Archives par étiquette : Années 1950

Goutte western VADMC

La goutte du western

Peupler une attente et la rendre intéressante ne va pas de soi, à l’écrit comme à l’écran. Deux cinéastes ont choisi le même détail pour focaliser l’attention des spectateurs et des spectatrices, l’un après l’autre, le second rendant peut-être hommage au premier.

En 1951, au début du Train sifflera trois fois (Fred Zinnemann), trois bandits, dont l’un est joué par Lee Van Cleef, futur acteur des western-spaghettis de Sergio Leone, attendent leur chef Franck Miller (Ian MacDonald), qui arrive par le train dans la petite ville de l’Ouest, où ils se trouvent. Leur station à la gare est silencieuse, seule une méchante goutte d’eau persiste à tomber sur leur chapeau, encore et encore, depuis le toit.

Dix-sept ans plus tard, trois bandits (dont Woody Strode, Le Sergent noir de John Ford en  1960) attendent un inconnu dans une gare de l’Ouest américain, sur ordre de leur chef Franck (Henry Fonda). Et une goutte d’eau tombe, tombe, tombe, sans cesse, sur leur chapeau. Sergio Leone étire cette séquence inaugurale d’Il était une fois dans l’Ouest (1968), avant l’arrivée de l’homme à l’harmonica (Charles Bronson) et les secs échanges de coups de feu entre les bandits et le bel et sombre inconnu.

Le sens du détail des réalisateurs permet d’augmenter le suspens, tout en jouant sur les nerfs des personnages et du public. Comment résister à la goutte ?

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « La goutte du western », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/6972

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Choisir sa voie VADMC

Choisir sa voie

Dans un récit, l’absence de sexualité chez une femme est, le plus souvent, synonyme de pudeur, de chasteté, soit une conduite conforme aux normes occidentales, les différents monothéismes qui y règnent appuyant cette sujétion des corps féminins, quelles que soient les époques.

Si ce n’est que la contrainte à la sexualité – hétérosexuelle – peut être tout autant un poids que l’asexualité. Dans « L’Histoire de Jeanne-Marie » (Comment je m’appelle, 1977), Anne Sylvestre conte l’existence d’une villageoise, à une époque non définie, qui refuse de se marier avec le premier venu. Jeanne-Marie (deux prénoms de femmes célèbres et vierges) ne veut pas « être pute pas plus qu’entrer en religion ». Ce qu’elle désire, c’est que la société la laisse exister et qu’elle ait le temps de respirer comme elle l’entend, sans jamais obéir aux normes. Tout comme Yentl, l’héroïne juive polonaise transfigurée par Barbra Streisand en 1983, Jeanne-Marie va poursuivre son destin après la fin de la narration : « Elle est pas finie l’histoire, l’histoire de Jeanne-Marie. » Le personnage continue sa route existentielle.

Le cas d’Anna (Silvana Mangano) est plus complexe, encore que le résultat soit le même, puisqu’elle choisit sa voie, en refusant que les hommes lui imposent leur volonté. Dans le film d’Alberto Lattuada (1951), Anna est une religieuse qui n’a pas encore prononcé ses vœux. Des retours en arrière dévoilent son existence passée, où la passivité le dispute à la révolte.

Anna est alors sous la coupe de Vittorio (Vittorio Gassman) et chante dans un cabaret. C’est la fameuse séquence du « Negro Zumbón », où, courte vêtue, elle se déhanche, accompagnée de danseurs à la peau noire. Cette séquence est citée, entre autres, dans Le Bal (Ettore Scola, 1983), Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso, Giuseppe Tornatore, 1988), Journal intime (Caro Diario, Nanni Moretti, 1993), et, peut-être, rappelée dans l’adaptation par John Huston de La Nuit de l’iguane (1964), d’après la pièce de Tennessee Williams (1961). Quoique l’atmosphère soit sulfureuse, la rectitude morale d’Anna est déjà montrée, car elle ne sourit que par intermittence pendant qu’elle danse. Puis, elle jette par terre le verre d’alcool que lui tend Vittorio, avant de partir.

Sa piété véritable est ensuite montrée, lorsqu’elle assiste à la messe en compagnie de son fiancé Andrea (Ralf Vallone), un jeune homme de bonne famille qui souhaite l’épouser. Et ce n’est pas tant que sa situation trouble, entre deux hommes, la fasse choisir une troisième voie sans sexe, c’est plutôt qu’elle fuit la violence masculine, celle d’Andrea autant que celle de Vittorio, qui se battent pour ses beaux yeux.

Loin des hommes déchaînés, Anna s’en va soigner les malades, donc les faibles, ce dont la félicite, paternaliste, le chirurgien (Jacques Dumesnil). Il n’empêche qu’elle a choisi sa voie, et le type d’existence qui lui convient, c’est-à-dire en étant active sans tomber dans le racolage ou dans les chaînes conjugales, tout en étant libérée du joug masculin.

Deux femmes, deux pays, des époques peut-être concomitantes, pour deux destinées qui montrent la fermeté de choix féminins. Des chemins à continuer de fouler, par soi-même.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Choisir sa voie », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/7127

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Guitry Hergé VADMC

Guitry et Hergé

Les téléphones cellulaires et leur immédiateté nous ont presque fait perdre le goût de l’impromptu et du bizarre – sauf les messages avinés de trois heures du matin un dimanche, que l’on découvre après le brunch.

Il n’en était pas de même lors des soixante premières années du vingtième siècle, lorsque les communications étaient plus aléatoires, souvent coupées et dépendant du bon vouloir des téléphonistes. Bien entendu, les auteurs et les autrices s’en sont emparées dans un but comique. Citons, parmi mille exemples, le film Allô Paris ? Ici Berlin, réalisé en 1931 par Julien Duvivier, le sketch de Fernand Raynaud Le 22 à Asnières (1955), et l’adaptation française du Canard à l’orange du Britannique William Douglas-Home (1968).

Dans le genre théâtral, Sacha Guitry a utilisé ce ressort à l’acte deux de Faisons un rêve (1916), pièce qu’il a filmée en 1936. Téléphonant à Elle, sa future maîtresse (Jacqueline Delubac), Lui (Guitry), bourgeois avocat ne plaidant pas, s’exaspère d’être constamment coupé dans son chaleureux roucoulement. Il est même pris pour un commerçant : « Allô ? – Comment ? Maison quoi ? (…) Oui Monsieur c’est ici – De la cerisette ? Bien monsieur. (…) Je t’en ficherai, moi, de la cerisette ! » Non mais, je vous le demande, venir interférer dans le désir amoureux pour une vulgaire transaction marchande, fi.

Et, bien sûr, cela ne peut qu’avoir inspiré le dessinateur belge Hergé dans L’Affaire Tournesol (1956), lorsque Nestor, le maître d’hôtel du château de Moulinsart, est pris pour le patron de la Boucherie Sanzot (sans os), à la première page de l’album : « Allo ? … Pardon ? … Non, Madame, ce n’est pas la boucherie Sanzot ! » Nestor est beaucoup moins patient que Lui.

Les deux artistes s’amusent des quiproquos engendrés par la défaillance technologique, qui servent à retarder le début de l’intrigue, amoureuse chez Guitry, d’espionnage chez Hergé, le second rendant hommage au premier.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Guitry et Hergé », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/6949

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Divine VADMC

Divine Berriau et Divine Darrieux, deux destins chez les hommes

Deux films avec le même surnom féminin, l’un n’étant pas le remake de l’autre, malgré un titre identique, à quarante ans de distance. Deux stars pour incarner Divine : Simone Berriau en 1935 chez Max Ophüls lors de son passage en France, Danielle Darrieux chez Dominique Lelouche en 1975.

Une fois n’est pas coutume (enfin…), le film des années trente offre une plus belle destinée à Divine que celui tourné en plein M.L.F. Le scénario de Colette permet l’épanouissement de son héroïne, au contraire de celui de Jean-Pierre Ferrière, qui la renvoie à sa solitude. Sans surprise, il s’agit d’une lutte intergénérationnelle. Ludivine Jarisse (Simone Berriau) dite Divine peut épouser son Antonin dit le Lait (Georges Rigaud), car ils sont jeunes. Marion Renoir (Danielle Darrieux) ne peut donner libre cours à son désir pour son jeune fan Olivier Chalon (Richard Fontana), car une femme âgée avec un homme plus jeune qu’elle, fi donc. Et sic.

Certes, on pourrait supposer qu’une artiste comme Marion ne peut que se dévouer corps et âme à son merveilleux métier de comédienne, alors que Ludivine déteste le music-hall, malgré son franc succès – le harcèlement sexuel qu’elle y subit y serait-il pour quelque chose ? Cependant, qui, sinon les réalisateurs et scénaristes, décident de l’avenir sexuel de leurs héroïnes ? Rappelons les deux films de Jean Renoir, Le Carrosse d’or (1952) et French-Cancan (1954), qui refusent, au final, l’accomplissement privé de leurs personnages féminins à forte personnalité, Camilla (Anna Magnani) et Nini (Françoise Arnoul), alors que les hommes, eux, continuent à satisfaire leurs appétit en ce domaine, forte personnalité ou pas.

Le film de 1975 nie toute sexualité, qu’elle soit entre une femme âgée et talentueuse et un homme jeune, ou entre l’homme jeune et sa petite amie. Pas de scène de sexe entre les couples, la chambre (ou le canapé, ou la table de cuisine, ou …) est bannie de la caméra. On peut cependant applaudir que la soi-disant révolution sexuelle des années soixante-dix, qui a vu s’étaler les films pornographiques aux frontons des cinémas, soit très loin de l’univers de Dominique Lelouche. Mais un juste milieu et une reconnaissance de la sexualité féminine eussent été agréables, en pleine deuxième vague des féminismes au vingtième siècle…

Outre l’absence de sexualité chez Marion et un métier prenant, notons que la sororité esquissée envers Antonia (Martine Couture) afin qu’Olivier lui revienne est légère, ne va pas loin et concerne uniquement les affaires de cœur. Au contraire, Ludivine est épaulée et aidée par ses consœurs du music-hall, qui s’entraident aussi entre elles, sur le plan professionnel, matériel et psychologique, pour le meilleur (rires et repas partagés au restaurant) comme pour le pire (le trafic de drogue). Et leur contentement à voir le bonheur de Ludivine, qui retourne à la terre avec son Lait, est sincère et joyeux. Tandis que la mélancolie de Marion, tout en dignité et retenue, la coupe d’Antonia, donc des autres femmes. Et l’art est bien froid, même sur une scène de théâtre.

Chez les deux Divine, il y a tout de même une soumission à l’ordre patriarcal, mais qui se fait plus léger pour Divine-Berriau que pour Divine-Darrieux, car la première choisit son destin, qui est malgré tout épanouissant, tandis que la seconde le subit, dans un renforcement de sa solitude. Allons plutôt danser sous les ormeaux, librement.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Divine Berriau et Divine Darrieux, deux destins chez les hommes », Voyages autour de mon cerveau, octobre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/6683

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Moustache VADMC

Tomber la moustache au cinéma

Les machos n’ont pas forcément une fin heureuse au cinéma, surtout lorsqu’ils laissent tomber leur moustache. C’est le cas pour Fier-à-bras dans Fanfan la Tulipe et pour Ugolin dans L’Eau des collines, deux films de 1952 (Christian-Jaque, Marcel Pagnol).

Fier-à-bras (Noël Roquevert), et non pas « bougre d’andouille » comme feint de le croire Fanfan (Gérard Philippe), est lui aussi amoureux de la belle Adeline La Franchise (Gina Lollobrigida). Il semblerait que la « guerre en dentelles » laisse beaucoup de loisirs aux militaires, qu’ils soient gradés comme Fier-à-bras ou simple soldat comme Fanfan. Et Adeline est au milieu, en butte au harcèlement de Fier-à-bras, qu’elle ne peut franchement repousser, puisque son père, sergent recruteur, dépend du maréchal des logis Fier-à-bras.

Manon des Sources (Jacqueline Pagnol), quant à elle, est totalement libre de cracher sa haine  contre Ugolin (Rellys), qui la poursuit dans les collines provençales et lui crie son désir et son amour depuis longtemps. Marcel Pagnol filme cette chasse à la femme d’un paysan sans scrupules. En effet, Ugolin, aidé de son grand-père le Papet (Henri Poupon), a acculé à la ruine le père de Manon, Jean de Florette, mort à la tâche, avant de récupérer à bas prix la ferme natale de Manon et d’y faire la culture des œillets. Manon, alors à peine adolescente, et sa mère rendue folle par la douleur (le frère de Manon est également décédé) sont alors obligées d’aller gîter dans une grotte des collines. Ugolin poursuit déjà Manon, qu’il épie lorsqu’elle se baigne, à treize ans, dans un filet d’eau des garrigues.

Pour Adeline et Manon, la vengeance et la délivrance viennent progressivement. Et passe par la coupe de la moustache de leurs harceleurs, bien plus âgés qu’elles et bien moins intelligents, quoique rusés et nocifs.

Fier-à-bras, dans une nouvelle tentative de convaincre Adeline que leurs destins sont liés de manière inextricable, paye une diseuse de bonne aventure. La manœuvre échoue, car Adeline feint de croire/croit que la voyante parle de Fanfan. À un détail près : l’homme décrit  par la cartomancienne possède une moustache. Ou en possèdera. Qu’à cela ne tienne : Adeline prend congé poliment de Fire-à-bras et court à son cher et tendre, qui confirme qu’il a songé à se faire pousser la moustache, signe de virilité. Joie d’Adeline, dépit du maréchal des logis, qui, in petto, va se raser.

Manon, pensant se débarrasser enfin d’Ugolin qui quémande une preuve d’amour, lui conseille de se raser la moustache. Ce qu’il fait, récoltant alors les lazzis des villageois, qui devinent  instantanément que c’est un gage d’amour. Ugolin se défend maladroitement, parlant d’une cigarette allumée qui aurait mis le feu à une partie de sa moustache, d’où le rasage intégral de ses poils buccaux.

Dans les deux cas, cette action volontaire signe le début de la fin pour les deux hommes. Fier-à-bras est vaincu par Fanfan, via un duel puis un seau, et disparaît dans le puit où se trouve l’objet en question, à la stupeur de Fanfan. Adeline est débarrassée de l’importun maréchal des logis.

Manon, elle, a encore à subir les tentatives d’attouchement d’Ugolin, physiques et psychologiques, lors de la scène de catharsis publique orchestrée par l’instituteur du village (Raymond Pellegrin). Elle vomit son dégoût à la face d’Ugolin, qui lui demande : « Mais pourquoi tu m’as dit de me couper la moustache ? » Réponse implacable de Manon : « Je vous aurais fait couper la tête, si j’avais pu ! » Tant de malheurs et tant d’années à souffrir éclatent dans cette ultime malédiction. Ugolin se pend, délivrant définitivement Manon.

Se couper la moustache ne leur sert pas à conquérir celles qu’ils aiment et annonce leur prochain décès. Alors que s’ils ne s’étaient coupés que la moitié de leur moustache comme dans « Général à vendre » des Frères Jacques (1950, paroles de Francis Blanche), ils auraient peut-être sauvés leur tête. Mais les réalisateurs de 1952 ont décidé de punir le machisme et le harcèlement sexuel, d’abord de manière symbolique, puis réellement. Une leçon à méditer.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Tomber la moustache au cinéma », Voyages autour de  mon cerveau, septembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/6610

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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