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Porridge et Polenta

Trahir l’Angleterre ? Porridge et Polenta. Partir, revenir, pourquoi ? (4)

Henry Radstock est fier de lui, toujours. Campé sur ses certitudes, cet Anglais de 1973 émet des opinions toutes faites tant chez lui qu’au pub local, Le Colchique et le Bleuet, dans une petite ville à l’ouest de Londres. Il conspue les Européens, qui pour lui représente un magma confus, d’où émergent parfois les Français – libidineux, mangeurs de grenouilles et toujours vaincus face à l’Union Jack, les Allemands – tous nazis, presque trente ans après la Seconde Guerre Mondiale, et les Italiens – tous fascistes, voleurs et vivant dans un pays sous-développé, car ignorant le thé et le porridge, base de la force britannique. Bien entendu, Radstock est contre l’entrée de son pays dans le Marché commun, qui signerait la fin de la supériorité anglaise.

Bref, Henry est un imbécile, raciste de surcroît. Son créateur Charles Exbrayat va prendre plaisir à le confronter à ses fantasmes, dans le roman policier Porridge et Polenta (1973). Radstock est le prototype d’homme qui est resté figé dans les années cinquante, loin des changements sociétaux de l’Angleterre des années soixante. Henry préfère rabâcher au sujet des soi-disant heures glorieuses où il aurait sauvé sa compagnie à Dunkerque en juin 40, tous comme certains Gaulois  et autres rappellent sans cesse : « J’ai fait la guerre, moi, môssieu ! J’étais à Gergovie, moi, môssieu ! » (Le Tour de Gaule d’Astérix, Goscinny et Uderzo, Paris, Dargaud, 1965, p. 28). Radstock ne tolère aucune contestation, surtout pas celle de Lucy, sa femme, qu’il a daigné épouser, quoiqu’elle soit une sang-mêlé (d’origine irlandaise, donc).

Cependant, il n’est pas contre le travail des femmes, puisqu’il est extrêmement fier de la réussite de sa fille Susan au concours de la fonction publique. Et, dans un premier temps, qu’elle soit première à l’examen d’italien. Ce qui finit pourtant par déclencher sa colère, car oui, pourquoi Susan et ses deux amies, Tessa et Mary-Jane, à apprendre la langue de Dante ? Sinon l’affection pour un pays autre que le sien ?

C’est le choix de sa fille qui va faire basculer le destin de Radstock. En effet, les trois jeunes filles ont gagné un séjour à San Remo, station balnéaire du nord-ouest de l’Italie, célèbre pour son festival de musique populaire. D’où, peut-être, un lien entre leur idolâtrie pour un chanteur pop italien et leur apprentissage de l’italien. Dans tous les cas, les petites Anglaises arrivent à La Casa Grande, hôtel situé fictivement sur le Corso Mombello. Elle sont bien décidées à profiter de leurs vacances, avant leur entrée en fonction. Ce sont deux coups de foudre et demi qui surgissent, entre Susan et Fortunato le réceptionniste, entre Mary-Jane et Enrico le chef des grooms, et de la part de Tessa envers Pietro le liftier.

Trafic de drogue et meurtres s’inscrivent également au programme, en plus de la détente et de la farniente. Informé de ces ajouts au séjour de sa fille, Henry décide de rejouer les sauveurs, comme en 40, dans un autre pays de sauvages, dans la jungle européenne. Et Lucy de l’accompagner, puisqu’elle l’a épousé pour le meilleur… et pour le pire. Lucy est prête à affronter les myriades de microbes italiens pour soutenir son époux, timide Galatée approuvant son Pygmalion en tout. Mais leurs attentes seront déçues, car personne ne veut les écouter, ni les policiers, ni le personnel de l’hôtel. Quant à Susan, elle est ravie de présenter Fortunato à ses parents, et de leur conseiller de se mettre en maillot de bain et de bronzer. Après avoir sommé sa fille de rentrer avec lui – et avec Lucy – dans la mère patrie, Henry se fait une raison et serait même prêt à reconnaître que la police italienne n’est plus fasciste, comme il l’a lancé au visage du commissaire Prizzi. Il est tout prêt à prendre la place de la police, ce qui lui permet de se valoriser à peu de frais, donc d’envisager l’Italie et les Italien·nes d’un œil moins dur.

Mais ce n’est pas lui qui trouve les responsables des meurtres, liés au trafic de drogue, mais Tessa, qui laisse les lauriers au commissaire, avant de repartir en Angleterre en même temps que Susan et Mary Jane et les Radstock. Pietro, finalement convaincu de la puissance des charmes de la jeune fille, part aussi, peu après, avec Fortunato et Enrico, et débarque à l’aéroport :

Il montrait trois filles qui couraient vers eux en agitant les bras. Fortunato poussa un juron avec une force telle qu’il aurait pu aller cogner aux fenêtres de Buckingham. Pietro hurla :

– Sainte Madone! Ce n’est pas vrai! Vous n’auriez pas permis ça?

Quant à Enrico, il se contenta de soupirer :

– Oh! mon Dieu…

Les trois Anglaises qui arrivaient à leur rencontre, avec leur casquette, leur tailleur strict, leur sac qu’une courroie retenait à l’épaule, étaient trois agents de police. (…)

Ultime malice de Charles Exbrayat, qu’on croit entendre rire à gorge déployée derrière la page. Car oui, les policières sont des fonctionnaires… Mais les Italiens s’y font, tandis que le climat humide, pluvieux et très pollué sape leur moral et grignote leur amour. Ils finissent par repartir en avion à San Remo… ainsi que Susan, Tessa et Mary-Jane, qui s’installent à la dernière minute à côté d’eux, dans une scène topique des comédies romantiques. Et les Radstock suivent peu après, d’abord pour le triple mariage, puis pour une installation définitive. Repoussant le porridge, ils préfèrent la polenta. Les délices italiens ont vaincu le féroce lion britannique, qui en demande qu’à ronronner au soleil. Un beau programme, n’est-il pas ?

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Trahir l’Angleterre ? Porridge et Polenta. Partir, revenir, pourquoi ? (4) », Voyages autour de mon cerveau, juin 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9955

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Drôle de frimousse génération du rythme VADMC

 Drôle de frimousse : génération du rythme ou existentialisme graveleux ?

La comédie musicale Drôle de frimousse (Funny Face, Stanley Donen, 1957) se déroule en grande partie à Paris, après un début à New York. L’héroïne, Jo Stockton (en référence à l’écrivaine Jo March des Quatre Filles du Docteur March de Louisa May Alcott ? ; Audrey Hepburn) est employée dans une librairie de Greenwich Village, haut lieu du bouillonnement intellectuel et artistique de la « Beat Generation ». Notons pour l’amusement qu’ Alma (Thelma Ritter) traite avec humeur et humour de « Beatnik » le liftier, qui accélère la montée de l’ascenseur, dans Confidences sur l’oreiller (Pillow Talk, Michael Gordon, 1959). La nouvelle musique jazz ne plaît pas à tout le monde, visiblement.

Reconvertie dans le mannequinat pour la revue Quality, Jo fuit les essayages parisiens pour rencontrer le philosophe empathicalisme Émile Flostre (Michel Auclair). Mais le chef de file de cette philosophie non matérialiste est avant tout un être de chair et de sang, un homme qui profite de l’innocence de la jeune fille pour tenter de la violer, à l’étage de son appartement. Naïve mais pas sotte, Jo se défend avec le premier bibelot en bronze venu. Puis s’enfuit. Fin de son goût pour la philosophie, place au mariage, avec le photographe de la revue de mode, Dick Avery (Fred Astaire), de trente ans son aîné. Nous avons vu précédemment l’écart vertigineux entre ces deux protagonistes – alors qu’Auclair a seulement sept ans de plus qu’Hepburn. L’anti-intellectualisme se double, voire se triple, d’une bataille de coqs de deux générations, avec la victoire du plus âgé.

En effet, avant d’attaquer Jo, Émile a reçu un coup de poing de la part de Dick, déguisé en pseudo-beatnik tendance Russe blanc : fausse barbe et fausse moustache, col roulé noir, veste à petits carreaux gris et blanc, pantalon de velours noir, guitare. Une tenue bohème donc. Outre l’existentialisme, c’est bien la génération du rythme qui est ici caricaturée. Au rez-de-chaussée de chez Flostre, Avery se moque de la musique lancinante et du lamento de la chanteuse à longs cheveux noirs, sorte de Juliette Gréco du pauvre, tout comme de la mystérieuse fumée, du jazz et des danses syncopées de la cave où il a précédemment interrompu le rendez-vous d’Émile avec Jo. Tous ces stéréotypes appartiennent autant à la mode de l’existentialisme français qu’aux beatniks états-uniens.

Il s’agit dans les deux cas de conflit de générations. Les jeunes Français·es, privé·es d’adolescence par l’Occupation, puis de jeunesse par la menace atomique, la Guerre froide et les guerres d’Indochine et au Maghreb, se déchaînent à Saint-Germain-des-Prés (remplacé par Montmartre dans le film). Les jeunes Américain·es, ayant vu les pères et frères aînés partir au combat en Europe, puis en Corée, avant de partir eux-mêmes au Vietnam, refusent l’ultra-capitalisme, l’antisémitisme et les différents racismes. Leurs frères et sœurs cadettes seront hippies et arriveront enfin à faire changer, un peu, pour un temps, la société des USA.

Mais le réalisateur et son scénariste Leonard Gershe préfèrent axer leur film sur le refus de la réflexion et de la contestation de la société, et l’apologie de la futilité (élégante, certes), de la publicité et du couple de type incestueux et pygmalionnesque ô combien patriarcal. Car c’est Dick qui a découvert le potentiel de Jo comme mannequin, lui qui la convainc de partir à Paris avec l’équipe du magazine, lui qui lui court après lorsqu’elle refuse de faire son travail. Par ses indications lorsqu’il la prend en photographie, il la façonne, et c’est uniquement de cette manière qu’elle devient une professionnelle. Et il n’a guère confiance en ses initiatives, même lorsqu’elle souhaite se faire photographier comme elle l’entend, au Louvre. Et même si c’est une réussite, c’est la seule fois où Jo devient sujet de l’image, et non objet. Et quand l’objet refuse de suivre son créateur, comme chez Flostre, quand Jo reste avec son cher philosophe, dont pourtant le ton doucereux aurait dû l’avertir qu’il n’était qu’un vil satyre, Dick ne sait que partir à l’aéroport pour rentrer aux États-Unis. Pygmalion sans Galatée est un Reflex vide.

Heureusement, Galatée/Jo abandonne enfin ses prétentions de bas-bleu pour se ranger aux côtés de Pygmalion/Dick, laissant l’horrible Français aux prises avec un énorme pansement. Pas question de mixité raciale, même avec une héroïne jouée par une actrice d’origine européenne (anglo-belge). Car, comme dans, par exemple, Entrons dans la danse (The Barkleys of Broadway, Charles Walters, 1949), avec Fred Astaire en co-vedette, être Français c’est être plutôt jeune, ridicule et pernicieux, toujours prêt à voler la femme des autres et à couper les cheveux en quatre, soit par la philosophie, soit par la tragédie (Entrons dans la danse).

Il est vrai que le réalisateur doit plaire non seulement au public raffiné et justement, intellectuel, de la Côte Est, mais également aux spectateur·trices du Texas, de l’Oklahoma et de l’Utah. Côté français, imaginons que le public germanopratin a su prendre la charge à la légère (qu’en a pensé Sartre ?), tandis que les spectateur·trices du Cantal, de la Bourgogne et du Nord-Pas-de-Calais ont pu approuver les coups donnés à Flostre, plus parce qu’il est un intellectuel qu’un pervers sexuel.

Reste Paris, en quelques beaux clichés, que Donen filmera à nouveau avec Audrey Hepburn (et un nouveau partenaire bien plus âgé qu’elle, Cary Grant), dans Charade, en 1963.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Drôle de frimousse : génération du rythme ou existentialisme graveleux ? », Voyages autour de mon cerveau, mai 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9740

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Scènes d'adieu à l'aéroport VADMC

Scènes d’adieu à l’aéroport : se rejoindront-ils ?

Quand la comédie romantique est sur le point de se terminer, comment créer encore du suspens ? Parfois, c’est en ajoutant un déplacement que le récit continue à intriguer le public, retardant la réunion du couple principal.

Selon les époques, c’est à la gare ou à l’aéroport que se (re)noue les liens du couple. Côté train, pensons par exemple à l’heureuse Ariane (Love in the afternoon, Billy Wilder, 1957), aux mélancoliques Vacances à Venise (Summertime, David Lean, 1955). Côté avion, il y a, entre autres, Escale à Orly (Jean Dréville, 1954), Paris au mois d’août (Pierre Granier-Deferre, 1966), On s’fait la valise, docteur ? (What’s Up, Doc ?, Peter Bogdanovitch, 1972), Un poisson nommé Wanda (A Fish Called Wanda, Charles Crichton, 1988), Six Jours, sept nuits (Six Days Seven Nights, Ivan Reitman, 1998). 

Les retrouvailles sur le tarmac se passent très bien dans Escale à Orly et dans Six Jours, sept nuits, les couples s’enlaçant pour le meilleur, après avoir vécu sinon le pire, du moins du très tourmenté (prise d’otage, détournement d’avion, trafic de drogue).

Se rejoindre n’est pas tout, encore faut-il que l’amour soit possible sur le long terme. Ce qui n’est pas le cas pour Henri Plantin (Charles Aznavour), vendeur français à La Samaritaine, qui perd Patricia Seagrave (Susan Hampshire), mannequin anglaise, à l’aéroport d’Orly. Scène d’adieu déchirante, à travers la vitre du couloir d’embarquement, l’un et l’autre ayant du mal à s’entendre, au propre comme au figuré. Patricia, après leur histoire dans le torride Paris au mois d’août, choisit le principe de réalité et rejoint son groupe de collègues. Elle sait qu’Henri est marié et a des enfants, et qu’il lui sera difficile de divorcer. Le film est plus tendre avec Simone (Etchika Choureau), l’épouse, que le roman de René Fallet (1964), dont il est l’adaptation. Bien moins popote que dans le récit, physiquement (cheveux courts, pantalon) et moralement, elle apprécie les changements que son mari a apportés dans leur appartement, sous l’influence de Patricia. Ou l’art de passer des années quarante/cinquante (marron et bois partout, beaucoup de meubles) à la modernité des années soixante (peinture claire et minimum de meubles). Si la sororité est absente du roman et du film, il n’empêche que le réalisateur choisit de ne pas opposer femme et maîtresse. L’adieu à l’aéroport n’en est que plus poignant, d’autant que nous avons assisté au plaisir amoureux entre Henri et Patricia.

Serait-ce parce que le désir n’a pas été consommé que, dans On s’fait la valise, docteur ?, la destinée sentimentale de Judy Maxwell (Barbra Streisand), jeune bourgeoise inoccupée, et d’Howard Bannister (Ryan O’Neal), docteur en musicologie préhistorique, est heureuse ? De même pour Wanda Gershwitz (Jamie Lee Curtis), voleuse maligne, et pour l’avocat Archie Leach (John Cleese), dans Un poisson nommé Wanda. Dans ces films, les scènes sont quasi identiques : après des aventures animées et drôles, un des éléments du couple prend l’avion, triste d’avoir perdu son nouvel alter ego. Et, à la dernière minute, miracle : Howard entend la voix haut perchée de Judy dans le siège devant lui, Archie vient s’assoir à côté de Wanda. Échanges d’une ou deux réparties, en anglais pour Judy et Howard, en russe puis en anglais pour Archie et Wanda, suivies d’embrassades finales. Le fameux « baiser qui fait vendre du pop-corn » (Paris When It Sizzles, Richard Quine, 1964) est bien là, à la plus grande satisfaction du public.

Les moyens de transport ne sont pas que des machines à séparer les êtres, ils existent également pour réunir les couples, ce qui est heureux.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Scènes d’adieu à l’aéroport : se rejoindront-ils ? », Voyages autour de mon cerveau, avril 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9515

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Condescendance masculine chez Joe Dassin VADMC

Condescendance masculine chez Joe Dassin

Le domaine de la chanson, populaire ou d’auteur et d’autrice, est lent à enregistrer les changements sociaux, et à s’y intéresser en profondeur. Par contre, la continuité patriarcale s’y exprime tranquillement, quelle que soit l’époque. Le paternalisme est à l’œuvre dans certaines chansons de Joe Dassin : « Bip-Bip » (1966), « Excuse me lady » (1966), « Tout bébé a besoin d’une maman » (1967), « Billy le Bordelais » (1970), « Cécilia » (1970), « La Fleur aux dents » (1970), « C’est la vie, Lily » (1970), « Fais la bise à ta maman » (1971), « La Demoiselle du déshonneur » (1978).

Toutes ces chansons sont à la première personne, le « je » du chanteur/narrateur exprimant son point de vue et dictant ce qu’il pense des femmes, à savoir qu’elles sont de mœurs légères, donc condamnables (« Excuse me lady », « Cécilia », « C’est la vie, Lily », « Fais la bise à ta maman », « La Demoiselle du déshonneur »), et sottes (« Billy le Bordelais », « Fais la bise à ta maman »). Les femmes sont catégorisées, classées selon l’échelle sexiste habituelle idole/prostituée : « Il y a les filles dont on rêve/Et celles avec qui l’on dort » (« La Fleur aux dents »). Femmes qui d’ailleurs ne le sont pas, puisque rabaissées au rang de « fille », c’est-à-dire de prostituée dans le second cas, et de vierges dans le premier. Il y a les filles que le mâle respecte tout en fantasmant sur elles, et il y a les femmes, donc, qui servent à assouvir les pulsions sexuelles du narrateur.

C’est sans surprise que « C’est la vie, Lily » et « La Demoiselle du déshonneur » décrivent des esclaves sexuelles, dont plus personne ne veut, car âgées. Le système prostituteur n’est pas questionné ni remis en cause. Dans la seconde chanson, c’est la prostituée, bien entendu, qui fait des avances à l’adolescent bien comme il faut. Jeune homme qui a l’outrecuidance, en outre, d’exprimer ses regrets dans la manière dont il a perdu sa virginité : « On peut rêver mieux/Pour sa grande première/De couchers d’soleils ou de champs d’muguet. » La goujaterie se mêle au mépris de classe, comme dans « Billy le Bordelais », « C’est la vie, Lily », « Fais la bise à ta maman ».

Il faut que ce soit le chanteur/narrateur qui donne sa permission aux femmes d’être fidèle : « O Cécilia, si tu ne l’es pas/Je ne t’en veux pas pour autant ». Ouf, nous voilà rassurées, nous, les auditrices. Heureusement qu’une instance masculine venue d’en haut autorise la femme en question à avoir une vie sexuelle en dehors de sa présence. Le patriarcat est également sauvé par le temps qui passe : « (…) la saison/Viendra où j’aurai seul la clé de ta maison ». On espère qu’il lui en laissera une tout de même. De même, dans « Fais la bise à ta maman », le narrateur renvoie la femme avec laquelle il vient d’avoir une aventure à ses parents, tout en pansant son orgueil blessé, puisque c’est elle qui le quitte :

Tout passe, tout casse

Tu veux rentrer chez toi (…)

Tu m’as perdu fillette

Personne n’est parfait (…)

Tu as joué de tous tes atouts de femme

Mais le plus quitté des deux n’est pas celui qu’on croit (…)

Le narrateur se drape dans sa dignité, prenant de haut la volonté de son ex-compagne/partenaire sexuelle de partir et la culpabilisant. Alors que si Joe Dassin s’était appelé Pascal Danel, il aurait pu s’écrier : « J’ai envie de t’aimer (…) Je veux t’aimer à mon idée » (« La Plage aux romantiques », 1966). Heureusement, Joe Dassin avait anticipé son désarroi, en 1966 dans « Bip-Bip », en soulignant ce que le physique féminin pouvait avoir de disgracieux, donc d’anti-érotique, selon des stéréotypes masculins et spécistes :

J’ai rendez-vous ce soir avec la fille de mon patron

Elle fume le cigare, elle a des tout p’tits yeux tout ronds

Si je suis en retard c’est toujours ça de gagné

George Sand nous voilà, attaques misogynes comprises. C’est aux femmes de se conformer aux attentes des hommes et de ne pas fumer, sous peine de passer pour des femmes de mauvaise vie, comme dans les années 1930.

Par contre, Billy, lui, n’a de comptes à rendre à personne : « Tout le monde y passait » (monde au féminin) et il est encouragé : « Car le bon vin de Saint Emilion/Ça vous donne un cœur de lion/Pour trousser les jupons et les cotillons », d’autant qu’il fait moult et moult enfants. Cette chanson condense l’ensemble du virilisme et du nationalisme français : vin à flot, mais vin français, hyper-sexualité, mais bien vue et considérée comme normale puisque masculine, avec viols et violences autres, le but ultime étant de faire le plus d’enfants possible, dans le natalisme pétainiste et post-vichyste très Trente Glorieuses.

Le ton se fait dictatorial et accusateur dans « Tout bébé a besoin d’une maman ». Joe Dassin prend des exemples d’hommes brutaux en mélangeant réalité et fiction (Attila, Adam, Barbe-Bleue) pour mieux faire le procès des mères, uniques responsables de la démence de leurs rejetons. Ces trois figures semblent sans père, sans figure paternelle, bienveillante ou malveillante. La fin de la chanson enjoint au public de continuer la ronde paternaliste :

Et faites pour vos mamans

De beaux petits-enfants

Afin qu’elles puissent leur chanter

Car tout petit bébé (tout petit bébé, oh petit bébé)

A besoin d’une maman

Pour l’aimer

L’ordre est double : aux enfants de ne pas choisir d’en faire ou pas (deux ans après la légalisation de la pilule contraceptive féminine), aux mères de se transformer en grand-mères, et grand-mères qui répètent la norme mortifère imposée par le chanteur, également co-auteur des paroles.

À bas le paternalisme, vive la chanson et les féminismes !

 

 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Condescendance masculine chez Joe Dassin », Voyages autour de mon cerveau, mars 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9120

Tiphaine Martin

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Le Magicien des couleurs VADMC

Quelle(s) couleur(s) pour le monde ? Le Magicien des couleurs

Comment rendre le monde plus beau, donc plus heureux ? C’est l’inquiétude du Magicien des couleurs (Arnold Lobel, 1968), qui vit dans un monde gris, blanc et noir et qui voit ses concitoyen·nes tristes. Mélangeant des pigments, il trouve le bleu. Les habitant·es sont ravi·es, mais retournent rapidement à leur marasme. Le magicien retourne dans son antre et fabrique du jaune. Mais celui-ci donne des maux de tête et d’yeux à tout le monde. Du rouge alors ? Mais des bagarres éclatent, et des querelles incessantes. Le magicien est pris à partie, et se cache chez lui. Il travaille, travaille, travaille, jusqu’à ce que ses pots de couleur débordent et se mélangent. C’est ainsi que le monde du magicien devient beau et bon, avec chacun·e qui choisit sa, ses, couleurs. Sans oublier de remercier leur bon génie.

Cet album est non seulement un guide pédagogique pour l’apprentissage des couleurs et de leurs mélanges chez la, le, jeune enfant, mais c’est aussi un hymne à la singularité rayonnante. Loin d’enfermer les gens dans un individualisme mortifère, la composition des couleurs permet d’être soi, en harmonie avec les autres. La grisaille du début est tout autant pénible à supporter que l’uniformité d’une couleur, sans compter que leur symbolique éclaire le monde d’une mauvaise lumière : mélancolique pour le bleu, morose pour le jaune, colérique pour le rouge. Tandis que la variété permet d’exalter le meilleur de chaque coloris.

Cet album nous invite, comme dans « La cabane du pêcheur » de Francis Cabrel (Samedi soir sur la Terre, 1994), à « faire nous-même le mélange des couleurs ». Au travail.

 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Quelle(s) couleur(s) pour le monde ? Le Magicien des couleurs », Voyages autour de mon cerveau, mars 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/8876

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