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‎Tous en scène VADMC

Système d’échos colorés dans Tous en scène

Les films musicaux hollywoodiens des années cinquante bénéficient de la couleur en Technicolor. Dans Tous en scène (The Band Wagon, 1953), le réalisateur Vincente Minelli fait exploser la gamme chromatique pour mieux mettre en valeur les sentiments des personnages, tout en créant une atmosphère artistique. La forme (les couleurs) exhale le fond (les tribulations d’une troupe d’artistes qui tente de monter une version moderne de Faust, avant de revenir à un projet plus enchanteur).

Tout d’abord, les couleurs sont plutôt douces, en un camaïeu de bleu-gris-blanc, celles des costumes de ville de Tony Hunter (Fred Astaire), ex-star du music-hall, Lily Martin (Nanette Fabray), librettiste, et son mari Lester Martin (Oscar Levant), compositeur. Lily et Lester accueillent Tony à la gare de New York pour son retour sur scène, après des années de retraite en Californie.

Puis, les couleurs éclatent en même temps que les sons. Bienvenue dans le New York des années cinquante ! Ses néons clignotent avec force, en un arc-en-ciel violent, les klaxons mugissent avec force, les voitures défilent, les attractions (machine à sous, épreuve de force, tarot électronique, voyante en plastique, faux gorille poignardé par un faux chasseur dans une fausse cage…) s’agitent. Un régal pour Minelli qui s’amuse avec ce décor rutilant, à l’instar du final de son Comme un torrent (Some came running, 1958), cinq ans plus tard. Mais un cauchemar pour son héros, qui se retrouve dans une rencontre de troisième type face aux machines, là où il s’attendait à un théâtre.

C’est par une rencontre justement qu’il va se sentir mieux, sinon intégré à son époque. heurtant par mégarde le pied d’un cireur de chaussures Afro-Américain (Leroy Daniels). Tony s’excuse puis, devant le regard las du cireur, résigné au racisme ordinaire, entreprend de lui remonter le moral en chantant et dansant autour de lui, puis avec lui, à égalité. Son costume blanc cassé contraste avec la chemise orange à palmiers verts du cireur. La séquence se clôt lorsque le cireur balaye le dos et l’arrière des jambes de Tony, surjouant l’obséquiosité. Jeu délicat avec la ségrégation alors en vigueur ou antiracisme décidé ? Parions plutôt pour la seconde hypothèse, puisque le scénario cite plus tard avec éloge Bill Robinson (surnommé Bojangles, comédien, acteur et danseur Afro-Américain). Tony est prêt pour une nouvelle aventure, oui, mais laquelle ? Suivons les couleurs…

La couleur est d’abord celle de la passion. Passion pour le théâtre, ses coulisses, son montage de spectacle, et hommage aux auteurs et metteurs en scène qui le font vivre. Minelli profite de la séquence « That’s Entertainment » pour établir un lien théâtre-cinéma et arts de scène. Il cite à la fois Bill Robinson, Shakespeare et son Hamlet (filmé par Laurence Olivier en Angleterre en 1948), l’univers du cirque (clin d’œil à la superproduction de Cecil B. DeMille sorti en 1952 ?), la comédie avec une fine allusion à la Gay Divorcee (La Joyeuse Divorcée, Mark Sandrich, 1934) tournée par Fred Astaire, le drame, dont la tragédie antique, avec l’Œdipe-Roi de Sophocle, justement montée par Jeffrey Cordova (Jack Buchanan), futur metteur en scène du spectacle de Tony, le film de gangster, qui surgira dans le spectacle final, le film épique et musical avec l’adaptation des Trois Mousquetaires (The Three Musqueteers, Georges Sidney, 1948).

Autre rouge théâtral, celui de la cape du diable, incarné par Jeffrey dans le spectacle qu’il monte pour Tony avec le concours de Lily à l’écriture et de Lester à la musique. Des touches de rouge apparaissent dans les décors du spectacle, ainsi que dans les justaucorps de certaines danseuses, sans que ces dernières soient érotisées pour autant. Un autre rouge flamboie dans le second spectacle, monté cette fois par Tony, d’abord dans la séquence « Triplets » (fleur, maison en flammes, wagon, mât du fond du décor), puis dans la séquence « Girl Hunt » : celui des escaliers de secours, typiquement nordaméricains, qui ici montent et montent vers le ciel peint du décor. Est-ce que Jerome Robbins et Robert Wise s’en sont inspirés, avec le décorateur Victor Gangelin, pour leur West Side Story (1961) ?

Du rouge théâtral au rouge de la passion il n’y a qu’un pas, ou plutôt qu’un œillet : celui que porte Lily à sa ceinture dans « That’s Entertainment », qui atterrit sur la boutonnière du smoking de Tony quand il va voir la danseuse classique Gabrielle Gérard (Cyd Charisse) en compagnie de Lily et Lester. Gabrielle danse Le Lac des cygnes en tutu rouge, tranchant sur le camaïeu de blanc-bleu des autres danseurs et danseuses. Avant d’enfiler sa robe rouge fendue de « Girl Hunt », Gabrielle se tient à côté d’un bouquet de roses rouges chez Jeffrey, bouquet que ne lui a pas offert Tony, convaincu par Lily et Lester que « ça ne se fait plus » d’offrir des fleurs à une artiste à la fin de la représentation, pas plus que d’aller la saluer dans sa loge.

Or, cette retenue irrite Gabrielle, déjà nerveuse à l’idée de passer du classique au moderne et de danser avec une légende du music-hall. Minelli et ses scénaristes Betty Comden et Adolph Green n’évitent pas, et c’est méritoire, la différence d’âge entre Fred Astaire, alors âgé de cinquante-quatre ans, et de Cyd Charisse, qui avait trente-et-un an, soit un écart de vingt-trois ans. Fait quasi unique dans le cinéma occidental de l’époque (et d’aujourd’hui), le héros Tony s’inquiète de cette distance générationnelle, qui l’empêche de se déclarer à Gabrielle, qui lui avoue publiquement son amour aux dernières minutes du film, juste avant la reprise par toute la troupe de « That’s Entertainment », avec un bonheur affiché : pas de mort comme dans Macbeth (filmé par Orson Wells en 1948), pas de marchandages comme à la fin de Camille (nom états-unien de La Dame aux camélias, filmé par George Cukor en 1936 avec Greta Garbo), mais un travail joyeux en commun, avec une « histoire d’amour à l’ancienne », qui se termine bien, avec la touche de rouge de la veste d’un spectateur admis dans les coulisses. Entre la touche rose rouge et le final amoureux, il y a le manchon rouge fleuri de Gabrielle dans « A New Sun » (spectacle de Tony), et sa robe rouge pailletée et fendue de mauvaise fille brune attachante dans « Girl Hunt ». Un autre film de 1953 fait mettre des robes rouges fendues et pailletées à ses deux héroïnes, artistes de music-hall, à savoir Les Hommes préfèrent les blondes (Gentlemen Prefer Blondes, Howard Hawks). Le réalisateur français Jacques Demy s’en souviendra pour ses Demoiselles de Rochefort (1967), qui portent ce type de robe dans leur numéro artistique.

Le sketch « Girl Hunt » met en abyme la relation Tony Hunter-Gabrielle, puisque leurs deux personnages de « Girl Hunt » finissent ensemble, la fille brune en robe rouge venant chercher le détective, en lui allumant sa cigarette par derrière – scène qui figurait dans le premier « That’s Entairtenment » au masculin et sous forme de gag. Le sous-entendu sexuel permet l’allumage du couple, comme dans les films noirs avec le duo (à l’écran et dans la vie) Humphrey Bogart/Lauren Bacall. Le rouge de la robe de la fille brune/Gabrielle, outre qu’il rappelle le tutu du Lac des cygnes, devient le feu vert de l’amour à venir.

Le vert est une autre couleur associée à Gabrielle, couleur froide, à l’inverse du rouge chaud.   C’est déjà un rappel amical de la robe verte que porte Cyd Charisse dans Chantons sous la pluie (Singin’ in the Rain, Stanley Donen et Gene Kelly, 1952). Elle y interprète la maîtresse d’un gangster, dans la séquence « Broadway Melody Ballet », autre hymne au spectacle. Couleur verte que l’on retrouve sur le rideau de scène de « Girl Hunt », dans les robes légères des pin-up, et dans les chemises de certains gangsters, donc toujours associée à une sexualité outrancière et au côté sombre de la société, deux éléments perturbateurs de l’ordre bourgeois – tout en le renforçant. Les autres occurrences où Gabrielle portent du vert renforcent son côté sérieux et travailleur : gants vert vif pour rencontrer Tony puis les commanditaires du premier spectacle, vert pâle de la ceinture de sa robe blanche dans la séquence « I Love Louisa », autre ceinture vert pâle lors du trajet en train, lorsqu’elle est assise sur banquette vert pâle, face à un tableau de paysage vert dans un cadre vert pâle. Ou comment passer d’un Pygmalion à un autre, du chorégraphe classique Paul Byrd (James Mitchell, aussi haut en pommettes que James Mason) au metteur en scène Tony Hunter. C’est un autre lien coloré et sexuel, comme le rouge du tutu classique devient le rouge de la robe fendue. Une femme, deux visions masculines, en rouge et vert. L’une intouchable, soit portée par des danseurs, puis gantée, l’autre progressivement sexualisée. Et c’est la couleur chaude qui gagne.

Le noir est utilisé pour sa portée symbolique, soit d’élégance, masculine avec les smokings portés par Tony, Jeffrey (notamment dans « I Guess I’ll Have To Change My Plan »), Lester, le chef d’orchestre, les commanditaires, féminine avec la robe New Look de Gabrielle à la soirée commanditaires, avec une jupe pailletée, soit de diabolique. En effet, le premier spectacle est censé être une version moderne du mythe faustien. Le diable, incarné par Jeffrey, y a une cape noire doublée de rouge, très traditionnelle. Ses aides, des femmes, ont pour certaines de longues robes noires pailletées, à l’instar de Gabrielle, censée être la femme fatale/Marguerite du spectacle. Robe noire pailletée qu’elle retrouve dans le second spectacle, dans « Girl Hunt ». Elle la porte lors de sa première apparition, « ondulant comme un serpent », selon le monologue du détective/Tony. Cette dernière robe est doublée de rouge, donc en lien supplémentaire avec le premier spectacle et le diabolique. Et annonce le tout rouge de sa dernière robe de « Girl Hunt ». C’est la passion qui l’emporte sur le diable, contrairement à Faust, et comme dans le film français (en noir et blanc) Les Visiteurs du soir (Marcel Carné, 1942), où le jeune couple d’amoureux finit loin des atteintes du Malin.

Dans « Girl Hunt », le diable est présent, mais plutôt sous une forme féminine, et d’autant plus dangereuse qu’elle porte les couleurs de l’innocence : blond des cheveux, blanc ou bleu azur des robes. C’est aussi Gabrielle qui incarne la fille blonde, la fausse innocente persécutée qui fait appel au détective pour la protéger. Mais foin des apparences, les couleurs et leur symbolique sont trompeuses, la fille blonde est une meurtrière, son blanc et son bleu enfantins cachent une âme sombre. Hitchcock s’en serait-il souvenu pour son personnage extérieurement pur mais vraiment sexuel de Frances Stevens (Grace Kelly), qui porte une robe bleu ciel assortie à ses cheveux dorés dans La Main au collet (To Catch A Thief, 1955), lorsqu’elle plaque un baiser sur les lèvres de John Robie (Cary Grant), agréablement surpris ?

Le blanc est cependant utilisé pour sa valeur positive de clarté et de lumière. Sauf dans la séquence « Triplets », où Tony, Jeffrey et Lily sont déguisés en bébés, avec de longues tuniques blanches, des bonnets, des chaussettes et des chaussures fermées blanches. Si leur aspect connote donc l’innocence et la gentillesse enfantines, les paroles de leur chanson contrastent avec le blanc. Elles sont violentes, puisqu’une fois descendus de leur chaise haute mauve (Tony et Jeffrey) et rose pâle (Lily), chantent leur désir d’en finir avec leur frère(s)/sœur, pour rester l’unique enfant. Plus qu’au blanc, il faut prêter attention au décor, dont nous avons parlé ci-dessus, soit un fond noir avec des dessins violents. L’exagération est de mise, donc l’humour est bien présent, avec un anticonformisme très Côte Est, qui passe inaperçu de nos jours.

Le blanc lumineux est celui des vêtements de Gabrielle dans la séquence « Dancing in the Dark », lorsque Tony, également vêtu en blanc, et elle accordent enfin leurs pas. Symbole de leur entente professionnelle et peut-être déjà amoureuse, le blanc fait ressortir la simplicité de leur duo dansé, sur le fond vert plastique du faux Central Park. C’est d’ailleurs cette fausseté du décor en carton-pâte, ainsi que la musique (qui d’intra devient extra-diégétique), qui met en évidence la communion des deux danseurs. Après être passés à travers une piste de danse avec un petit orchestre où de jeunes couples sont joue à joue, ils continuent à marcher côte à côte sans se parler. Puis elle esquisse un pas, puis lui. Autre pas, puis ils dansent face à face sans se toucher. Ils continuent à danser en se regardant, puis Tony prend la main de Gabrielle pour la faire danser, dans l’habituel duo genré de ce type de danse, où l’homme mène et la femme se laisse mener. Gabrielle prend deux fois l’initiative des enchaînements, mais c’est tout de même Tony qui guide.

Par contre, Tony et Gabrielle ne dansent pas ensemble dans « I Love Louisa », car le côté humoristique de la séquence ne se prête pas au duo amoureux. Tony imite les accents allemand, anglais, français, dans cette chanson qui passe en revue les alcools favoris de ces trois pays européens (bière, whisky, vin), et tranche en faveur de la bière… et d’un couple sans chichis. Lily joue le rôle de Louisa, la femme choisie par le chanteur narrateur. Elle noue un foulard rose sur ses cheveux et prend des poses, surjouant l’admiration pour son homme-bière par un grand sourire figé, des petits bonds effarouchés quand il se rapproche, des gestes raides et d’énormes battements de cils, qui l’assimilent à une poupée mécanique grandeur nature. Le tout avant d’éclater de rire et de danser avec Tony, souriant et riant lui aussi. Ils sont au premier plan, Gabrielle est au second plan, dansant avec un jeune artiste de la troupe du premier spectacle. Les deux couples sont en parallèle, Gabrielle imitant certains gestes de Lily. Tony rejoint ensuite Gabrielle pour la fin de la séquence, tandis que Lily s’assoie au piano à côté de Lester. Inconsciemment, Gabrielle vient de faire son choix : elle ne retourne pas au ballet avec Paul, elle reste avec Tony et la troupe de music-hall. Progression de l’intrigue théâtrale, mais aussi de l’intrigue amoureuse, puisque Gabrielle rompt ensuite avec Paul, sans que l’on sache, ni Tony, si cette rupture est définitive.

L’amour avoué pour Tony à la fin du film s’effectue aussi en couleur, par le blanc de la rose que Gabrielle porte à son décolleté, similaire à l’œillet blanc porté par Tony sur son smoking.

Cependant, les traces jaunes du film auraient pu, peut-être, nous indiquer quel choix amoureux ferait Gabrielle. Outre le rouge, le jaune traverse le film. Il est d’abord associé aux hommes, Jeffrey le metteur en scène et Paul le chorégraphe, lorsque Jeffrey demande à Paul de venir chez lui parler du spectacle. Jeffrey porte en une robe de chambre grise et un foulard jaune, Paul est en complet gris et pull jaune. Ils feront donc du bon travail en commun. Lors de la première répétition, Gabrielle est de leur côté et non de celui de Tony, puisqu’elle porte une robe jaune. Puis elle se met en blanc (cf. ci-dessus), donc du même bord que Tony. Seule sa robe éclatante de soleil dans « A New Sun » introduit le doute, mais comme la chanson parle d’un nouvel amour, on peut être confiant·es quant à l’issue de la diégèse.

Outre les couleurs tranchées ou dominantes, il existe une séquence où les couleurs sont mélangées. Elle figure dans le second spectacle et se veut un hommage malicieux à la campagne du sud des États-Unis et à l’atmosphère country. Lily est la meneuse de la revue « Hayride Louisiana » : vêtue d’un costume pseudo-paysan fait de carreaux de couleurs rayés et coiffée d’une couronne de marguerites, entourée de jeunes danseurs et danseuses vêtues de couleurs vives et mélangées, elle chante et danse le bonheur d’habiter en Louisiane, devant une botte de foins et une charrette. Notons que le titre de la séquence fait référence à une station de radio créée en 1948, Louisiana Hayride, qui a vu passer des chanteurs et chanteuses de country, mais aussi Elvis Presley et le rock’n’roll. La séquence «  Hayride Louisiana » est l’occasion de développer le génie comique de Lily/Nanette Fabray, à l’instar de « I Love Louisa ». Dans ces deux morceaux, le personnage féminin est plein de vie, amusé et amusant, joue la comédie, chante et danse. Il est donc plus facile d’y adhérer qu’au personnage de Gabrielle, certes magnifique, mais distant.

Terminons ce tour d’horizon haut en couleurs par les références cinématographiques contemporaines du film et utilisées telles quelles dans la narration et par les références à la peinture. Le cinéma apparaît dès les premières répliques, lorsque deux hommes d’affaires discutent dans le train de Tony Hunter et se moquent de l’adoration féminine qu’il suscitait vingt ans auparavant… Tony étant présent dans le wagon. Bon prince, il offre un cigare aux deux voyageurs, mal à l’aise de leurs ricanements. À l’arrivée à New York, Tony se reprend de son amertume quand il entend un jeune couple s’étonner de la présence massive de photographes sur le quai : « – Ça doit être pour le Président. – Non, il y en a trop, c’est pour une vedette. » Tony se rengorge, mais tombe de haut quand il voit les photographes se précipiter… vers Ava Gardner, qui apparaît ici dans son propre rôle, vêtue de noir élégant et d’un collier de perles. Après avoir salué sa camarade, qui l’accueille chaleureusement, Tony s’éloigne, solitaire. Mais plus pour si longtemps, puisqu’une autre femme grande, aux cheveux courts et noirs et élégante va faire son apparition dans son existence : Gabrielle.

Plus loin dans la diégèse, il refuse de continuer à jouer contre ses habitudes, de manière « moderne » dans le premier spectacle : « Je ne suis pas Marlon Brando. (…) Je demande mon indépendance. Tony Hunter 1776. » Star montante et explosive de ce début des années cinquante, Brando est la référence du jeu intériorisé, les nerfs à vif, ce qui est à mille lieux de celui de Tony/Fred Astaire. Hunter se réfugie avec mordant à l’époque de l’indépendance… des États-Unis.

Après la départ de Tony, Lily et Lester, jaloux de Jeffrey, se disputent. Lily ne se laissant pas faire, mais quittant tout de même le lieu de l’altercation, Lester s’adresse à quelques artistes de la troupe, qui n’ont pas perdu une miette des hurlements du couple : « Dites à Madame Martin que j’ai pris l’avion jusqu’à Tahiti… pour peindre. » C’est-à-dire qu’il va au cabaret en face du théâtre où se déroule les répétitions pour boire de l’alcool. La référence implicite à Gauguin trouvera son aboutissement dans la biographie filmée de 1956 que Vincente Minelli consacrera à Van Gogh, où Gauguin sera interprété par Anthony Quinn.

Autre référence implicite, du moins à nos yeux européens et français, le jaune rutilant du salon de Jeffrey nous rappelle la cuisine de Claude Monet dans sa maison de Giverny. Ainsi que la séquence Toulouse-Lautrec dans Un Américain à Paris (An American in Paris, Vincente Minelli, 1951). N’oublions pas les toiles de Degas, Modigliani, Picasso, Renoir et Kandinsky que Tony a fait amener dans sa chambre d’hôtel new-yorkaise, et qu’il vend afin de produire le second spectacle.

Au terme de notre parcours haut en couleurs, nous retiendrons que ce film est un enchantement, qui nous tient en haleine, grâce aux changements chromatiques. À faire (re)défiler sous nos yeux émerveillés.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Système d’échos colorés dans Tous en scène », Voyages autour de mon cerveau, septembre 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/11098

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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La Comtesse de Ségur, des romans adultes

Que nous racontent les romans de la Comtesse de Ségur ? À nous enfant, à nous adulte.

1857 : Nouveaux Contes de fées :

1) Histoire de Blondine, de Bonne-Biche et de Beau-Minon : la douceur, la reconnaissance, la gentillesse envers les autres sont toujours récompensés, tout comme le courage et la persévérance.

2) Le Bon Petit Henri : le courage, la persévérance la gentillesse envers les autres sont toujours récompensés ; qu’on est bien chez soi, même si les voyages forment la jeunesse.

3) Histoire de la princesse Rosette : l’envie, la méchanceté et la jalousie mènent à bien des ennuis, tandis qu’une éducation féminine hautement intellectuelle alliée à un bon cœur mène à l’amour.

4) La Petite Souris grise : de la curiosité comme vilain défaut et des moyens de la vaincre seule.

5) Ourson : halte aux masculinistes meurtriers ; antispécisme ; antivalidisme ; combat de chars ; rétablir la justice sociale.

1858 : Les Petites Filles modèles : joyeuse communauté matriarcale ; possibilité de corriger l’éducation sadique donnée par la mère puis par la belle-mère.

1859 : Les Malheurs de Sophie : antépisode des Petites Filles modèles ; éducation sadique de la mère ; indifférence du père ; vitalité de Sophie ; l’exil hors de France est dur.

1859 : Les Vacances : suite du précédent ; les garçons ont le droit de pleurer et d’être peureux ; les filles ont le droit de courir, de sauter et de construire des cabanes, à égalité avec les garçons ; comment être un·e bon·ne parent·e.

1860 : Mémoires d’un âne : antispécisme ; méchancetés et tortures infligées aux animaux non humains par les humain·es.

1862 : La Sœur de Gribouille : vie d’une petite ville de province ; la charge mentale et physique des femmes qui s’occupent des hommes handicapés ; l’insertion difficile des handicapés dans la vie quotidienne.

1862 : Pauvre Blaise : comment convertir les méchant·es en bon·nes, par une heureuse influence ; racisme social versus paternalisme.

1863 : Les Bons Enfants : de la bonne éducation ; de l’imagination fertile des enfants quand elles et ils sont nourris de livres et d’expériences.

1863 : Les Deux Nigauds : vive la vie à la campagne (quand on est bourgeois) ; antiracisme ; du harcèlement scolaire et des moyens d’y remédier (ou presque) ; importance de l’éducation pour les filles et les garçons.

1863 : L’Auberge de l’Ange gardien : antimilitarisme ; antiracisme ; possibilité de corriger la mauvaise éducation (coups, famine, injures…) par une éducation en pension ; la recomposition familiale, c’est bien.

1863 : Le Général Dourakine : suite du précédent ; politique européenne ; les camps de travail en Russie ; antiracisme ; la méchanceté est toujours punie.

1864 : François le bossu : antivalidisme ; importance de donner une éducation aux filles et aux garçons.

1865 : Un bon petit diable : anticapitalisme ; possibilité de corriger la mauvaise éducation reçue et de devenir un honnête homme ; antispécisme ; antivalidisme ; anti-âgisme.

1866 : Comédies et proverbes :

1) On ne prend pas les mouches avec du vinaigre : quelle est la bonne, quelle est la mauvaise éducation ? Châtiments corporels, faire rapporter les enfants, leur faire inventer des actions méchantes non faites par les autres enfants ? Ou refuser la délation, les châtiment corporels ?

2) Le Forçat, ou à tout péché miséricorde : fumer tue ; exciter les autres contre un ex-prisonnier est de la lâcheté et de la méchanceté ; les prisonniers ont droit à une seconde chance.

3) Le Petit De Crac : des conséquences quasi mortelles du mensonge… masculin, pour les autres, surtout pour les filles ; et comment se guérir de l’habitude de mentir.

4) Les Caprices de Gizelle : tout céder à son enfant est-il bon ? ; des dangers de laisser des mineures aux caprices d’une enfant gâtée.

5) Le Dîner de Mademoiselle Justine : ah ma chère ne me parlez pas des domestiques, seuls ceux qui sont chrétiens sont corrects ; une comédie dramatique policière.

1866 : Jean qui grogne et Jean qui rit : qu’est-ce qu’un bon domestique ? qu’est-ce qu’un bon maître ? ; quand on voit le verre à moitié plein, ça aide à être heureux et à réussir son existence.

1866 : La Fortune de Gaspard : bon et mauvais capitalisme ; importance de l’école et des bibliothèques publiques dans la formation de l’individu·e ; mariage arrangé versus mariage d’amour.

1867 : Quel amour d’enfant ! : danger d’une éducation sans limites, cf. Les Caprices de Gizelle ; à quelque chose le malheur est bon.

1867 : Le Mauvais Génie : comment se débarrasser d’un mauvais ami ; apologie de la colonisation sur le continent africain ; le bon capitalisme ; le bon Anglais est celui qui s’installe en France.

1868 : Diloy le chemineau : du racisme social et des moyens de s’en corriger ; une bonne éducation  bourgeoise passe par l’exercice physique, pour les filles et les garçons.

1871 : Après la pluie, le beau temps : solitude des orphelines laissées aux mauvais soins d’hommes de leur famille ; harcèlement sexuel ; antiracisme versus paternalisme ; danger d’une éducation sans limites ; importance de l’éducation des filles ; femme aux affaires, bonheur dans la chaumière (dorée) ; situation politique italienne.

Source des dates de parution des œuvres : https://musee-comtessedesegur.fr/les-œuvres.html

 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Thématiques des romans de la Comtesse de Ségur », Voyages autour de mon cerveau, juillet 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/10979

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Etrange étranger, Peter et Eliott le dragon 1977 VADMC

Étrange étranger, Peter et Elliott le dragon 1977

Que peut-il se passer quand on s’installe dans un nouvel endroit ? Surtout dans une petite ville de province, où tout le monde se connaît depuis toujours et a du mal à accepter des étrangers. Le jeune Peter et son dragon Elliott en font l’expérience dans le film éponyme de Don Chaffey en 1977. Nous nous intéresserons ici à la première version française, avec le premier doublage et les paroles françaises de Pierre Delanoë, différente du film originel et de la seconde version française.

Acheté par la famille des Gogan (le père, la mère et les deux fils adultes), Peter est mal nourri, battu et accablé de corvées. Une créature, fantastique à tous points de vue, lui porte secours. C’est un dragon, Elliott. Géant, massif, le corps vert et la chevelure rose, il est le sauveur et le bon génie du jeune garçon. Elliott a également la particularité de se rendre invisible.

Sauveur d’enfants en détresse, comme la même année les souris Bernard et Bianca, il quittera Peter à la fin du film pour se rendre auprès d’un autre enfant. Entre-temps, le bon dragon aura trouvé une famille aimante pour Peter, aux confins de Passamocoidy.

Cette petite ville de pêcheurs accepte mal l’arrivée de ces deux étrangers. Peter est surnommé « l’enfant au dragon » et moqué, car Elliott, alors invisible, est considéré comme un produit de son imagination. Même Nora, jeune fille habitant avec son père âgé, Lampil, dans un phare, ne croit pas à l’existence d’Elliott. Après voir ramené Peter au phare, à l’abri, elle tente de le raisonner, de manière psychanalytique, en le rassurant sur son avenir, en lui disant qu’il n’a plus besoin d’un ami imaginaire.

Ce n’est pas un hasard si ce trio humain se trouve à vivre ensemble : Peter, parce qu’il vient d’arriver et qu’il doit faire ses preuves d’intégration ; Nora, parce que non mariée, fidèle à son fiancé perdu en mer et se débrouillant fort bien seule ; Lampil, parce qu’alcoolique, ne parvenant pas à persuader les habitants de Passamaquoddy de l’existence d’Elliott. La position surélevée du phare en fait un lieu à part, où le lien social est possible sans heurts, contrairement à la vie en ville. Et le film se clôt sur des vues aériennes du phare qui scintille.

On retrouve une trame similaire dans La Belle et la Bête (Gary Trousdale, Kirk Wise, 1991) : Belle et son père Maurice, un inventeur, habitent à l’écart du village et sont considérés comme anormaux par les villageois ; Belle finit par apprécier la vie retirée au château ; Maurice n’arrive pas à convaincre les villageois qu’une Bête retient sa fille prisonnière. Et Gaston, coq de village et méchant de l’histoire, n’y voit qu’un moyen de pression sur Belle, en faisant passer Maurice pour fou. Gaston sait très bien, aussi, monter les villageois·es contre la Bête, et contre Belle, une fois que cette dernière leur a prouvé l’existence de la Bête, qu’elle décrit comme inoffensif et gentil.

Dans Peter et Elliott, c’est l’infâme Docteur Terminus qui rassemble la colère des pêcheurs contre le dragon, qu’ils accusent de faire fuir le poisson. Terminus, charlatan de haut vol, s’abouche également avec les Gogan, qui veulent récupérer Peter et qui sont en rage contre Nora. La jeune fille, cheveux tirés et vêtue d’un pantalon noir à pattes d’éléphant, plus hippy que début du vingtième siècle, a protégé le garçonnet et leur a dit leur fait, dans la séquence chantée « Un acte de vente ». Nora tient tête aux quatuor d’affreux, sales et méchants, dont la partie masculine (le père et les deux fils) voudrait bien « se charger d’elle », comme ils le disent en se passant la langue sur les lèvres. La famille finit par tomber à l’eau, ce qui n’est pas une nouveauté pour l’actrice jouant madame Gogan, Shelley Winters, qui a déjà finit noyée dans Une place au soleil (A Place in the Sun, George Stevens, 1951). Mais l’acte de vente de Peter existe toujours, la menace Gogan n’est pas écartée. Le Docteur Terminus, lui, veut capturer Elliott pour le dépecer et le transformer en mixtures et autres philtres infâmes.

Que ce soit en 1977 ou en 1991, une figure masculine et malfaisante tente de nuire aux héros et héroïne, aidée par une quasi totalité d’hommes.

L’assistant de Terminus, Hoagy, lui, est terrifié par Elliott. Il l’envisage comme un monstre, à l’instar de Lampil. L’ancien marin entraîne son nouvel ami dans la grotte où vit Elliott. Réveillé en sursaut par l’irruption des deux alcooliques, le dragon est effrayé par la description que fait Lampil :

(…) une chose horrible, un monstre. (…) il est énorme, même qu’il fait quinze mètres de haut, avec des griffes partout, de quoi déchiqueter un homme en lambeaux (…) il a des yeux diaboliques qui voient à travers vous. (…) Un faciès si terrible qu’il y a de quoi en rester pétrifié. (…) Des flammes si puissantes qu’on y rôtirait une dinde. Une mâchoire terrible qui vous déchiquetterait un homme en entier.

Bien sûr, Elliott ne comprend pas qu’on parle de lui, puisque rien ne lui correspond, ni physiquement, ni psychologiquement. Comme tout bon raciste, Lampil exagère son idée de la différence (ici, différence d’espèce) pour se faire peur et faire peur à son alter ego. En outre, Lampil a ainsi du pouvoir sur quelqu’un et peut se sentir, enfin, important, lui l’ivrogne dont on se moque ou dont on a pitié. Dans la grotte, la terreur est à son comble de part et d’autre, puisqu’Elliott, angoissé, se rapproche des deux hommes, qui hurlent de peur en le voyant, à la confusion d’Elliott, qui se découvre horrible et terrifiant. Toujours pris dans leur délire raciste, Lampil a une idée : faire boire à Elliott la flasque de Hoagy. Si ce n’est que l’alcool fait cracher des flammes à Elliott, avant de l’épuiser. Lampil et Hoagy s’enfuient piteusement, ayant réussi à transformer le dragon en entité redoutable, collant à leurs fantasmes.

Il faut chercher du côté d’une femme, Nora, pour que le racisme soit dénoncé. D’un caractère bien trempée, Nora ne cède ni aux intimidations des Gogan (chassés au final de la ville par Elliott, après avoir brûlé l’acte de vente de Peter), ni à celles de Terminus (envolé avec Hoagy sous d’autres cieux), ni aux tentatives de harcèlement dont elle est l’objet de la part de certains hommes de Passamocoidy. Elle fronce les sourcils quand un garçon pousse une de ses camarades de l’école. De même, elle s’obstine à croire que son fiancé Paul est vivant, alors que son père lui conseille de faire son deuil et de passer à une autre histoire d’amour. C’est sa foi en Paul qui paye, puisque celui-ci revient, guidé par la lampe du phare, allumée par Elliott en pleine tempête nocturne. Nora, enfin convaincue de l’existence du dragon, qui s’est rendu visible, lui « fait une bise sur le bout du nez » (du menton). Confus et intimidé, Elliott tremble, balbutie et s’enfuit, à nouveau invisible. Et, le lendemain matin, Nora peut enfin se jeter dans les bras de son fiancé, sous l’œil attendri des pêcheurs, revenus à de meilleurs sentiments depuis qu’Elliott leur a apporté des bancs de poissons. Comme dans Vaiana (Ron Clements, John Musker, 2016), la survie de la communauté dépend de la pêche, sans que soient évoquées de possibles retombées écologiques.

Mais avant toutes ces bonnes actions, Nora, cheveux lâchés et vêtue d’une robe blanche à pois noirs, chante la fraternité et le bon accueil des immigré·es aux enfants de l’école de Passamoicoidy, dont Peter, qu’elle emmène en promenade sur le port :

Y’a du bonheur pour chacun au monde

Avec un semblant d’amour

Nous sommes tous solidaires au monde

Vivons en paix toujours

Car même un dragon a droit aussi d’avoir son chez lui

Mais sans haine, sans chaîne, il faut qu’il puisse vivre !

Laissez-lui sa part de chance !

Que sa maison ne soit jamais une prison ! (….)

Un dragon c’est un étranger qui recherche un ami (…)

Tout homme ici-bas a le droit de dormir sous un toit 

Le texte français instaure un équivalent entre dragon et humain étranger, dont l’hospitalité doit aller de soi. Pas de sans-logis dans cette ville ! C’est aussi un appel à la solidarité, au sein de la cité, autant vers 1900 qu’en 1977. Nora pousse les écolier·es, filles et garçons mêlés, à être plus intelligentes que leurs parents (encore que les mères soient quasiment absentes de la narration), tout en appelant à la paix sociale. Dans le contexte des années soixante-dix, en français, elle invite à la paix tout court, après des années de guerres coloniales, tant sur le continent asiatique qu’africain. Les jeunes générations, juchées sur des manèges, des balançoires et un mât de bateau, chantent en chœur, dans une unité joyeuse qui n’est pas sans rappeler le final de Grease (Randal Kleiser, 1978) un an plus tard :

Oh, comme ce ciel

Est plein d’espoir !

Chacun en a une part (…)

Donne aussi un p’tit peu de ton coeur

Les enfants bannissent le racisme de leur esprit et de leur âme, tout en s’ouvrant à l’autre. Adulte et enfants forment aussi une ronde, où Elliott, invisible, prend place. Symboliquement, elles et ils entourent l’immigré et le protègent de la « haine ». Venir à l’autre, c’est faire la fête avec lui.

Comme toujours chez Disney, au final, c’est le bonheur qui prédomine. Car, oui :

C’est une belle et chaude journée

Toute une vie de joie en quelques instants

Tant de belles et belles années commencent maintenant

Suivons le soleil en chantant !

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Étrange étranger, Peter et Elliott le dragon 1977 », Voyages autour de mon cerveau, juin 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9885

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Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Bouger solidarité 3 Bal Grand Bal VADMC

Bouger en solidarité (3) : Le Bal et Le Grand Bal

Que peut créer un groupe dansant ? De la chaleur humaine, de la beauté, mais aussi une forme d’utopie. Que ce soit dans Le Bal (Ettore Scola, 1983) ou dans Le Grand Bal (Laetitia Carton, 2018), danseurs, danseuses et musicien·nes nous emmènent dans un cocon festif.

Les deux films se posent dans un lieu unique : la salle de bal en sous-sol chez Scola, l’espace des tentes (de danse et de détente) à Gennetines dans l’Allier, au Grand Bal de l’Europe, chez Carton. On ne sort pas de ces endroits, sans que cela soit étouffant. Au contraire, la danse et les échanges charnels s’y déploient.

Jeux de regards (ou de non regards), jeux avec les glaces de la salle de bal, jeux avec les musicien·nes, jeux de lumière (diurne et nocturne), jeux musicaux, jeux de caméra et, pour Le Bal, jeux avec les références cinématographiques nord-américaines, italiennes et françaises : les spectateurs et les spectatrices sont aux anges.

Les rapports de sexe sont finement observés par le réalisateur et la réalisatrice, qui scrutent les corps et les attitudes. Dans Le Grand Bal, des danseuses interviennent face caméra pour témoigner de situation de harcèlement, et dans Le Bal, film musical et muet, on voit, au début du film, un homme mûr à l’aspect fuyant (corps courbé, regard en coin, imper flottant) forcer l’accord d’une dame âgée pour la danse, puis l’entraîner derrière une glace, avant que celle-ci ne parvienne à se dégager violemment. Et pendant ce temps, les autres couples continuent à danser…

De même, Le Bal examine et dénonce les rapports de classe (cf. notre article précédent sur ce film) et de race, ce dernier dans l’épisode 1956 de la Guerre d’Algérie. Là aussi, personne n’intervient quand le danseur immigré se fait tabasser par un nervi très pré-FN, et aucun·e danseur·se ne s’offusque qu’une des jeunes filles en organdi bleu refuse de danser avec cet homme immigré, sous prétexte de mal de cheville, alors qu’elle saute de joie à l’idée de danser avec un danseur aux cheveux gominés, deux minutes plus tard.

C’est d’ailleurs un des écueils du Grand Bal que de ne pas examiner les 99,99% de blancheur des danseurs et danseuses de Gennetines, ainsi que les homogénéité de classe (petite-bourgeoisie).

Cependant, les deux réalisations se rejoignent dans le regard amoureux qu’elles portent sur ces deux espaces, où les gens peuvent se donner la main, être ensemble, encore et encore, jusqu’au bout de la nuit. À vos pieds, prêt·es… dansons !

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Bouger en solidarité (3) : Le Bal et Le Grand Bal », Voyages autour de mon cerveau, janvier 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/7646

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Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Élisabeth Lacoin. Les traces vivantes du Chatfoin. Allemagne. Une Française à Berlin

Allemagne : 10 novembre 1928 – 2 février 1929

La dactylographie des documents de la partie se trouve ici.

Une Française à Berlin

Élisabeth Lacoin se dirige seule vers son exil germanique en novembre 1928. Aucun membre de sa famille ne l’accompagne, ni aucun chaperon. Même si la mentalité de la bourgeoisie française a évolué depuis la fin de la Première Guerre mondiale, les filles restent surveillées jusqu’à leur mariage. Jamais Zaza ne s’est trouvée seule à ce point et sur un aussi long temps. Il ne s’agit plus de se rendre à vélo chez ses cousins de Bayonne ou en voiture de Haubardin à Gagnepan, ou d’aller chercher des échantillons de tissus au Bon Marché et aux Galeries Lafayette parisiennes pour un rideau ou une robe.

Dix ans après la Première Guerre mondiale, ce séjour est destiné à l’éloigner de l’influence de la Sorbonne[1], c’est-à-dire d’un milieu qui analyse et pense le monde selon des grilles de lecture rationnelles, d’un groupe d’ami·es qui ne vit pas principalement par et pour la religion catholique. Le souhait de Zaza de poursuivre ses études au-delà de la licence reste en suspens, pour les mêmes raisons. En outre, une jeune fille faisant des études par goût et non pour pouvoir suivre les conversations de son futur mari et de leurs invité·es serait non mariable, car trop intellectuelle. Et les intellectuels sont suspects en France depuis l’Affaire Dreyfus. Et les intellectuelles encore plus, car penser les rendrait stériles de cœur, de corps et d’âme. Et quel mâle qui se respecte voudrait d’une épouse aussi cultivée et intelligente que lui ?

La soudaineté de ce séjour et la coupure nette avec sa famille et son pays, sinon son milieu social, fragilisent Zaza, qui reste d’autant plus attachée à sa mère qu’elle en est éloignée contre son gré. Si la jeune fille sait très bien se débrouiller au niveau pratique (se trouver une chambre moins chère que celle retenue, trouver des cours particuliers de français) et social (se faire rapidement de nouvelles connaissances et laisser tomber ses préjugés contre les Allemand·es), ses lettres et son agenda disent le manque de son entourage et de la routine à laquelle elle a été habituée depuis sa naissance.

1) Carte postale à Anmé sur le chemin vers Berlin, 10 novembre 1928 :

La carte postale, pour sa grand-mère maternelle Céline Darracq (dite Anmé), du samedi 10 novembre 1928, représente la place du marché (Markt) du huitième arrondissement de Cologne (Köln-Kalk). Le train français de Zaza y a fait halte. Elle y a mis à la boîte aux lettres un mot pour sa mère[2]. La carte postale, quant à elle, a été envoyée depuis Berlin, comme l’indique le cachet de la poste allemande. Par contre, les dates des deux cachets français sont effacées, on distingue seulement le mot « L’Adour », pour Aire-sur-l’Adour. Le timbre représente le philosophe Kant, l’éloignement de Zaza de la Sorbonne et du groupe de Beauvoir ne serait-il pas impossible ?

Le ton de Zaza est optimiste : elle ne cache pas le « cafard affreux » qu’elle a eu au moment du départ, mais elle souligne le beau temps qui règne à Berlin, ainsi que l’heureuse rencontre dans le train avec une Allemande, Fraülein Herbst[3], qui « se [met] très aimablement à [sa] disposition. »

©Association Élisabeth Lacoin

Cette francophile est un contact essentiel pour l’acclimatation germanique de Zaza, puisqu’elle va lui présenter et lui donner des adresses d’ami·es à Berlin, parmi lesquel·les Hans Miller, proclamé chevalier servant[4] de la voyageuse.

©Association Élisabeth Lacoin

Il n’empêche que la jeune fille éprouve le besoin d’écrire à sa mère et à sa grand-mère maternelle avant même d’être installée. Besoin de rassurer le côté maternel et féminin de sa famille ? De se rassurer ? De garder le lien avec les siens de manière habituelle et logique lors d’un voyage ? Sans doute, un peu tout cela. La rupture se fait donc, dans ce premier moment, avec Simone de Beauvoir et le milieu universitaire, comme le souhaite Marguerite Lacoin.

2) Lettre à Marie-Thérèse, 24 novembre 1928 :

Cette lettre de Berlin, écrite dans tous les sens, est adressée à Marie-Thérèse (dite Zon), moins de quinze jours après l’arrivée de Zaza dans la capitale de la République de Weimar, le samedi 24 novembre 1928.

©Association Élisabeth Lacoin

Le ton de la lettre est optimiste, avec de légères piques à l’encontre de sa sœur aînée :

Tout le monde me parle tellement de ton travail dans toutes les lettres reçues que je commence à craindre beaucoup pour ton index gauche et pour tes yeux ; mais je ne t’en suis que plus reconnaissante d’avoir quitté robes et fonds de plateaux pour m’écrire.

Nous retrouvons le goût pour les beaux-arts et la musique dont Zaza fait preuve depuis son enfance. Simone de Beauvoir évoque ainsi une visite au Louvre, pendant leur adolescence, en compagnie de Maurice Lacoin[6], ainsi que l’apprentissage du piano et du violon par Zaza[7].

©Association Élisabeth Lacoin

Zaza suit son chemin vers la découverte des usages urbains, en soulignant les différences entre la France et l’Allemagne, c’est-à-dire entre son milieu bourgeois parisien et landais et le milieu bourgeois berlinois. Zaza étend à un pays une manière d’agir (récente ?) entre filles et garçons :

Il est vrai que les coutumes d’ici ne pourraient guère exister chez nous, elles auraient immédiatement un tout autre sens. En France, la camaraderie jeunes gens, jeunes filles tourne naturellement au genre [mots illisibles]. Ici cela n’a rien à voir. Ces visages des jeunes allemandes [sic] qui vivent ainsi avec leurs amis masculins sont absolument dépourvus de toute coquetterie et leurs cavaliers ont toujours l’air sérieux et corrects comme des premiers ministres.

L’étrangère analyse le calme et l’absence de trouble sexuel des femelles et mâles germaniques, contrairement aux femelles et mâles français. La mixité allemande dans l’espace public, ici au restaurant, n’est pas source de rapports érotiques et la séduction est ignorée du côté des Allemandes. Zaza relie cette attitude à « l’étonnement des petites américaines [sic] des de Neuville », c’est-à-dire à la perplexité des habitantes de pays protestants devant les affèteries des femmes des pays catholiques vis-à-vis des hommes. Ce cliché des voyageurs et des voyageuses des deux religions se retrouve encore aujourd’hui dans la perception de l’égalité femmes-hommes : « galanterie latine » (harcèlement sexuel) d’une part, « puritanisme anglo-saxon » (franchise et simplicité des rapports femmes-hommes) d’autre part.

3) Lettre à Geneviève, 5 décembre 1928 :

Cette lettre, dont l’original a été perdu, du mercredi 5 décembre 1928 est adressée à Geneviève (dite Bichette), l’une des jumelles. Zaza fait le point sur sa situation personnelle, après avoir encouragé sa sœur par rapport à ses futurs résultats scolaires. Elle égratigne au passage la passion de ses proches pour la « vente de Raoux ». Nous n’en savons pas plus : s’agit-il d’une vente de charité de la directrice de cette institution où Zaza enseignait[8] ? La jeune fille s’agace de l’intérêt pour ce fait mondain, qui focalise l’attention de sa famille.

Pour autant, elle songe à gâter ses trois dernières sœurs et frère. Geneviève, dix ans, est ainsi chargée de l’importante mission de faire le lien entre Zaza, sa jumelle Françoise (Bichon) et Vincent (Raton), neuf ans : « (…) ce qui leur ferait le plus plaisir (un livre allemand ? un sac ? une boîte de chocolats ? un jouet berlinois ? un plumier ?). » L’ex-pays ennemi est devenu un réservoir à cadeaux. Le spectre est vaste, entre nourriture sucrée, fourniture scolaire, accessoire de mode, joujou, ouvrage. Pas de refus de la langue de l’autre chez Zaza, au contraire, elle souhaite diffuser la culture germanique auprès des siens, tout en leur faisant plaisir avec des cadeaux venus d’ailleurs.

©Association Élisabeth Lacoin

La lettre montre la progression de Zaza dans son installation à Berlin. Si, dans son courrier à Marie-Thérèse du 24 novembre, elle se lamente de la difficulté à suivre une heure trente de cours en allemand, c’est d’une jeune Française vivant à Berlin dont elle se plaint, une douzaine de jours plus tard. Zaza loue la gentillesse et la simplicité des Allemandes qu’elle croise. Ces relations amicales débouchent professionnellement, puisqu’elles lui procurent des cours de français à donner dans deux familles allemandes « tout à fait charmantes, les “Bertels”et les “Brünner”, ce qui me fait mieux en mieux connaître la vie de Berlin. » Zaza est curieuse des autres et de la vie quotidienne des gens qu’elle côtoie. Elle refuse de s’enfermer dans un cercle mondain et uniquement français. Les liens avec son chevalier servant Hans Miller, rencontré le mercredi 19 novembre[9], sont déjà assez forts pour que sa famille signe une carte pour la famille Lacoin et pour avoir des conversations suivies avec son père sur la littérature française moderne[10].

4) Lettre à sa mère, 22 décembre 1928 :

Cette lettre du samedi 22 décembre 1928 est adressée à sa mère, sur du papier à en-tête de l’hôtel Esplanade à Berlin, situé à l’ouest de la ville, rue Bellevue, deux noms qui sonnent français. En cette avant-veille de Noël, Zaza a acheté ses présents pour les Miller chez Kayser : « (…) bien entendu, le seul magasin de Berlin où les gens chics puissent choisir leurs cadeaux. » Elle prend de la distance avec le snobisme mondain par un humour léger. La jeune Française est totalement acceptée par les Miller, elle passera la soirée du lundi 24 décembre en leur compagnie. Que de chemin parcouru depuis Le Cocorico et ses dessins contre les « Boches ». Le séjour sur place et, surtout, la fréquentation quotidienne des autochtones a ouvert les yeux de Zaza et a fait son œuvre d’antiracisme.

©Association Élisabeth Lacoin

Il n’empêche que le manque de sa famille, particulièrement de sa mère, est ressenti avec douleur :

Je voudrais être auprès de vous et vous aider à empaqueter les mandarines et  petits objets que le Petit Jésus doit mettre dans les souliers. Maman chérie j’espère bien avoir de vous demain matin une lettre m’annonçant votre arrivée, je ne pense plus qu’à cela. J’aurai vu ici des choses curieuses et appris l’Allemand [sic] et l’Allemagne, mais le plus beau jour de mon voyage ma petite maman tant aimée sera celui du retour, celui où je vous retrouverai définitivement. (…) vous maman chérie je vous aime trop, et je me serre contre votre cœur à me faire mal.

Votre petite Zaza

Notons que le vieil homme barbu vêtu de rouge et blanc n’a pas encore fait son apparition au sein des familles catholiques et que c’est l’enfant Jésus qui récompense les bons sujets.

©Association Élisabeth Lacoin

Le cordon ombilical n’est pas coupé par la jeune fille, projetée seule dans un univers étranger, suite à un départ qu’elle n’a pas voulu. Les termes utilisés sont forts. Ils expriment le désarroi et le sentiment de solitude de Zaza, qui infantilise sa mère puis elle-même, pour mieux se faire dorloter et plaindre. La voyageuse laisse de côté les bénéfices de son éloignement familial en ne visant que son départ d’Allemagne. Elle ne retient que le manque de sa mère, non l’apprentissage de l’indépendance, sinon de la liberté.

5) Télégramme à sa famille, 24 décembre 1928 :

Ce télégramme de Zaza à sa famille au 5bis rue de Berri, Paris Huitième, est daté du lundi 24 décembre 1928, envoyé à 16h25 heure allemande : « Joyeux Noël tendresses ». Jusqu’au dernier moment avant les fêtes de fin d’année la jeune fille pense aux siens. Pensons que ce bout de papier a presqu’un siècle et qu’il est intact. Songeons également que l’année d’après, en 1929, Zaza n’était plus là pour fêter Noël.

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6) Carte postale à Marie-Thérèse, 27 décembre 1928 :

©Association Élisabeth Lacoin

Cette carte postale du jeudi 27 décembre 1928 est adressée à sa sœur aînée Marie-Thérèse. La légende de la carte postale indique : « Herzlichen Glückwunsch zum neuen Jahre », soit « Meilleurs vœux de bonne année[11] » La carte représente des chat·tes noir·es anthropomorphiques dans un salon aux murs jaunes, au sol rouge clair et au canapé bleu avec un coussin jaune dans le coin droit. Au mur de la pièce, un portrait de chat jaune. Dans les coins droit et gauche, des branches de houx pendent, ainsi qu’une branche de gui dans le coin droit. Les chat·tes, souriant·es, qui ont soit un ruban rouge soit un ruban jaune au cou, ont tous et toutes une activité différente : jouer de la clarinette, se cacher sur le côté gauche du canapé, se poster devant le canapé en position d’attaque pour rire, faire ses griffes sur le canapé, s’enlacer à deux contre le coussin jaune, danser à deux, courir l’un après l’autre. Ces dix félins pourraient tout à fait représenter la famille Lacoin : Marguerite et Maurice sur le canapé, leurs huit enfants autour d’eux, moins Zaza.


©Association Élisabeth Lacoin

C’est ce qu’indique Zaza à sa grande sœur : « Cette carte dont le symbolisme est délicieux, il y a juste huit petits frères chats autour de l’heureux couple (…). » Après les vœux de Noël, vient le temps de l’année civile à venir. Le ton de la carte est volontiers léger, mais le choix du sujet, outre qu’il est choisi pour l’amour des chat·tes de Marie-Thérèse, révèle le manque criant de Zaza vis-à-vis de sa famille.

La jeune exilée déborde d’attente quant à l’arrivée de sa mère : « (…) je me dis avec un débordement de joie que maman va bientôt arriver. » L’exaltation est de mise, montrant en creux le sentiment de solitude où Zaza est plongée. Rien ne semble la détourner de son attachement profond pour sa génitrice.

7) Les Lettres de Mozart, s.d. : 

Ce volume des Lettres de Mozart est annoté de la main de Zaza, avec un ajout ultérieur au crayon de son dernier frère, Vincent, sur l’époque du cadeau et l’appartenance à sa sœur, dont il marque la date et le lieu de décès.

©Association Élisabeth Lacoin

C’est un cadeau de Noël (« Weihnachten ») 1928, de Monsieur Curtius, son logeur à Berlin, en référence au goût de Zaza pour la musique.

©Association Élisabeth Lacoin

C’est Zaza qui a choisi de quitter la pension non mixte où sa mère l’avait inscrite et de s’installer chez l’habitant. L’intégration de Zaza à Berlin se fait sur le mode familial : les Curtius, les Miller. Elle passe de cocon en cocon, avec quelques moments de solitude qui ne lui plaisent guère. Au final, elle n’est pas plus seule qu’à Paris, puisqu’elle passe de cours à l’université à des rendez-vous avec Hans Miller et d’autres Allemand·es, pour finir sa journée chez les Curtius.

8) Lettre à Germaine, 31 janvier 1929 :

©Association Élisabeth Lacoin

Cette carte postale du jeudi 31 janvier 1929 est adressée à sa sœur Germaine. Elle représente une salle de restaurant élégant, avec une verrière et une baie vitrée. Le recto représente des clientes qui sont en robe de couleur dos nu, des clients qui sont en habit de soirée noir, chemise blanche et nœud papillon noir. Un groupe de danseuses classiques, en tutu doré, évolue sur une scène minuscule, en bas à droite. Ou sont-ce des danseuses de music-hall ? Le verso porte le message de Zaza, ainsi qu’un mot signé Hans Miller et un autre de Toni Miller, sœur de Hans. Nous invitons les descendant·es de Hans et de Toni Miller à se faire connaître auprès de nous.

©Association Élisabeth Lacoin

Ces ajouts tête-bêche par rapport au message de Zaza, en haut du verso, montrent la familiarité qui s’est instaurée entre les jeunes gens de part et d’autre du Rhin. Sans compter que les Miller se sont vite acclimatés à la mise en page très libre des Lacoin. Ou serait-ce un effet secondaire des verres de « vin du Rhin » absorbés avec libéralité ?

Cette légère ivresse aurait-elle pour conséquence le joyeux mélange d’allemand et de français dans le texte de Mademoiselle Élisabeth Lacoin ?

« Je suis dans un “lokal echt” berlinois où je fais mon dernier Bümmel Abend. »

Soit :

« Je me trouve dans un endroit typiquement berlinois où je passe ma dernière soirée décontractée en flânant, ma tranquille soirée d’adieu[12]. »

Zaza part pour la France trois jours plus tard, le samedi 2 février, mais elle éprouve le besoin d’écrire encore et encore à sa famille. Le message est contrasté :

« Il faut bien abuser d’une liberté que je vais bientôt perdre. »

« Je me rappelle encore que dimanche je serai avec vous et je suis folle de joie de te revoir. »

Zaza oscille entre bonheur de se retrouver chez elle, parmi les siens, et lucidité quant à ce qui l’attend, à savoir une contrainte de chaque instant, malgré sa majorité toute neuve, qu’elle a fêtée le vingt-quatre décembre 1928 : « J’ai 21 ans ce soir, Maman, mais je me sens si peu d’indépendance ! Et j’ai besoin de vous comme si j’avais six mois[13]. » Depuis lors, rien n’a évolué, Zaza voit toujours avec netteté qu’elle est dépendante de son amour pour sa mère, même s’il peut lui peser.

Son séjour s’achève avec de nouvelles amitiés de type familial.

9) Le Sachs-Villatte, s.d. :

Le dictionnaire encyclopédique de Sachs-Villatte, en deux volumes, est une coproduction franco-germanique, dont la première édition date du dix-neuvième siècle. L’annotation de la main de Zaza est postérieure à son séjour. Nous sommes jeudi « 14 février 1929. Retour de Berlin ». A-t-elle acheté ces usuels pour continuer à échanger en allemand avec Hans Miller et ses autres correspondant·es germaniques ? Cet achat témoigne d’un intérêt constant pour le pays et les personnes qu’elle vient de quitter. Ce voyage de près de trois mois a fait tomber les préjugés de Zaza envers les vaincu·es du premier conflit mondial et lui a permis de goûter à l’ailleurs sans que ses parents y soient trop présents, même s’ils se sont inquiétés de leur fille et qu’ils lui ont rendus visite. Maurice Lacoin fait le déplacement Paris-Berlin du seize novembre au dix-neuf novembre 1928. Marguerite Lacoin y reste du vingt-huit décembre 1928 au trois janvier 1929. Ils prennent soin d’espacer leurs visites d’un mois afin de rompre l’isolement de leur fille, en divisant les trois mois du séjour de Zaza en trois parties égales.

©Association Élisabeth Lacoin
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L’exil à Berlin imposé par ses parents tourne presqu’à l’avantage de Zaza. Sa curiosité et son allant la poussent à aller vers des autochtones plutôt que de rester enfermée dans un milieu franco-français. Elle fréquente également l’université germanique, alors que sa mère souhaitait l’éloigner de la Sorbonne, ce qui est paradoxal. Ou est-ce surtout de Simone de Beauvoir l’athée que venait le danger pour Zaza, selon Marguerite Lacoin, plus que de l’université parisienne ? Il n’empêche que Zaza s’intègre bien au sein de la culture berlinoise, malgré son extrême solitude morale. Celle-ci l’empêche de se sentir totalement à son aise et de prendre son élan pour se rendre indépendante de sa famille et de son amour débordant pour sa mère. Son humour et sa vivacité restent tangibles cependant dans ses épîtres, où Zaza continue à griffer légèrement untel ou unetelle, à Berlin ou en France, tout en se souciant des siens. Zaza est une bonne personne.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Élisabeth Lacoin. Les traces vivantes du Chatfoin. Allemagne. Une Française à Berlin », Voyages autour de mon cerveau, mars 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=3046


[1] Élisabeth Lacoin, Correspondance et carnets d’Élisabeth Lacoin (1914-1929), Paris, LHarmattan, 2004, p. 85.

[2] Ibid., p.148.

[3] Ibid., p. 164.

[4] Ibid., p. 146.

[5] Auteur d’une étude sur le peintre toscan : Edmund Hildebrandt, Leonardo de Vinci. Der Künstler und sein Werk, G. Groteche Verlagsbuchhandlung, Berlin, 1927.

[6] Simone de Beauvoir, Mémoires d’une jeune fille rangée, Paris, Gallimard, « Folio », 1999,  p. 334.

[7] Ibid., p. 332.

[8] Élisabeth Lacoin, Correspondance et carnets d’Élisabeth Lacoin (1914-1929), op. cit., p. 84.

[9] Ibid., p. 166.

[10] Cf. aussi Ibid., p. 170.

[11] Traduction personnelle.

[12] Merci à Philippe Devaux et à Dominique Le Masne pour leurs traductions des termes allemands.

[13] Élisabeth Lacoin, Correspondance et carnets d’Élisabeth Lacoin (1914-1929)op. cit., p. 187.

Tiphaine Martin

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