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Virgile et Garbo VADMC

 Virgile et Garbo

Au chant IV de L’Énéide (Ier siècle av. J.C.), la reine de Carthage, Didon, découvre que son amant, le Troyen Énée, vient de l’abandonner pour partir à la conquête de l’Italie. Plutôt être le premier dans Lavinium (la cité qu’il va construire après avoir établi son autorité du côté de la future Rome) que le second à Carthage. On est un homme, un vrai, ou on ne l’est pas. Énée choisi l’ingratitude vis-à-vis de Didon, qui l’a recueilli après sa fuite de Troie (en Turquie actuelle).

Pas question d’égoïsme masculin, bien au contraire, dans La Reine Christine (Queen Christina, Rouben Mamoulian, 1933). Au dix-septième siècle, le bel ambassadeur Antonio Pimentel de Prado (John Gilbert) est dévoué, corps et âme, à la souveraine de Suède, Christine (Greta Garbo).   Au vu de cette passion, qu’elle partage, la reine décide d’abdiquer. Sam Behrman et Salka Viertel, les scénaristes, inventent ainsi une histoire d’amour plutôt que des raisons politiques à ce geste. Une femme ne peut être que dirigée par ses sentiments, et non par sa raison, ce serait si peu conforme au sexisme occidental du vingtième siècle.

Didon et Christine ont pourtant un autre point commun, outre leur souveraineté, à savoir leur rapport charnel aux souvenirs de leur amant. Didon se repaît de douleur en embrassant les reliques abandonnées par son amant et se suicide sur le lit de leurs ébats.

Christine, quant à elle, dans une scène passée à la postérité cinéphile, touche chaque accessoire de la chambre où elle passe la nuit avec Antonio, avant de s’étendre sur le lit. Outre le phallisme (grains de raisin, bougie, fuseau du rouet, polochon, colonnes du lit) des objets contre lesquels Christine se presse, notons que le rouet et la position en plongée d’Antonio, vu par Christine depuis le haut de la pièce, annonce la séquence finale, sur le bateau qui emmène l’ex-reine hors de Suède, le corps mort d’Antonio étendu sur le pont, Christine appuyée contre la proue arrondie, pendant que le pilote tient la barre.

Deux femmes malheureuses en amour, mais quel destin impressionnant !

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Virgile et Garbo », Voyages autour de mon cerveau, décembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/7390

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Thésardes en film VADMC

Thésardes en film

Les métiers intellectuels ont peu d’attrait pour les cinéastes français·es, et les étudiantes sont plus représentées dans leurs histoires sentimentales que comme des travailleuses, tant à l’université que dans les petits boulots qui leur permettent de poursuivre leurs études. Il semble que le mariage soit leur horizon indépassable, tout comme une intelligence limitée, qui ne leur permet pas de s’intéresser à leurs cours. Sauf si elle n’a pas un physique de rêve, puisqu’une étudiante intéressée par ses études ne peut être que laide, donc bas-bleue, intello, vieille fille (aucune mention n’est à barrer).

Cette représentation patriarcale et classiste – dont un des pires exemples restera à jamais le feuilleton Hélène et les garçons (Jean-François Pory, 1992-1994), ex-æquo avec L’Auberge espagnole (Cédric Klapisch, 2002) – est parfois battue en brèche, au moins dans sa partie travail, intelligence et beauté.

Outre une rapide mention dans Lui (Guillaume Canet, 2021), où la maîtresse du personnage principal (Guillaume Canet) est jouée par Laetitia Casta et où elle déclare être titulaire d’un doctorat en Lettres, il y a Camille (Agnès Jaoui) dans On connaît le chanson (Alain Resnais, 1997) et Dominique dite Do (Hélène de Fougerolles) dans Va savoir (Jacques Rivette, 2001).

La persona de ces trois actrices est un mélange de beauté physique et d’intelligence, les spectateurs et les spectatrices les attendent dans des rôles de femmes qui ont un cerveau. C’est le cas dans Lui, où la maîtresse ne s’en laisse pas compter par son amant et fait alliance avec l’épouse (Virginie Efira). On reste cependant dans le domaine sentimental, uniquement.

Le doctorat de Do et de Camille est pris plus au sérieux. Do, jeune bourgeoise, planche à la bibliothèque parisienne de l’Arsenal et chez elle, elle écrit et dessine pour son sujet consacré au péplum tourné en Italie et aux États-Unis et à l’Antiquité gréco-romaine (cinéma et Lettres classiques). Ce qui ne l’empêche pas, bien au contraire, de tomber amoureuse d’un séduisant metteur en scène italien (Sergio Castellitto), un peu plus âgé qu’elle. De l’art d’aller jusqu’au bout de son sujet, en l’actualisant un tant soit peu… Pour Hélène de Fougerolles, ce rôle est le prolongement de celui de Christine, la lycéenne déléguée de classe du Péril jeune (Cédric Klapisch, 1994), qui faisait honte de leur paresse au groupe de petits mecs héros du film, et qui n’était donc pas béate d’admiration devant leurs bêtises, sans pour autant faire partie de la bande de militantes féministes de leur établissement scolaire.

Le sens de la répartie ne fait pas non plus défaut à Camille, qui, agacée par l’incompréhension abyssale de Nicolas (Jean-Pierre Bacri), ami de sa sœur Odile (Sabine Azéma), devant son sujet de thèse en histoire médiévale : « Mais pourquoi t’as choisi ce sujet ? », lui répond frontalement : « Pour faire parler les cons. » Un très très grand merci au tandem Jaoui-Bacri, également scénaristes, d’avoir écrit cet échange percutant, qui a vengé, venge, et vengera tant de doctorantes en Sciences humaines. Et qui, comme je l’ai expérimenté en distribuant cet extrait à des proches et amies, fait office de catharsis, en provoquant un rire salvateur. Tout au long du film, Camille est montrée comme prenant sa thèse très au sérieux, tout en se questionnant sur son utilité. Le public assiste à la fin de sa soutenance, ainsi qu’aux félicitations chaleureuses qu’elle reçoit de sa famille – et même de son petit ami Marc (Lambert Wilson), un salaud ordinaire (voir pourquoi dans le film…), pour lequel la seule réponse aux multiples angoisses existentielles de Camille est un morceau de sucre. Ne manque à Camille que le collier et la laisse pour devenir la parfaite animale de compagnie de Marc.

Si Do est dans sa thèse, Camille parcourt les derniers mois de la sienne et la soutient, et la maîtresse de Lui est docteure. Ces trois films déroulent le spectre de la fin des études universitaires, les doctorantes et docteure étant jouées par des actrices au physique agréable et à la vive intelligence, déjà connues du public pour des rôles de femmes à l’esprit délié, de sujets et non d’objets. De quoi chasser, le temps de ces films, le poids du sexisme ambiant. Pas si mal.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Thésardes en film », Voyages autour de mon cerveau, décembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/7375

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Interview sur Antonia Bird 2

À la redécouverte d’Antonia Bird

“Rencontre avec Guillaume Banniard et Muriel Cinque, corédacteurs en chef du second numéro du magazine indépendant L’Infini Détail qui consacre un dossier à Antonia Bird. Une immense et invisibilisée cinéaste britannique qui n’avait, jusqu’ici, pas eu les honneurs d’un article à la mesure de sa carrière.”

Tiphaine Martin – Comment est né votre projet ?

 

Muriel Cinque – de la curiosité et du désir de partager. En visionnant les différents projets de madame Bird, il nous est apparu à Guillaume et moi-même que nous avions affaire non seulement à une cinéaste de qualité mais à un être humain de grande valeur. Son approche des sujets qu’elle traite, sa maîtrise des tourments intérieurs de ses personnages, son sens de l’observation et son absence de jugement font de son travail une mine d’or.

Guillaume Banniard – pour ma part, il est aussi né d’un sentiment de frustration, celle de découvrir les films d’Antonia Bird tout en découvrant que personne, en fait, ne les connaissait. Son long-métrage Vorace compte parmi mes dix films favoris depuis sa sortie, en 1999, mais j’ai moi-même mis des années avant d’explorer le reste de sa filmographie. La création de ce dossier nous est apparu comme une évidence. Ce magazine est aussi le fruit du dévouement de notre maquettiste, Marie Lemoine, qui a donné un magnifique écrin à notre travail. L’identité visuelle de L’Infini Détail lui est entièrement due.

©Rackdamn

T.M. – Qui est Antonia Bird et pourquoi n’est-elle pas/peu connue aujourd’hui ?

G. B. – C’est une cinéaste londonienne décédée prématurément, fin 2013, à l’âge de 62 ans. Nous-mêmes nous posons la question de son anonymat. Notre revue, L’Infini Détail, la pose également. Et y répond en explorant ses œuvres. Ses films, il faut insister là-dessus, sont taillés pour le public. Ils sont engagés autant que divertissants, accessibles.

M. C. – Antonia Bird est une cinéaste de l’humain. Son cinéma est engagé, social et surtout populaire dans le sens noble du terme. Elle n’a jamais renoncé face à l’adversité, qu’il s’agisse du mépris des distributeurs qui ont littéralement sacrifié son œuvre la plus connue, Vorace, ou des menaces de mort suite au tournage de son film sur l’Église britannique, Prêtre. Elle reste peu connue car sa filmographie n’a pas ou peu eu l’heur de sortir en salle et sa disparition prématurée a fait que les plateformes ne s’y sont pas intéressées. Pas plus que les télévisions françaises. Il faut donc faire l’effort de chercher. 

T.M. – Quels sont ses films et où peut-on les visionner ?

G. B.et M. C. – Légalement, c’est un sacerdoce ! Les options sont limitées pour mettre la main dessus. Côté support physique, il existe des DVD français de VoracePrêtreDe l’amour à la folie et La Cellule de Hambourg. Ils se trouvent sur le marché d’occasion. Vorace, lui, est actuellement présent sur le catalogue de la plateforme FilmoTV. Sinon, certains sont visibles sur YouTube dans une qualité toute relative, et sans sous-titres. Nous espérons organiser des projections dans des festivals, une fois le magazine sorti. Voire une rétrospective à l’Institut Lumière ou à la Cinémathèque française. Charlotte Wensierski, la directrice du Festival du Film Subversif de Metz, a envie depuis plusieurs années de passer Vorace. Ce serait formidable qu’elle projette plusieurs films de Antonia Bird durant la prochaine édition.

T.M. – Quels sont leurs points communs, leur fil directeur ?

M. C. – Le choix de ses comédiens et leur emploi. Ce n’est pas pour rien si, malgré le fait qu’elle reste méconnue de nombreux cinéphiles, elle reste dans le cœur de ceux qui ont côtoyé ses œuvres. La manière dont elle s’empare des sujets qu’elle choisit de traiter, quels qu’ils soient, rend son cinéma absolument unique. Leur diversité montrent aussi son ouverture d’esprit, son empathie.

G. B. – Je suis entièrement d’accord. J’ajouterais que le point commun de tous ses films, c’est une direction d’acteurs merveilleuse. Le style visuel de Antonia Bird se met toujours à leur service. Ses films sont d’une grande efficacité, car soucieux de captiver le public, peu importe le sujet abordé. Et entre les troubles psychiatriques, le terrorisme, l’homosexualité ou encore le cannibalisme, Dieu sait qu’elle a abordé des sujets difficiles.

T.M. – Quelle est l’évolution dans sa filmographie ?

G. B. – De mon point de vue, on peut davantage parler de constance. Ses œuvres de début de carrière, comme l’excellent téléfilm Safe, étaient déjà très puissants. Antonia Bird a su conserver l’acuité de son regard sur ses projets suivants, téléfilms comme films de cinéma, productions britanniques comme américaines.

M. C. – Je pense que l’on peut parler de constante plus que d’évolution. Certes elle a débuté en travaillant pour la télévision et le passage au grand écran peut passer comme telle, de même que traverser l’océan le peut aussi mais dès ses premiers métrages, son écriture, ses personnages et sa caméra ont la même puissance. 

T.M. – A-t-elle inspiré d’autres cinéastes, d’autres artistes (plasticien·nes, écrivain·es, musicien·es…) ?


G. B. – Pas à ma connaissance, mais comment en être sûr ? J’ai découvert le cinéaste hongrois Jan Kadar le jour où John McTiernan, réalisateur de Predator, l’a mentionné lors d’une interview dans l’émission BiTS de Rafik Djoumi. « Sa maîtrise suprême de la caméra n’a jamais eu la reconnaissance méritée », disait-il. S’il n’avait pas cité ce cinéaste, aurais-je jamais entendu parler de Jan Kadar ? Sans doute pas, alors qu’il a influencé l’un des cinéastes hollywoodiens les plus importants des années 1980-1990 ! J’ai commencé la filmographie de Jan Kadar par Le Miroir aux alouettes, que j’ai ensuite fait découvrir à Muriel. C’est une merveille. Allez savoir si des cinéastes établis n’ont pas été influencés de la même manière par Antonia Bird ?


M. C. – Je ne crois pas vraiment. Ses partenaires lui ont été fidèles, et les influences sont parfois si bien digérées… Elle a travaillé avec de futures stars comme Linus Roache (Homeland), Guy Pearce, Aidan Gillen (Game of Thrones) ou encore Robert Carlyle, avec qui elle était amie. C’est un beau CV pour une femme oubliée.

Lien vers la page Ulule :  Revue – L’Infini Détail n°2 – Ulule

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, Guillaume Banniard et Muriel Cinque, « À la redécouverte d’Antonia Bird », Voyages autour de mon cerveau, janvier 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/2437

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Interview Soeurs Kuperberg

Transmettre l’histoire du cinéma – Interview des Sœurs Kuperberg

Pendant cinq jours d’affilée, à Noël 2020, le coffret dvd Il était une fois… Hollywood a défilé sous mes yeux éblouis : intelligence, finesse, humour de ces dix documentaires réalisés par les Sœurs Kuperberg. Voici leur interview, dont je les en remercie chaleureusement.

Tiphaine Martin – Quand avez-vous commencé à tourner des documentaires ?

Clara et Julia Kuperberg – En 2005, quand on a créé Wichita Films. Nous avons commencé avec deux films pour Canal Jimmy (Canal + groupe) à l’époque sur le patron du FBI, J.Edgar Hoover et sur le chroniqueur de Vanity Fair, Dominick Dunne. Ces deux films nous ont permis de lancer Wichita Films.

T.M. – Avez-vous rencontré des difficultés à vos débuts, parce que femmes documentaristes ?

C.J. K. – Non, pas particulièrement en tant que femmes, mais plus en tant que nouvelles productrices / réalisatrices dans le milieu. Il était difficile à l’époque d’avoir la double casquette. 

T.M. – D’où vous vient cet amour du cinéma nord-américain ? des séances cinéma et/ou télévisuelles ?

C.J. K. – Il vient d’une culture familiale. Notre père travaillait dans le milieu du cinéma, il avait été producteur de cinéma (Monsieur Klein, entre autres), et il était passionné de cinéma américain. Quant à notre mère, elle était experte en littérature nord-américaine. Donc nous avons baigné dans cette culture cinématographique et littéraire.

T.M. – Comment choisissez-vous vos sujets ?

 C.J. K. – Nous les choisissons soit en fonction de nos recherches, de nos idées, une idée en entraînant une autre. Soit en fonction de l’air du temps, un sujet s’impose alors.

Souvent un film en entraîne un autre, les sujets sont denses donc ils nous donnent souvent une multitude d’autres idées pour de futurs projets. Et puis, nos films sont sur l’histoire du cinéma mais aussi toujours avec une toile de fond sociétal et politique, nous essayons toujours de les re situer dans un plus grand tableau et de comprendre la grande histoire à travers le miroir du cinéma. Le cinéma américain étant d’autant plus un reflet de la société qu’une arme de propagande très efficace.

T.M. –  Combien de temps durent vos tournages ?

C.J. K. – Généralement, nous essayons de partir aux Etats Unis pour plusieurs tournages en même temps. Nous restons entre 1 mois et 3 mois, cela dépend du nombre de films et de leur difficulté. En 2019, avant le COVID et la fermeture des frontières, nous avons tourné 3 films en 2 mois. 

T.M. –  Quelles sont vos envies, vos projets ?

C.J. K. – Nous terminons actuellement un film sur la chanteuse Joni Mitchell, pour ARTE.

Cette année, nous avons fait un portrait d’Anthony Hopkins également pour ARTE qui sera diffusé début 2022 ; et nous venons de finir un film sur Ida Lupino, pour OCS Géants qui est sélectionné au Festival Lumière, et qui sera diffusé le 23 octobre sur OCS Géants. 

Ce film se concentre sur la carrière totalement méconnue de cette femme en tant que réalisatrice. Car Ida Lupino n’est pas seulement l’actrice de film noir qui donnait la réplique à Bogart, c’est surtout une grande réalisatrice que l’histoire a oubliée. Depuis la fin des années 40, elle est la cinéaste la plus prolifique qu’Hollywood ait connu jusqu’à aujourd’hui. Avant-gardiste, elle a porté à l’écran des sujets que les studios n’osaient même pas aborder comme le viol, l’avortement et la bigamie, dans l’Amérique puritaine de cette époque. C’est ce qui nous a fascinées chez elle.

T.M. – Quels retours avez-vous sur vos documentaires ?

C.J. K. – Une assez bonne presse. Et des prix en festivals comme pour le film sur Anthony Hopkins qui vient de gagner le prix du meilleur documentaire international cette année au festival de Palm Springs, l’AMDOCS.

Nous venons aussi de signer un deal de distribution aux États-Unis avec Cinedigm et BMG (deux gros groupes US) pour distribuer aux USA cinq de nos films. 

T.M. – Des regrets ?

C.J. K. – Non. Encore des envies et de l’espoir. 

T.M. – Comment travaillez-vous, quelle est la part de chacune ?

C.J. K. – Nous sommes très complémentaires, chacune sait faire certaines choses mieux que l’autre et donc nous nous répartissons les tâches. Nous arrivons à travailler ensemble car au final nous avons le même film en tête.

T.M. – Quels sont les liens entre les différents documentaires du coffret Il était une fois… Hollywood ?

C.J. K. –L’envie de continuer une certaine transmission de l’histoire du cinéma et de donner envie de la découvrir ou de la redécouvrir, afin qu’elle ne se perde pas. 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, Clara Kuperberg, Julia Kuperberg, « Transmettre l’histoire du cinéma – Interview des Sœurs Kuperberg », Voyages autour de mon cerveau, octobre 2021. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=2078

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Texte hommage B. Tavernier

Bertrand Tavernier est mort, vive la cinéphile et le cinéma

J’ai vu mon premier Tavernier contrainte et forcée, au cinéma, car mes parents ne voulaient pas me laisser seule dans le gîte montagnard où nous nous trouvions, en cet été 1996 de mes douze ans. J’ai détesté les cris et la violence du Capitaine Conan et de ses hommes plongés dans l’enfer de la guerre qui n’en finit pas de finir. Seule image qui me reste : le capitaine, seul sur un fauteuil, en bord de falaise, à contempler son chez-soi. N’ayant jamais voulu revoir ce film depuis ce traumatisme primitif, il s’agit peut-être d’une image reconstituée, métaphore visuelle de la solitude de ce personnage, remisé avec les horreurs de ce conflit sanglant qui ne portait pas encore le nom de Première Guerre mondiale, puisque les rescapés n’avaient pas encore déclenché la seconde. Afin de ne pas me laisser sur cette mauvaise impression, mes parents m’ont fait voir Coup de torchon (1981) et La Fille de d’Artagnan (1994), respectivement en film enregistré sur cassette et lors d’un passage à la télé. Deux films dont j’ai aimé l’humour, le dynamisme, l’anticolonialisme et l’engagement à gauche. Et, pour le second film, une héroïne forte qui ne s’en laisse pas compter, sur fond de faux complot, de traite négrière et de souvenirs de Vingt ans après et autre Vicomte de Bragelonne.

Les années sont passées, j’ai vu bien d’autres films de bien d’autres réalisateurs – parfois même de réalisatrices -, jusque’à ce qu’en 2002, j’aille voir Laissez-passer, qui mettait en images le monde du cinéma des années noires, avec ses extraits de Douce (Claude Autant-Lara, 1943, Marguerite Moreno, impériale), son Jean Aurenche/Denis Podalydès acrobatique entre son métier, ses maîtresses et l’occupant, son Jean Devaivre/Jacques Gamblin parachuté et crachotant en pleine brume anglaise, ahuri par ce voyage imprévue, reprenant son vélo pour une course contre la montre, afin que les collaborateurs et les nazis ne se doutent pas de son implication dans la Résistance.

Du coup, j’ai revu Coup de torchon et j’ai vu, au cinéma ou à la télévision ou les deux : La Princesse de Montpensier (2010, un grand merci à l’ancien président de la République Nicolas Sarkosy d’avoir remis Mme de Lafayette à l’honneur et d’avoir donné envie aux cinéastes d’adapter ses œuvres), Que la fête commence… (1975, Noiret, Rochefort et Marielle sans scène à trois ensemble mais tout de même réunis au sommet), L’Horloger de Saint-Paul (1974, Noiret hiératique contre la peine de mort, pas encore abolie) et, récemment, grâce à ARTE, Une semaine de vacances (1980, l’école va mal), Le Juge et l’Assassin (1976, ), Ça commence aujourd’hui (1999, l’école va très mal), Dans la brume électrique (2009, on dirait vraiment un film américain, et toujours la dénonciation du commerce triangulaire), Un dimanche à la campagne (1984, gentillet), L’Appât (1995, Marie Gillain qui sombre dans le sang ô combien masculin de la société de consommation).

J’ai soigneusement mis à part son documentaire, devenu ensuite série télévisuelle, Voyage(s) à travers le cinéma français (2016 et 2017). Des heures de bonheur cinéphiliques, en compagnie d’un pédagogue hors pair (B. Tavernier), doublé d’un homme cultivé qui lisait, écoutait de la musique, se rendait aux expositions d’art. Bref, un cinéphile dont la cinéphile était irriguée par de multiples canaux, canaux qui enrichissent ses propres films. Loin, très loin de soi-disant·es cinéphiles pour lesquel·les le cinéma commence en 1970 ou 1980 et est une industrie fermée sur elle-même, qui n’ont donc pas envie de faire des découvertes multiples et variées en lisant, écrivant, jouant, écoutant, regardant. D’où l’entreprise mémorielle et patrimoniale de Tavernier dans ses Voyage(s) … : montrer que le cinéma ne peut vivre et se renouveler que s’il est réalisé par des personnes (des femmes, parfois) qui sont ouvertes à tout ce qui passe sous leurs yeux.

De même, j’ai adoré, tous les passages consacrés à la musique de film, parente pauvre de l’édition musicale, ce qui m’est tout aussi incompréhensible qu’à Tavernier. Pourtant, écouter de la musique de film procure autant de plaisir qu’entendre du classique, de la chanson (d’auteur ou populaire), du rap, de l’électro, du métal, de la techno même. Soit que la musique rappelle les scènes du film, soit que, détachée de son contexte cinématographique, elle s’écoute pour elle-même. Ou que les deux émotions s’imbriquent. Pour ma part, j’ai toujours les larmes aux yeux en écoutant le « grand choral » de Georges Delerue, extrait de La Nuit américaine de François Truffaut (1975), le thème d’amour du Roi et l’Oiseau (1980, Paul Grimault) de Wojciech Kilar, le thème du Bal d’Ettore Scola (1983) par Vladimir Cosma. Si ce sont trois films que j’aime par-dessus tout, je peux écouter ces morceaux pour leurs propres qualités et lyrisme. Inversement et de manière complémentaire, les chansons présentes dans Dirty Dancing (1987, Emile Ardolino) m’emmènent dans le film. Exemple entre mille, l’écoute de « Love is strange », avec ses chanteur et chanteuse aux voix aigües, m’envoie directement les images de Johnny se roulant délicieusement jusqu’aux pieds de Frances, qui coquète avec son amoureux. Scène d’amour avec une touche d’humour sur fond de karaoké. Et le « baby » des paroles qui renvoie au surnom infantilisant de Frances, surnom dont elle est maintenant détachée, puisqu’elle a acquis son indépendance mentale et physique. La chanson marque la progression de la jeune femme, tout en soulignant la tendresse qui lie les deux personnages. Et lorsque résonnent les premières notes d’un certain morceau de Michel Legrand, je n’ai qu’à fermer les yeux pour voir un pont transbordeur, des camions, des jeunes femmes qui en sautent gracieusement, qui s’étirent avec leurs camarades masculins, et le tout devient le début enchanteur d’une des plus belles comédies musicales occidentales1.

En conclusion, j’ajouterai que le décès de Bertrand Tavernier me peine au point que je n’hésite pas à reprendre la phrase fétiche d’un acteur-scénariste mort il y a quelques semaines : « Putain merde fais chier. »

 

 

1 Les Demoiselles de Rochefort, Jacques Demy, 1967.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Bertrand Tavernier est mort, vive la cinéphile et le cinéma », Voyages autour de mon cerveau, mars 2021. URL : https://vadmc.hypotheses.org/1450

Tiphaine Martin

Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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