») dans leurs films, à l’instar de Federico Fellini dans La Dolce Vita (1959, avec également un final sur la plage et un monstre marin échoué sur la rivage) et de Dino Risi dans Le Fanfaron (Il sorparsso, 1962), entre autres exemples.

Puis viennent les disputes, à propos des Brigades rouges : Luigi est contre, Francesca est pour. D’où deux scènes qui se répondent : la joie de Francesca et de ses camarades étudiant·es, qui écoutent, ravi·es et applaudissant en plein cours de thème, un militant corner au haut-parleur, depuis le toit de sa 4L, l’annonce de l’enlèvement d’Aldo Moro, chef du parti démocrate-chrétien, par les Brigades rouges, en mars 1978. L’effarement de Luigi, chez lui, regardant à la télévision la découverte du corps d’Aldo Moro, assassiné en mai 1978. Nous avons pu voir ces mêmes images d’actualité, par exemple, dans le Romanzo criminale (Michele Placido, 2005), qui traite de cette même époque, les années 1970-1990, chansons légères à l’appui.

Puis, les disputes et la lutte de Luigi pour que Francesca (Romana Maggiora Vergano) reconnaisse qu’elle se drogue, puis pour qu’elle l’accompagne à Paris, au sortir de l’enterrement de l’ange noir aux yeux bleus qui l’a faite plonger dans les stupéfiants. La lente remontée vers la vie de Francesca, qui compense le manque par des marches dans les rues de Paris, dont les escaliers de Montmartre, qu’elle gravit de toute sa jeunesse, refusant de ralentir son rythme pour son père vieillissant et atteint de Parkinson. Ce refus de voir (elle lui tourne le dos en marchant) que son père est malade trouve son acmé dans la scène en noir et blanc pré-citée, lorsque Luigi, souriant, lâche finalement la main de Francesca, en larmes.

Mais auparavant, il y a eu la décision de Francesca de marcher dans les pas de son père, en devenant réalisatrice. Et en obtenant le prix De Sica à la Mostra de Venise en 1984, pour son premier film Pianoforte. Et en assistant son père sur son dernier film, Marcellino (Marcellino, pane e vino, 1991). Maintenant, Francesca sait ce qu’elle veut faire, alors qu’elle s’est longuement cherchée, d’où, aussi, la chute dans la drogue, comme ce fils gâté de la haute bourgeoisie romaine de La Grande Bellezza (Paolo Sorrentino, 2013), qui, lui, meurt de sa consommation de drogue. Pas de voyage salvateur pour lui.

L’humour léger, les moments magiques et/ou drôles sur les tournages, les plans sur les visages de Luigi et de Francesca, l’histoire privée de cette famille bourgeoise se mêlant à l’histoire politique de l’Italie des années de plomb, tout cela aboutit à un film qui montre la difficulté d’être, malgré une situation sociale privilégiée. Difficulté aussi à se choisir et à exister en dehors, puis à côté, de son géniteur, encore en vie. Francesca, contrairement aux héroïnes L’Héritière (William Wyler, The Heiress, 1949) et Eugénie Grandet (Honoré de Balzac, 1834), y arrive. La confiance en soi lui a été donnée par l’amour paternel, donc malgré la descente dans l’enfer de la drogue, le temps a fait son œuvre, et la vie est revenue pour durer.

Une belle leçon de philosophie solaire, à imiter.

 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Partir, revenir, pourquoi ? (15) Essayer toujours : Prima la vita », Voyages autour de mon cerveau, février 2025. URL : https://vadmc.hypotheses.org/23504

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Elle est membre du comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. Elle a participé au documentaire « La Philosophie marseillaise de Simone de Beauvoir », diffusé sur ARTE en 2018. Son exposition Beauvoir la voyageuse est en ligne sur le site MUSEA. En 2020, elle a créé son carnet de recherches, Voyages autour de mon cerveau. Son exposition 2022 Élisabeth Lacoin. Les traces vivantes du Chatfoin est en ligne sur ce site. Ses recherches et ses publications portent sur : les études de genre, Simone de Beauvoir, Le Deuxième Sexe, La Femme rompue, l’écriture de soi, le récit de voyage, la bande dessinée, la littérature jeunesse, l’histoire des arts, les Food Studies, le cinéma, la télévision, la chanson, l’histoire politique. ISSN : 2729-3092

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