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Folle Embellie et Folles de joie VADMC

Folle Embellie et Folles de joie : la force de vivre

Que représente la folie féminine au cinéma ? Une révolte et/ou une fuite de l’autorité patriarcale ou une névrose bien hystérique, c’est-à-dire issue des ovaires, donc biologique, donc impossible à guérir et non imputable à la société ?

Les cinéastes de Folle Embellie et Folles de joie ont choisi la première alternative, ce qui leur permet également d’ausculter l’époque où se déroule leur long-métrage. Qu’il s’agisse de la France de l’exode de juin 40 (Folle Embellie, Dominique Cabrera, 2004) ou de l’Italie de 2016 (Folles de joie, La Pazza Gioia, Paolo Virzi, 2016), la situation politique et économique est problématique, et les marginaux sont exclus de la roue capitaliste, sans aucune surprise.

La condition des gens considérés comme fous est cependant plus dure, au vu de l’époque1, dans Folle Embellie. Au début du fils, la caméra s’attarde brièvement sur des lits en plein air, où des malades sont enchaînés, criant leur souffrance. Est-ce sous l’effet de l’affolement général que personne ne s’en occupe, ou est-ce l’habitude ? Les conditions matérielles des asiles n’étaient pas si brillantes, ni les traitements administrés, pas si évolués depuis le dix-neuvième siècle2. Quant à la psychanalyse, freudienne ou non, sa pénétration est lente en France3. D’où l’état d’hébétude et/ou de violence de l’ensemble des patient·es de Folle Embellie. Le petit groupe qui s’échappe (mère, père, fils, et deux sœurs, une femme et un homme) ne sort pas indemne de sa liberté retrouvée pour autant, à l’instar de Beatrice et de Donatella dans Folles de joie.

Pourtant, ces deux femmes ont des conditions de vie optimales dans leur enfermement : médecin·es, psychiatres qui sont à leur écoute, minimum de médicaments, des travaux encadrés peu contraignants à l’extérieur de la structure hospitalière, qui se trouve dans la campagne, une liberté de mouvements à l’intérieur. Ce n’est pas un paradis, mais un endroit où les souffrances sont entendues et prises en compte au maximum, contrairement à ce qui se déroulait dans la plupart des instituts psychiatriques jusque dans les années soixante, comme on le voit dans le film fleuve Nos meilleures années (La Meglio Gioventù, Marco Tullio Giordana, 2003).

C’est que, la liberté, oui, mais pour en faire quoi ? Donatella (Micaela Ramazotti) veut reprendre son fils, que l’assistance publique lui a ôté, après qu’elle a tenter de se noyer avec lui. Beatrice (Valeria Bruni Tedeschi) souhaite reprendre son existence confortable de grande bourgeoise proche de Berlusconi et des politiques qui ont mis l’Italie à genoux, tout en jouant avec le corps des femmes4.

Côté français, Hélène (Yolande Moreau), suit ses compagnes et compagnons, sans poser de questions, enfermée dans son univers, mais souriant aux autres, tout comme Florent (Philippe Grand’Henry). Colette (Maryline Canto), une jeune femme, et sa sœur cadette Lucie (Julie-Marie Parmentier) se libèrent progressivement de leurs miasmes de mal-être, de timidité, de manque de confiance en elles et, pour Lucie, de mutité. Les entraves liées à une éducation féminine type tombent alors. Quant à Alida (Miou-Miou), elle a simplement suivi son mari Fernand (Jean-Pierre Léaud) à l’asile, lorsque celui-ci y a été enfermé pour démence. Elle n’a pas de séquelles du harcèlement sexuel qu’elle a subi dans sa jeunesse, lorsqu’elle était domestique chez des bourgeois. On apprend à la fin du film son ascendance italienne, par une chanson qu’elle entonne afin de remercier la fermière de l’avoir recueilli avec sa famille et ses compagnes et compagnon de voyage. Son fils Julien (Morgan Marinne), presque adulte, protège sa mère des violences subites de son père et tente de construire sa propre vie.

Par conséquent, se trouver loin des médecin·es et des murs des structures psychiatriques devrait aboutir uniquement à d’heureux résultats, notamment pour les femmes, qui ne sont plus sous surveillance patriarcale.

C’est ce qui se passe pour presque toutes, sauf Hélène, qui accepte la condamnation à mort imposée par Fernand. Elle se pend dans la cour d’une ferme abandonnée. Colette et Lucie rejoignent la vie normale par la fréquentation d’autres personnes que les malades de l’asile et par le trajet qu’elles accomplissent avec leur groupe, spatial donc mental, et trouvent chacune un petit ami, Julien pour Colette, le fils de la fermière, pour Lucie.

Alida, après s’être libérée, pour quelques jours, de la présence de son mari, connaît une sexualité heureuse avec un batelier, Moïse (Gabriel Arcand), avant de reprendre la route et de recroiser Fernand et de s’installer dans une ferme tenue par la patronne, qui a besoin de bras et qui tient à conserver Alida, Lucie et Julien, qui se sont bien intégrés. Un retour à la terre bien différent que celui imaginé et imposé ensuite par le maréchal Pétain.

Ce n’est qu’à la fin du film qu’elle affronte son époux et refuse de réintégrer le foyer-asile conjugal. Alida protège également Julien du même sort. Elle lui conseille de faire sa vie loin de Fernand – et d’elle. Alida offre la liberté à son fils tout autant qu’à elle-même.

De même, c’est Beatrice qui convainc Donatella de s’enfuir de leur structure psychiatrique et qui l’aide à retrouver son fils, adopté par un couple. La volubilité de Beatrice et sa faconde font sortir Donatella de son mutisme et de son désespoir. Elle lui donne la force d’affronter ses nombreux problèmes qui l’ont conduit à tenter de se suicider avec son fils. Et, par conséquent, de laisser son enfant dans sa nouvelle famille. De son côté, Donatella apaise Beatrice et lui fait trouver moins insupportable leur retour dans la structure psychiatrique, loin de l’Italie à peine sortie de l’ère Berlusconi, c’est-à-dire dans un monde extérieur bien plus dur et violent que là où elles ont été placées.

La force de vivre soutient l’ensemble de ces femmes, à une exception près. Elles luttent contre des systèmes politiques qui les oppriment car ne voulant pas les écouter, ni les aider à sortir de leurs maux, provoqués par ledit système. Un cercle vicieux dont seule la sororité les sort. Debout pour la vie !

 

1 Isabelle von Bueltzingsloewen, « Les “aliénés” morts de faim dans les hôpitaux psychiatriques français sous l’Occupation », Vingtième Siècle. Revue d’histoire, 2002/4 (no 76), p. 99-115. URL : https://www.cairn.info/revue-vingtieme-siecle-revue-d-histoire-2002-4-page-99.htm

2 Fanny Le Bonhomme, Anatole Le Bras , « Les institutions psychiatriques en Europe, XIXe-XXe siècles », Encyclopédie d’histoire numérique de l’Europe [en ligne]. URL : https://ehne.fr/fr/node/14132

Hervé Guillemain, « Le soin en psychiatrie dans la France des années 1930 », Histoire, médecine et santé [En ligne], 7|printemps 2015. URL : http://journals.openedition.org/hms/804      Cf. aussi Elisabeth Roudinesco, Histoire de la psychanalyse en France, Paris, Seuil, 1994. 2 tomes.

 4 Lorella Zanardo, Il Corpo delle Donne, Universale Economica Feltrinelli, 2010.

 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Folle Embellie et Folles de joie : la force de vivre », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/7297

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Un souffle d’aventures au féminin : La Tulipe noire de Christian-Jaque

C’est la seconde fois que le réalisateur français Christian-Jaque s’intéresse à l’horticulture en compagnie du dialoguiste et scénariste Henri Jeanson. D’abord, en 1950, ils ont commis, de concert avec Gérard Philipe et Gina Lollobrigida, Fanfan la Tulipe, réjouissant concentré d’antimilitarisme sur fond de républicanisme bon teint, sans oublier les références aux Trois Mousquetaires d’Alexandre Dumas. La Tulipe noire, film de 1964, est dans la même veine, quoique sans aucun rapport avec La Tulipe noire de Dumas (1850), qui se passe en Hollande au dix-septième siècle.

Les allusions à Fanfan la Tulipe se retrouvent aussi dans les scènes d’attaques de carrosse des nobles et de la police, avec des cadrages de type western (par exemple La Chevauchée fantastique de John Ford), similaires dans les deux films. Sachant aussi que La Tulipe noire peut être vue a posteriori comme un western-spaghetti à la française, le premier western de Sergio Leone étant justement de 1964 .

De même, nous retrouvons dans La Tulipe noire l’apprentissage sentimental du héros Julien – Julien comme Julien Sorel, incarné en 1954 pour Claude Autant-Lara par Gérard Philipe, héros stendhalien également chez Christian-Jaque en 1948 dans La Chartreuse de Parme. Ou Julien comme la sensible Julie de La Nouvelle Héloïse de Jean-Jacques Rousseau, amoureuse de Saint-Preux, patronyme de Julien et de son frère aîné Guillaume dans La Tulipe noire.

Car il s’agit d’abord d’un combat entre deux prénoms masculins, donc deux manières d’envisager la virilité : d’une part le très macho Guillaume – comme Guillaume le Conquérant au Moyen Âge ? -, d’autre part le doux Julien, tout acquis aux idées des Lumières, qui sont présentées comme tendant vers l’égalité femmes-hommes, ce qui reste par ailleurs à prouver.

Guillaume (Alain Delon) trousse, avec leur consentement, nobles dames et femmes de chambre. Julien (Alain Delon) fait les doux yeux à une jeune fille du peuple, Caroline Plantin (Virna Lisi), et souhaite l’épouser. S’il couche avec une aristocrate, maîtresse de son frère, c’est à son corps défendant et suite à un malentendu. Et aussi pour montrer au spectateur et à la spectatrice de 1964 qu’Alain Delon est autant viril dans un rôle que dans l’autre. Et c’est Guillaume le macho qui meurt à la fin du film, tandis que Julien, sous le nom de Guillaume, s’en va en dansant avec sa dulcinée, fille de Plantin le révolutionnaire.

Plantin (Francis Blanche) incarne avec ferveur et saveur un homme du peuple prêt à donner son sang pour que triomphe la liberté, l’égalité et la fraternité. D’abord aux Amériques avec Lafayette, comme il le déclare avec fierté, dans la guerre d’indépendance des Anglais, fraîchement arrivés en terres amérindiennes, contre le Royaume-Uni. Puis dans le Sud-Est de la France en ce bel été 1789, en compagnie de Julien de Saint-Preux. Ou est-ce ce dernier qui l’a accompagné pour faire entrer le « 19 Juillet 1789 dans les livres d’histoire », comme Plantin le demande à sa « libellule », une femme du peuple de son âge, à la fin du film ? Peu importe au fond, puisque, hélas, c’est une fois de plus une date parisienne qui a été retenue, celle du 14 Juillet…

L’œil de Francis Blanche frise de joie quand il doit se conduire en chef de guerre, tout comme lorsqu’il sanglote dans les bras de son pire ennemi, le prince de Grassillac de Morvan-Le-Breau (Robert Manuel). On pense bien sûr à son rôle d’agent secret soviétique dans Les Barbouzes de Lautner (1964) ou de sympathique gangster dans Les Tontons flingueurs (Lautner, 1963), jamais en reste de démesure – et de misogynie, comme dans la fameuse scène de la cuisine.

Mais ce qui nous intéresse ici est son côté paternel. Comme son homonyme Plantin (Charles Aznavour) dans Paris au mois d’août (Pierre Granier-Deferre, 1964, d’après René Fallet), Plantin-Blanche entretient de bons rapports avec sa fille chérie, Caroline. Foin du déshabillé ravageur de Martine Carole (égérie des films Caroline-chérie et épouse de Christian-Jaque, qui la fait aussi tourner dans son Nana d’après Zola en 1955). Place à l’épée et à la « botte secrète » – Lagardère nous voici – héritée d’un ancêtre mousquetaire, Porthos. Ou comment rejoindre A. Dumas par la pointe du fleuret.

Ou plutôt, de la rapière, car l’histoire de Caroline Plantin ressemble furieusement à celle de la Béatrice de Georges Chaulet dans le roman jeunesse Une rapière pour Béatrice (1963) : même absence de mère, comme toujours opportunément morte en couches ; même regret des pères de ne pas avoir eu de fils ; même éducation genrée (habits masculins, liberté de ton et de manière, goût pour les armes). Et même rapport filial aux Trois Mousquetaires, dont la trilogie des Béatrice s’inspire à larges traits et avec plus ou moins de bonheur.

Caroline n’a pas froid aux yeux, elle n’hésite pas à se battre, en pantalon et chemise aux manches retroussées, pour défendre ses idées républicaines et pour empêcher le prince deGrassillac de mener son armée de mercenaires à Paris en juillet 1789, afin de massacrer les Parisien·nes en révolte contre l’autorité royale. Elle n’a pas besoin de Julien pour la défendre. Elle échappe à la rafle qui voit Julien et Plantin être faits prisonniers, puis torturés, puis, pour Julien, être condamné à la pendaison. Elle brave le peloton qui entoure le gibet pour crier son amour à Julien et se fait, à son tour, arrêter.

Le macho Guillaume, qui a pris la place de son jumeau qu’il a fait évader, regrette d’ailleurs de ne pas savoir qui elle est, lui qui est habitué aux conquêtes faciles mais sans tendresse. Sa seule véritable affection est pour son cheval Voltaire, qui vengera d’ailleurs la mort de Guillaume en poursuivant le lieutenant-général de police (Adolfo Marsillach), un des responsables de la traque puis de la pendaison de Guillaume, jusqu’à ce que celui-ci se noie, le tout sur le fond allègre de la musique de Gérard Calvi.

Après leur première rencontre, Caroline défie Julien à l’épée et s’y montre plus habile que lui. Et elle lui réclame le gage promis, soit un doux baiser ; ce qui fait hurler au « droit de cuissage » son père, surgi sur ses entrefaites. Caro lui explique alors que les temps féodaux sont abolis, que c’este elle qui a embrassé Julien, et vive l’égalité amoureuse ! Tout cela ne mène pas bien loin et reste pudique et centré sur l’amour, mais nous sommes dans le cadre d’un film familial des années soixante, et qui aurait pu imaginer le déferlement de la deuxième vague des mouvements féministes français six ans plus tard ?

Certainement pas le scénariste ni le réalisateur, qui en restent à un mélange amour-politique assez basique, mais qui détonne tout de même dans le paysage cinématographique français de l’époque. Les réalisateurs de la Nouvelle Vague ont beau avoir rajeuni et rafraîchi les films, leurs sujets restent au « masculin singulier », comme le démontre Geneviève Sellier dans son ouvrage de 2005, paru aux Éditions du CNRS. Et leur vision de « la » femme reste patriarcal. Même Truffaut dans son adaptation de Jules et Jim (titre doublement masculin, film de 1962) reste tributaire de la morale du livre et de son époque : Catherine (Jeanne Moreau) se débat pour être une libre amoureuse, mais elle est coincée dans le regard des hommes, qui en font un mythe et non une femme qui tente d’exister hors de la morale traditionnelle. Et elle n’a pas de travail hors son foyer, elle est inconstante et capricieuse. Elle fait périr Jim (Henri Serre) avec elle, sans se soucier de Jules (Oskar Werner) et de leur fille Sabine (Sabine Haudepin).

Au contraire, Caro revendique des idéaux politiques et agit pour plus d’égalité, de liberté et de fraternité. Ses habits masculins ne sont pas un déguisement, mais une utilité et un confort pour les batailles à mener. Même en robe de mariée, elle sauve Julien en retenant la bride de son cheval Tambour, ce qui lui permet de retarder, puis d’annuler, son mariage avec son fiancé d’alors. Et donc de quitter sa robe blanche, son voile blanc pour une robe sobre.

La fin du film, optimiste, permet aux femmes de s’en sortir : Caro grâce au peuple venu la délivrer de sa prison, la marquise (Dawn Addams) en forçant la porte du carrosse du prince de Grassilac, qui l’emmène hors de France. Le scénario ne la condamne pas à mort mais à l’exil, contrairement à son mari, pendu, au lieutenant-général de police, noyé, et à d’autres hommes nobles et aux fermiers généraux, tués par le peuple en révolution. La marquise sait se sortir d’une situation dangereuse en changeant de protecteur. Le récit respecte le sort traditionnel des femmes aristocrates, qui sont pieds et poings liées par leur dépendance financière.

Et Henri Jeanson et Christian-Jaque ont préféré focaliser l’attention des spectateurs et des spectatrices sur le couple Caro-Julien, qui danse et danse et danse en musique dans cette période heureuse d’abolition des privilèges en tout genres.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Un souffle d’aventures au féminin : La Tulipe noire de Christian-Jaque », Voyages autour de mon cerveau, mai 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=5315

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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