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Douceur de rentrer chez soi Le Magicien d’Oz Le Tour du monde de Sadko VADMC.001

Partir, revenir, pourquoi ? (20) Douceur de rentrer chez soi :  Le Magicien d’Oz, Le Tour du monde de Sadko

Nous remercions Jean-Pierre Bouyxou de nous avoir fait découvrir le film soviétique Le Tour du monde de Sadko, dans l’épisode deux de la série documentaire, au masculin singulier, de Laurent Chollet, Cinéphiles de notre temps (2012).

Il n’y a pas qu’aux États-Unis dans les années 1930 que la société est centrée sur le chez-soi. Il en est de même en URSS dans les années 1950, du moins dans Le Tour du monde de Sadko (Alexandre Ptouchko, 1953). Dans Le Magicien d’Oz (Victor Fleming, The Wizard of Oz, 1939), comme dans le long-métrage soviétique, les voyages ne servent qu’à retrouver sa demeure et à s’y fixer. Le héros Sadko (Sergueï Stoliarov) et l’héroïne Dorothy (Judy Garland) ne changent pas, d’un bout à l’autre de leur film respectif.

Le contexte politique de chacun des pays et des époques d’adaptation est évidement très important. Rappelons que ces films sont issus d’une œuvre antérieure : Fleming adapte le roman de 1900 de L. Franck Baum, premier opus d’une série d’ouvrages jeunesse, Ptouchko utilise une légende russe. Mais, tant en 1939 aux USA qu’en 1953 en URSS, les habitant·es sont poussé·es à se replier sur leur chez-soi, soit pour laisser l’Europe s’embraser (USA), soit pour se calfeutrer derrière le Rideau de fer, loin de la corruption capitaliste (URSS). 

Tant dans Le Magicien d’Oz que dans Le Tour du monde de Sadko, la magie de l’ailleurs semble plus être destinée au public qu’à l’héroïne Dorothy et qu’au héros Sadko. Aux USA, le Technicolor magnifie les couleurs du pays d’Oz : route de briques jaunes, prairies vertes, parfois mâtinées de roses roses ou de fleurs oranges, palais du magicien tout en vert émeraude glacé. En URSS, ledit Technicolor est bien moins rutilant, mais ses couleurs adoucies font voir l’étrangeté des pays traversés par le nouveau Sinbad qu’est Sadko et son équipage, sans désignation de pays précis, sauf dans le dernier cas : le Nord, l’Orient, l’Égypte. Sadko finit son trajet du retour seul, sous l’océan.

Aucun voyage n’est connoté positivement. Côté soviétique, le peuple nordique est hostile et rugissant de prime abord (bref, des sauvages sans intérêt) ; les Arabes sont accueillants mais fielleux (bref, des sauvages inquiétants) ; les Égyptiens sont inexistants (bref… bref). Comme dans bon nombre de films de l’Ouest de l’époque, l’Autre est réduit à des stéréotypes racistes, permettant de hausser très haut le héros et son pays. Ne serait-ce pas une base solide pour un rapprochement Occident-URSS ? Côté états-unien, le voyage existentiel de Dorothy n’aboutit qu’à ce qu’elle quitte ses nouveaux amis, sans avoir goûté le côté esthétique du trajet, et encore moins les épreuves qu’elle y subit. 

Ce qui rapproche ces deux films est, également, leur humour léger : angoisses sans fondement du Lion peureux (Bert Lahr), qui accompagne Dorothy, son chien Toto, l’Épouvantail (Ray Bolger) et l’Homme en fer-blanc (Jack Haley) dans leur périple ; grognements divers et petites chamailleries conjugales de la reine et du roi des océans, dont Sadko est le prisonnier, lors de son ultime périple, un voyage sous-marin volontaire, afin d’apaiser la fureur dudit roi.

Dans les deux films, il y a également une figure féminine adulte pétrie de méchanceté, qu’il convient de détruire avec violence, dans une logique misogyne universelle. Dans Le Magicien d’Oz,  il s’agit de la méchante sorcière de l’Ouest (Margaret Hamilton), qui resemble trait pour trait à la méchante voisine du monde réel de Dorothy, celle qui veut séparer l’adolescente de son chien Toto, sans raison valable. Dans Le Tour du monde de Sadko, c’est l’oiseau-phénix, tête de femme et corps d’oiseau monstrueux, dont les pouvoirs magiques consistent à endormir ceux qui l’approchent, puis à les faire mourir. Nous sommes très proches des sirènes de l’antiquité gréco-romaine. Tant l’adolescente que l’homme adulte parviennent à juguler les méchantes.

Sans surprise, les autres figures féminines sont plus passives, qu’il s’agisse de la bonne sorcière du Nord (Billie Burke), de la fiancée de Sadko et d’une des filles du roi des océans. Ces trois femmes sont des adjuvantes de Dorothy et de Sadko. Elles sont utiles, mais elles ne dirigent pas l’action. Elles se retirent modestement, comme il convient aux femmes, quand elle et il n’ont plus besoin d’elles.

Dorothy arrive à retourner chez elle avec Toto, grâce aux chaussures rouges magiques données par la bonne sorcière du Nord, tout en répétant : « Il n’y a rien de mieux que chez soi. » (traduction personnelle de « There’s no place like home. »)

Quant à Sadko, sorti des eaux, tel un Christ soviétique, il arrive directement chez lui, à Novgorod. Après avoir embrassé et humé avec joie la terre russe, il court enlacer sa fiancée, qui l’a patiemment attendu pendant des années. La débauche de sentiments s’arrête là, les baisers à l’écran semblant être considérés comme une dégoûtante déviation capitaliste par le régime stalinien.

Alors, restons parmi les nôtres, puisque voyager ne sert à rien. Au moins pour un temps, le temps d’ouvrir sa curiosité aux Autres et de repartir, cette fois avec un regard amical et sans préjugés.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Partir, revenir, pourquoi ? (20) Douceur de rentrer chez soi : Le Magicien d’Oz, Le Tour du monde de Sadtko », Voyages autour de mon cerveau, mars 2026. URL : https://vadmc.hypotheses.org/28926

Cache-cache messieurs Peines d’amour perdues de Kenneth Branagh VADMC.001

Cache-cache messieurs : Peines d’amour perdues, de Kenneth Branagh

Qui derrière la bibliothèque, qui sous la table et tenant une minuscule plante verte en pot, qui derrière un ours empaillé, qui un livre à la main. Tous, avant de se cacher, un par un (Biron, le roi, Longueville, Dumaine), confessent leur amour pour une gente dame, malgré leur serment de consacrer un an de leur existence à l’étude, au jeûne, à la prière et à la réclusion, hors de toute atteinte féminine.

Heureusement, la misogynie de ce projet a très vite volé en éclats. Le roi de Navarre (Alessandro Nivola) et ses trois seigneurs, Biron (Kenneth Branagh), Longueville (Matthew Lillard) et Dumaine (Adrian Lester) tombent respectivement amoureux de la princesse de France (Alicia Silverstone) et de ses trois dames, Rosaline (Natascha McElhone), Maria (Carmen Ejogo) et Catherine (Emily Mortimer), tant dans la pièce de Shakespeare Peines d’amour perdues (Love’s Labour Lost, 1598) que dans son adaptation filmique, dansante et chantante par Kenneth Branagh (2000).

Le quatuor masculin entonne ainsi, après avoir déchiré son serment, tout en volant et dansant au plafond de la bibliothèque, le standard jazz d’Irving Berlin « Cheek to cheek ». Ils rejoignent ensuite leurs amoureuses dehors, dans la cour de la bibliothèque, pour un pas de deux virvoltant, tout en smoking et robes longues. L’ensemble de la séquence convoque d’abord le souvenir de Top Hat (Mark Sandrich, 1935), lorsque le duo Fred Astaire-Ginger Rogers danse au Lido de Venise, « joue à joue » (la chanson est entonnée par Astaire), elle en robe longue, lui en smoking. Le couple en devenir de leurs personnages danse ensuite tout au long de la galerie de leur hôtel, où un non-hasard les a réunis. Leur duo est coupé par d’autres sublimes chorégraphies de groupes de danseurs et de danseuses. Ou comment faire progresser l’intrigue amoureuse par le chant et la danse.

Pour ce qui est de la danse au plafond bleu étoilé (Giotto et la chapelle des Scrovegni à Padoue nous voici) de la bibliothèque, il y a bien sûr Mary Poppins (Robert Stevenson, 1964) et sa séquence « I Love to Laugh » (« Que c’est bon de rire »). Bien sûr. Et, peut-être et plutôt, la séquence ante-finale de Tout le monde dit I love you (Woody Allen, Everybody Says I Love You, 1996), lorsque Jo Berlin (Woody Allen, tiens tiens, une référence à Irving Berlin ?) fait danser en l’air son ex-femme Steffi Dandridge (Goldie Hawn), sur les quais parisiens. Et ce, bien après son escapade vénitienne. Tout se tient et rien ne se perd, n’est-il pas ?

Dans Peines d’amour perdues, chaque couple en devenir a une couleur qui lui est propre, soit dans l’ensemble du costume, soit par leurs accessoires, dont les fleurs à la boutonnière des hommes, et les masques des femmes : le roi et la princesse en rouge ; Biron et Rosaline en bleu ; Longueville et Maria en vert ; Dumaine et Catherine en orange. Branagh a choisi de situer l’époque de la pièce en 1939, alors que grondent les éclairs annonciateurs de la guerre à venir. Le grain de l’image est moderne, sauf dans le noir et blanc rayé des fausses actualités cinématographiques qui jalonnent le film, avant de passer à du sépia lors de la Libération, à la toute fin de la séquence, telle que visible dans les quelques actualités britanniques en couleur de 1945.

Décidés à courtiser leurs dames, le roi et ses seigneurs organisent une fête masquée (scène récurrente dans les pièces, comédies et drames, de Shakespeare). Informées de ce projet, lesdites damoiselles s’amusent à intervertir leurs masques, ainsi que les lettres et les présents qu’ils leur ont envoyés. Et… « Let’s face the music and dance », autre standard de jazz d’Irving Berlin, cette fois pour Follow the fleet (Mark Sandrich, 1936). Le duo Astaire-Rogers y est tout aussi époustouflant que dans le « Cheek to cheek » de Top Hat, un an auparavant. Cependant, Branagh a choisi d’épicer les duos romantiques de son film avec une chorégraphie et des costumes se référant aux films musicaux des années soixante-dix chorégraphiés et réalisés par Bob Fosse, tels Cabaret (1972), All that jazz (1979), sans oublier la comédie musicale Chicago, créée à Broadway en 1975. Chez Branagh, les actrices sont vêtues de justaucorps moulants à leur couleur et de bas résille (voir l’affiche anglaise en photo de couverture) ; les acteurs sont vêtus de débardeurs blancs et de pantalons noirs, le tout moulant.  Tous et toutes portent des loups noirs, les femmes portant également le masque coloré qu’elles ont échangé avec leurs amies. Les acteurs se placent entre les jambes des actrices, puis enchaînent dans un corps-à-corps sensuel.

Le film continue, comme dans la pièce, par le dévoilement du subterfuge des dames et la confusion, vite oubliée, des messieurs, qui viennent auprès de leur amoureuse attitrée. Branagh a substitué la pièce de théâtre montrée aux personnages par un nouveau moment musical : « There’s no business like show business » d’Irving Berlin, autre standard présent dans plusieurs films musicaux. D’abord interprétée par les personnages secondaires de l’intrigue, les personnages principaux les rejoignent pour une chorégraphie toute simple, face caméra.

Ce feu d’artifice retombe, comme dans la pièce, à cause de l’arrivée d’un sinistre messager (Daniel Hill), porteur d’une triste nouvelle : le roi, père de la princesse, est mort. La princesse et ses dames partent immédiatement, après avoir fait promettre au roi et à ses seigneurs de tester la constance de leur amour pendant un an entier. En effet, ils ont beaucoup juré, et beaucoup parjuré, depuis l’arrivée des dames, donc comment peuvent-elles croire à leur sincérité ? Chez Shakespeare, la pièce se termine ici. Branagh préfère montrer la séparation des duos, sur fond de « They can’t take that away from me » des frères Gershwin.

Cette chanson est chantée par Fred Astaire à Ginger Rogers dans Shall we dance (Mark Sandrich, 1937), alors que leurs personnages tentent de se faire croire l’un à l’autre qu’ils ne s’aiment pas et qu’ils vivront très bien l’un sans l’autre. Pas de chorégraphie ici, les personnages sont sur le ferry de Manhattan, et non sur le pont transbordeur de Rochefort (Jacques Demy, Les Demoiselles de Rochefort, 1967). Notons que, comme dans les deux autres moments chantés dans les deux films Astaire-Rogers cités antérieurement, seul Astaire a la parole. Ces chansons sont destinées à être chantées par un homme à une femme. Branagh a préféré faire chanter certains vers par les personnages féminins, avant un chœur mixte à la fin de la chanson.

La séparation, qui ne devait durer qu’un an, après un adieu à l’aéroport très Casablanca (Michael Curtiz, 1942), s’étire sur les quatre années de Seconde Guerre mondiale. Branagh adapte la pièce : le roi porte secours aux populations bombardées plutôt que de promettre de vivre dans un ermitage, Biron visite les blessés du champ de bataille, Longueville et Dumaine sont pilotes de guerre, tandis que la reine de France est contraire à signer l’armistice. Mais, grâce à l’Angleterre et aux États-Unis, l’Allemagne nazie est vaincue (images d’archives du Débarquement). Et chacun retrouve sa chacune, pour une fin souriante en couleurs, avec comme musique de fosse « They can’t take that away from me ». La pulsion de vie triomphe.

Fini le jeu de cache-cache, bas les masques, vive l’amour vrai !

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Cache-cache messieurs : Peines d’amour perdues, de Kenneth Branagh », Voyages autour de mon cerveau, janvier 2025. URL : https://vadmc.hypotheses.org/21396

Lettres d’amitié, S. de Beauvoir, É. Lacoin, M. Merleau-Ponty : enthousiasme, réflexion, jeunesse

Trois ami·es, un pivot dans ces Lettres d’amitié (Gallimard, 2023) : Maurice Merleau-Ponty, Élisabeth Lacoin, Simone de Beauvoir. Cette dernière fait le lien entre son inséparable (leur signature favorite) Élisabeth dite Zaza, rencontrée sur les bancs du Cours Desir à l’âge de dix ans, et le distingué étudiant en philosophie Maurice, troisième au concours général de la Sorbonne, derrière Simone Weil et elle-même (voir les Mémoires d’une jeune fille rangée, 1958). Élisabeth et Maurice tombent amoureux à la fin du printemps 1929, après avoir été présentés l’un à l’autre par Simone.

La correspondance réunie ici couvre la période 1920-1959, soit presque quarante ans. Quatre décennies marquées par une guerre mondiale, l’ascension vers la gloire pour Simone et Maurice, devenus écrivains, journalistes et philosophes reconnus, et le décès de Zaza en novembre 1929 d’une encéphalite aiguë. Entre-temps, les trois jeunes gens ont correspondu régulièrement, se répondant d’un jour à l’autre, les services postaux de la première moitié du vingtième siècle fonctionnant parfaitement, à l’image des mails et textos du vingt-et-unième siècle.

La richesse des échanges amicaux, soit entre Simone et Élisabeth, soit entre Maurice et Simone, est frappante : combien ces jeunes gens manient bien la langue française, la drôlerie, la courtoisie envers les aîné·es, et la pensée.

Nous assistons, côté Zaza-Simone, à la vie familiale, aux anecdotes sur le temps, à la vie aux champs (le Limousin de Beauvoir) et à la vigne (les Landes et le pays basque de Zaza), aux intermittences du cœur, aux réflexions sur l’existence, aux lectures, et aux cancans du Cours Desir. Ces demoiselles de bonne famille aiment bien commenter les notes obtenues par leurs camarades – toutes des filles en ces temps de non-mixité, le classement, leur joie ou leur tristesse devant telle ou telle réussite ou échec. En toute charité chrétienne, bien entendu…

Côté Maurice-Simone, les échanges creusent l’âme et l’esprit de chacun·e. Deux apprentis philosophes tâtonnent, (se) cherchent, essaient des analyses, des idées, se répondent, s’interrogent, doutent de ce qu’ils sont et de ce qu’ils veulent. Comme avec Zaza, Simone de Beauvoir ouvre son cœur. Et tous deux s’envoient des textos… des pneumatiques, pour se donner rendez-vous ici ou là dans Paris. Comme une impression d’être aujourd’hui dans les années trente. Les échanges se font franchement lacrymaux fin 1929, lors du décès de Zaza, qui les frappe tous deux en plein cœur. Leurs échanges amicaux continuent, en pointillé, faits, entre autres, de récits de voyage (Beauvoir) et de demande de lectures (Merleau-Ponty), avant la grande explication de Maurice suite à la parution des Mémoires d’une jeune fille rangée en 1958, où Beauvoir trace un portrait à charge de son ancien collègue des Temps modernes (revue fondée par Sartre et elle en 1945). La colère de Simone contre la mort de Zaza est toujours vivace. Elle l’attribue à des causes psychosomatiques, soit les pressions exercées par sa famille pour que Merleau-Ponty demande sa main, ainsi que les fortes réticences de Maurice à ce sujet, car pas assez mature pour entrer dans le mariage ses études à peine terminées, comme il le reconnaît volontiers dans sa dernière lettre à sa pire amie Beauvoir, « une des très rares personnes que je ne discute jamais en moi-même » (p. 445). Messieurs, la reine !

Reine Simone qui a tracé un portrait inoubliable de Zaza dans ses Mémoires… et qui nous a donné envie de connaître plus les différents personnages qu’elle a créés à partir de son vécu auprès d’eux. C’est chose faite, notamment avec ce volume d’amitiés juvéniles. Alors, lisons…

Voir aussi notre exposition Élisabeth Lacoin. Les traces vivantes du Chatfoin : https://vadmc.hypotheses.org/3873

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Lettres d’amitié, S. de Beauvoir, É. Lacoin, M. Merleau-Ponty : enthousiasme, réflexion, jeunesse », Voyages autour de mon cerveau, octobre 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/11988

Virgile et Garbo VADMC

 Virgile et Garbo

Au chant IV de L’Énéide (Ier siècle av. J.C.), la reine de Carthage, Didon, découvre que son amant, le Troyen Énée, vient de l’abandonner pour partir à la conquête de l’Italie. Plutôt être le premier dans Lavinium (la cité qu’il va construire après avoir établi son autorité du côté de la future Rome) que le second à Carthage. On est un homme, un vrai, ou on ne l’est pas. Énée choisi l’ingratitude vis-à-vis de Didon, qui l’a recueilli après sa fuite de Troie (en Turquie actuelle).

Pas question d’égoïsme masculin, bien au contraire, dans La Reine Christine (Queen Christina, Rouben Mamoulian, 1933). Au dix-septième siècle, le bel ambassadeur Antonio Pimentel de Prado (John Gilbert) est dévoué, corps et âme, à la souveraine de Suède, Christine (Greta Garbo).   Au vu de cette passion, qu’elle partage, la reine décide d’abdiquer. Sam Behrman et Salka Viertel, les scénaristes, inventent ainsi une histoire d’amour plutôt que des raisons politiques à ce geste. Une femme ne peut être que dirigée par ses sentiments, et non par sa raison, ce serait si peu conforme au sexisme occidental du vingtième siècle.

Didon et Christine ont pourtant un autre point commun, outre leur souveraineté, à savoir leur rapport charnel aux souvenirs de leur amant. Didon se repaît de douleur en embrassant les reliques abandonnées par son amant et se suicide sur le lit de leurs ébats.

Christine, quant à elle, dans une scène passée à la postérité cinéphile, touche chaque accessoire de la chambre où elle passe la nuit avec Antonio, avant de s’étendre sur le lit. Outre le phallisme (grains de raisin, bougie, fuseau du rouet, polochon, colonnes du lit) des objets contre lesquels Christine se presse, notons que le rouet et la position en plongée d’Antonio, vu par Christine depuis le haut de la pièce, annonce la séquence finale, sur le bateau qui emmène l’ex-reine hors de Suède, le corps mort d’Antonio étendu sur le pont, Christine appuyée contre la proue arrondie, pendant que le pilote tient la barre.

Deux femmes malheureuses en amour, mais quel destin impressionnant !

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Virgile et Garbo », Voyages autour de mon cerveau, décembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/7390

Surprise, vous avez dit surprise VADMC

Surprise, vous avez dit surprise ?

Les bons mots fleurissent dans le cinéma français des années trente, grâce à la verve des scénaristes. Avant le « Atmosphère, atmosphère, est-ce que j’ai une gueule d’atmosphère ? » jeté par Arletty à la face de Louis Jouvet dans Hôtel du Nord (Marcel Carné, 1938), l’échange Archibald Soper (Louis Jouvet)-Irwin Molyneux (Michel Simon) dans Drôle de drame (Marcel Carné, 1937, scénario Jacques Prévert) est entré au Panthéon cinéphilique :

Moi, j’ai dit bizarre, bizarre, comme c’est étrange ! Pourquoi aurais-je dit bizarre, bizarre ?

Je vous assure mon cher cousin, que vous avez dit bizarre, bizarre.

Moi, j’ai dit bizarre, comme c’est bizarre !

La répétition du terme (merci Jacques Prévert) provoque l’hilarité du public autant que la mine grave des deux acteurs/des deux personnages.

Trois ans après, le réalisateur Henri Decoin et ses scénaristes Jean Villeme et Max Kolpé utilisent le même ressort comique dans Battements de cœur (1940), mais cette fois au sein d’un duo entre époux :

Le comte d’Argay (André Luguet) : Ohhhh !

Florence (Junie Astor) : Quoi ? (…) Mais oui tu fais « ohhh »

Le comte d’Argay : Quoi ?

Florence : Mais oui pourquoi tu fais « ohhh » ?

Le comte d’Argay : Mais j’ai pas fait « ohh », j’ai fait « oh ».

L’étonnement est de mise, cette fois aussi. Et, comme dans Drôle de drame, le dialogue tourne court, laissant planer la suspicion et provoquant l’inconfort des personnages, pour notre plus grand amusement. Dans les deux cas, le réalisateur établit une connivence avec les spectateurs et les spectatrices contre ses personnages, pas vraiment sympathiques, condamnés à se débattre dans une situation inconfortable.

Ou comment montrer que répéter, ce n’est pas bien.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Surprise, vous avez dit surprise ? », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/7002