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Drôle de frimousse génération du rythme VADMC

 Drôle de frimousse : génération du rythme ou existentialisme graveleux ?

La comédie musicale Drôle de frimousse (Funny Face, Stanley Donen, 1957) se déroule en grande partie à Paris, après un début à New York. L’héroïne, Jo Stockton (en référence à l’écrivaine Jo March des Quatre Filles du Docteur March de Louisa May Alcott ? ; Audrey Hepburn) est employée dans une librairie de Greenwich Village, haut lieu du bouillonnement intellectuel et artistique de la « Beat Generation ». Notons pour l’amusement qu’ Alma (Thelma Ritter) traite avec humeur et humour de « Beatnik » le liftier, qui accélère la montée de l’ascenseur, dans Confidences sur l’oreiller (Pillow Talk, Michael Gordon, 1959). La nouvelle musique jazz ne plaît pas à tout le monde, visiblement.

Reconvertie dans le mannequinat pour la revue Quality, Jo fuit les essayages parisiens pour rencontrer le philosophe empathicalisme Émile Flostre (Michel Auclair). Mais le chef de file de cette philosophie non matérialiste est avant tout un être de chair et de sang, un homme qui profite de l’innocence de la jeune fille pour tenter de la violer, à l’étage de son appartement. Naïve mais pas sotte, Jo se défend avec le premier bibelot en bronze venu. Puis s’enfuit. Fin de son goût pour la philosophie, place au mariage, avec le photographe de la revue de mode, Dick Avery (Fred Astaire), de trente ans son aîné. Nous avons vu précédemment l’écart vertigineux entre ces deux protagonistes – alors qu’Auclair a seulement sept ans de plus qu’Hepburn. L’anti-intellectualisme se double, voire se triple, d’une bataille de coqs de deux générations, avec la victoire du plus âgé.

En effet, avant d’attaquer Jo, Émile a reçu un coup de poing de la part de Dick, déguisé en pseudo-beatnik tendance Russe blanc : fausse barbe et fausse moustache, col roulé noir, veste à petits carreaux gris et blanc, pantalon de velours noir, guitare. Une tenue bohème donc. Outre l’existentialisme, c’est bien la génération du rythme qui est ici caricaturée. Au rez-de-chaussée de chez Flostre, Avery se moque de la musique lancinante et du lamento de la chanteuse à longs cheveux noirs, sorte de Juliette Gréco du pauvre, tout comme de la mystérieuse fumée, du jazz et des danses syncopées de la cave où il a précédemment interrompu le rendez-vous d’Émile avec Jo. Tous ces stéréotypes appartiennent autant à la mode de l’existentialisme français qu’aux beatniks états-uniens.

Il s’agit dans les deux cas de conflit de générations. Les jeunes Français·es, privé·es d’adolescence par l’Occupation, puis de jeunesse par la menace atomique, la Guerre froide et les guerres d’Indochine et au Maghreb, se déchaînent à Saint-Germain-des-Prés (remplacé par Montmartre dans le film). Les jeunes Américain·es, ayant vu les pères et frères aînés partir au combat en Europe, puis en Corée, avant de partir eux-mêmes au Vietnam, refusent l’ultra-capitalisme, l’antisémitisme et les différents racismes. Leurs frères et sœurs cadettes seront hippies et arriveront enfin à faire changer, un peu, pour un temps, la société des USA.

Mais le réalisateur et son scénariste Leonard Gershe préfèrent axer leur film sur le refus de la réflexion et de la contestation de la société, et l’apologie de la futilité (élégante, certes), de la publicité et du couple de type incestueux et pygmalionnesque ô combien patriarcal. Car c’est Dick qui a découvert le potentiel de Jo comme mannequin, lui qui la convainc de partir à Paris avec l’équipe du magazine, lui qui lui court après lorsqu’elle refuse de faire son travail. Par ses indications lorsqu’il la prend en photographie, il la façonne, et c’est uniquement de cette manière qu’elle devient une professionnelle. Et il n’a guère confiance en ses initiatives, même lorsqu’elle souhaite se faire photographier comme elle l’entend, au Louvre. Et même si c’est une réussite, c’est la seule fois où Jo devient sujet de l’image, et non objet. Et quand l’objet refuse de suivre son créateur, comme chez Flostre, quand Jo reste avec son cher philosophe, dont pourtant le ton doucereux aurait dû l’avertir qu’il n’était qu’un vil satyre, Dick ne sait que partir à l’aéroport pour rentrer aux États-Unis. Pygmalion sans Galatée est un Reflex vide.

Heureusement, Galatée/Jo abandonne enfin ses prétentions de bas-bleu pour se ranger aux côtés de Pygmalion/Dick, laissant l’horrible Français aux prises avec un énorme pansement. Pas question de mixité raciale, même avec une héroïne jouée par une actrice d’origine européenne (anglo-belge). Car, comme dans, par exemple, Entrons dans la danse (The Barkleys of Broadway, Charles Walters, 1949), avec Fred Astaire en co-vedette, être Français c’est être plutôt jeune, ridicule et pernicieux, toujours prêt à voler la femme des autres et à couper les cheveux en quatre, soit par la philosophie, soit par la tragédie (Entrons dans la danse).

Il est vrai que le réalisateur doit plaire non seulement au public raffiné et justement, intellectuel, de la Côte Est, mais également aux spectateur·trices du Texas, de l’Oklahoma et de l’Utah. Côté français, imaginons que le public germanopratin a su prendre la charge à la légère (qu’en a pensé Sartre ?), tandis que les spectateur·trices du Cantal, de la Bourgogne et du Nord-Pas-de-Calais ont pu approuver les coups donnés à Flostre, plus parce qu’il est un intellectuel qu’un pervers sexuel.

Reste Paris, en quelques beaux clichés, que Donen filmera à nouveau avec Audrey Hepburn (et un nouveau partenaire bien plus âgé qu’elle, Cary Grant), dans Charade, en 1963.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Drôle de frimousse : génération du rythme ou existentialisme graveleux ? », Voyages autour de mon cerveau, mai 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9740

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Danger pour les exploratrices VADMC

Mon épouse favorite et L’Ours et la Poupée : danger pour les exploratrices

Partir un jour, c’est une belle expérience, mais peut-être comporte-t-elle des dangers auxquelles les exploratrices ne songent pas. Ainsi, Ellen Arden (Irene Dunne) est-elle surprise de constater que son mari Nick (Cary Grant) a-t-il fait valider au tribunal son décès, sept ans après sa disparition lors d’une exploration dans les îles des mers du Sud. Nick explique au juge qu’il a fait toutes les recherches possibles et imaginables pour retrouver sa femme. Et que s’il n’a pas accompagné son Épouse favorite (Garson Kanin, 1940), c’est parce que leur plus jeune enfant faisait ses dents.

Trente ans après, c’est toujours l’homme qui reste au foyer pour garder les enfants, dans L’Ours et la Poupée (Michel Deville, 1970). Gaspard (Jean-Pierre Cassel) arrive ainsi à résister aux assauts méthodiques et constants de Félicia (Brigitte Bardot) pendant toute une nuit, telle une nouvelle Blanchette, la chèvre de M. Seguin. Il entend demeurer fidèle à son épouse, exploratrice partie en Australie depuis de longs mois.

Puisque son pull orange en laine piquante ne suffit pas à repousser Félicia, ni sa transformation en faux Suédois bourru, ni ses lunettes carrées, ni son journal, ni sa hache, ni les bûches en bois qu’il lui fait porter, ni son violoncelle de musicien de la Maison de la Radio, ni le tricot qu’il feint de prendre pendant que Félicia lui prend le menton de ses doigts effilés, dans un remake réussi de L’Équipée sauvage (The Wild One, László Benedek, 1953), avec Bardot en Brando à mini-jupe, Gaspard se barricade dans sa chambre. Et ce, pendant que ses trois enfants comptent les points, s’amusent et trouvent tout de même le temps long, surtout qu’elles et il aimeraient bien dormir. Par contre, le chien Sully et le chat Prudhomme apprécient totalement la partie de cache-cache dans le jardin normand de la maison de Gaspard.

La situation de Nick est plus délicate. Il apparaît qu’il aime toujours Ellen, mais il est désormais marié à Bianca (Gail Patrick), qui croit en son amour. Et comment annoncer le retour d’Ellen à leurs deux enfants (une fille, un garçon) ? Se souviennent-ils seulement de leur mère ? Heureusement pour lui, Bianca le quitte d’elle-même, exaspérée par les réticences de Nick à passer leur nuit de noces en sa compagnie. Et ses enfants, non réduits à des entités bêtifiantes, comprennent que la dame qui les regarde avec tendresse et qui est prête à supporter leur ânonnement d’une poésie et leurs accords faux au piano toute une soirée est leur mère biologique.

Par contre, il faudra à Nick déployer tout son charme et ruser pour récupérer Ellen. Mais les costumes de Père Noël n’ont pas été inventés que pour amuser (ou faire peur) aux enfants… et les portes âgées qui grincent et n’arrivent pas à se fermer dans les chalets familiaux sont également bien utiles… le coucou peut alors sonner de tout son cœur, Ellen et Nick sont bien réunis, et pour toujours.

La morale commune n’est pas sauve dans L’Ours et la Poupée, puisque Gaspard rattrape Félicia, au bord d’une rivière, sous le regard ahuri d’une vache qui passe par là. Et qu’ils s’embrassent – et plus si affinités, au public d’imaginer la suite. Mais son épouse lui ayant écrit qu’elle prolongeait ses explorations… et Félicia étant incarnée par l’icône BB, tout charme, élégance, intelligence et esprit pétillant dehors (merci aux dialogues de Nina Companeez)… et il a déjà résisté toute la soirée et toute la nuit… à chacun et chacune de se faire son opinion.

Deux comédies réjouissantes à voir et à revoir, où les femmes, belles et intelligentes, mènent la danse, pour un monde joyeux, désirant et amoureux.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Mon épouse favorite et L’Ours et la Poupée : danger pour les exploratrices », Voyages autour de mon cerveau, avril 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9464

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Clouzot Pagnol VADMC

Ressouder la communauté : Clouzot, Pagnol

L’Eau des collines (Manon des sources-Ugolin, 1952), de Marcel Pagnol, serait-il la version grise du Corbeau (1943) de H.G. Clouzot ? Dans ces deux films, il est question d’exclusion sociale, de meurtres commis sans laisser de traces, du moins à première vue, et d’une communauté malade de ses vices, de ses tabous et de ses petits secrets. Le tout finissant par la régénération de la cité.

Chez Clouzot, la vision du monde est grinçante, ironique, mordante, tandis que chez Pagnol la bonhomie et le rire affleurent régulièrement. Les personnages du Provençal appartiennent par certains cotés au folklore du sud-est et du théâtre de boulevard : mari trompé, femmes fortes parlant haut avé l’assent, vieilles femmes ne supportant pas la jeunesse et la beauté de Manon, cafetier qui est aussi le maire, policier se rêvant juge, moqueries sur les « gens du Nord » (de Lyon donc) comme dans Marius, détestation des « étrangers » du village d’à côté et des autres en général, jeu du « poil ». Clouzot expose crûment et sans fards l’avortement, la frustration sexuelle (féminine et masculine), et démontre dans une séquence saisissante que Mal et Bien ne sont pas tranchés et coexistent en chacun·e de nous.

Pagnol est plus lent à arracher les masques de la bonhommie et du pittoresque, mais son constat est similaire à celui de Clouzot : l’humanité est faible, bornée et toujours prête à faire le mal, surtout si l’impunité lui est offerte par les autres qui détournent la tête. Les sympathiques habitant·es du village sont prêt·es à accuser Manon (Jacqueline Pagnol) d’être une sorcière (test de l’eau bénite et procès), de voler les récoltes du brave Ugolin (Rellys) et d’avoir à moitié tué le gentil Polyte (Jean Toscan), déjà pas bien fort de la tête. 

Pagnol choisit pourtant la voie de l’apaisement, après que Manon a accompli sa vengeance (priver d’eau le village) et sa catharsis (accuser Ugolin et prouver sa culpabilité et celle des villageois dans la mort de son père et de son frère). Les villageois lui apportent des cadeaux, Ugolin se pend et lui donne sa fortune et sa ferme (celle volée au père de Manon) par testament, le maire offre l’ancien presbytère du village à Manon pour qu’elle s’y installe avec sa mère.

Cette dernière scène est orchestrée par Pagnol avec malice, puisque l’homme politique interrompt le duo amoureux entre Manon et l’instituteur (Raymond Pellegrin), avant de mettre les pieds dans le plat et de faire une fine allusion au fait qu’il lui faut retrouver son écharpe de maire, prêtée à des enfants qui « voulaient jouer au mariage ». Ouais. Le noir et blanc ne permet pas de voir si Manon et son presque fiancé ont le feu aux joues, mais le public retrouve avec plaisir un échange à double sens, entre théâtre de boulevard et romanesque hollywoodien.

La fin du Corbeau est plus amère : la fausse coupable Laura (Micheline Francey) est emmenée à l’asile sous le regard paternellement désolé de son mari (Pierre Larquey), deux fois plus âgé qu’elle, qui s’accuse d’avoir frustré sa femme du plaisir sexuel qui lui revenait, du fait de leur différence d’âge importante. On est en plein dans ce que la romancière Victoria Mas décrit dans Le Bal des folles (2019), à savoir l’enfermement des femmes qui dérangent le patriarcat. Car c’est bien le mari qui est l’auteur des lettres anonymes qui ont déréglé en profondeur la (fausse) tranquillité de la petite ville. Et qui paie pour ses crimes, en étant tué à son tour. L’atmosphère de la cité en sera-t-elle meilleure pour autant ?

Pagnol prend la suite de Clouzot, mais en mode guérison. Deux films à voir à la suite.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Ressouder la communauté : Clouzot, Pagnol », Voyages autour de mon cerveau, mars 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=9099

Tiphaine Martin

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Michka VADMC

Michka, choisir sa place

Récit d’apprentissage, Michka (Marie Colmont, Père Castor-Flammarion, 1941), fait voyager son héros, un ours en peluche, de la demeure d’une petite fille riche à la chaumine d’un petit garçon pauvre et malade. Son conte est magnifié par les illustrations de Rojan, en noir et blanc et en couleur. Notons le sexisme de l’autrice, qui oppose fille méchante et riche/garçon malade et pauvre. Il est vrai qu’en ces temps pétainistes, la dualité fille/garçon est forte et la lutte des classes, âpre.

Michka chemine mentalement autant que spatialement. Ce trajet vers l’acceptation de sa condition de jouet passe par l’expérience de la liberté. Il quitte sa place de jouet maltraité de son propre chef, sans être aidé par qui que ce soit. Il fait peur au roitelet qui se moque de lui. Il arrive à ouvrir le pot de miel abandonné sur le chemin enneigé. Il aide le renne de Noël dans sa distributions de joujoux : « Michka s’amusait comme un fou ; s’il était resté, sage petit joujou (…), aurait-il jamais connu une nuit pareille ? » Le choix de diriger son existence où bon lui semble n’appartient qu’à lui.

D’abord décidé à ne plus être un jouet, Michka renonce finalement à la liberté qu’il a acquise, au profit de l’entraide et de la solidarité. Entendre la discussion des oies dans la forêt sur « la bonne action » à faire le soir de Noël éveille son attention. Il accepte ensuite d’aider le « renne de Noël » à distribuer les cadeaux aux enfants. Puis, devant la supplication muette du renne, Michka  redevient jouet, pour le petit garçon malade. Ce n’est pas une liberté égocentrique, mais tournée vers les autres.

Trouver sa place au sein du monde est essentiel, et Michka, lui, se réalise en aidant les autres. Plutôt une belle vie.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Michka, choisir sa place », Voyages autour de mon cerveau, février 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/8355

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Poule Rousse VADMC

Poule rousse, féminisme inter-espèces

Un nécessaire à couture comme arme, voici ce que propose l’écrivaine Lida Durdikova dans Poule rousse (Père Castor-Flammarion, 1949). La gallinacé éponyme et anthropomorphisée ayant été capturée par un renard et enfermée dans un sac, elle prend ses ciseaux et ouvre sa geôle, pendant que le renard est parti à la poursuite de l’amie de cœur de Poule Rousse, à savoir la tourterelle.

La sororité est à l’œuvre dans ce récit pour enfants, qu’il s’agisse de vivre côte à côte, puis ensemble, ou de se sauver la vie. La dernière illustration d’Étienne Morel montre la poule et la tourterelle en train de lire, assises sur le même tabouret, La Plus Mignonne des petites souris. Cet album a été écrit et imagé par Étienne Morel en 1953, édité par le Père Castor-Flammarion. Ce clin d’œil a été ajouté à une date ultérieure à la première édition de Poule Rousse.

Les images accentuent l’aspect homophile du récit, avec une poule massive, vêtue d’un tablier bleu, et une tourterelle menue aux plumes gris-rosé. Le code couleur est également genré pour le couple, hétérosexuel, des renards. Madame a un châle rose, monsieur une veste effrangée gris-bleu. Le parallèle entre les deux couples est ainsi facilité.

Équivalence aussi dans la force du lien qui les unit. Après l’échec de l’enlèvement de Poule Rousse et les vives brûlures dues aux pierres (prises pour le corps de la poule) jetées du sac dans un chaudron d’eau bouillante, les renards s’enfuient ensemble. Et Poule Rousse et la tourterelle renforcent leurs liens affectifs.

La force de ce récit est d’utiliser les outils du féminin traditionnel (couture, chaudron) pour ensuite les détourner de leur usage habituel et d’en faire des armes.

La sororité reste cependant la meilleure tactique pour éviter les féminicides, d’où que l’on vienne, qui que l’on soit.

Vive les alliances féministes.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Poule rousse, féminisme inter-espèces », Voyages autour de mon cerveau, février 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/8311

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