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Partir, revenir, pourquoi ? (12) Partager un banc : Coup de foudre à Notting Hill

M’asseoir sur un banc cinq minutes avec toi,

Et r’garder les gens tant qu’y en a.

Renaud, « Mistral gagnant », Mistral gagnant, 1985

Coup de génie du réalisateur Roger Michell et de son scénariste Richard Curtis que ce jus d’orange qui arrose et son possesseur, le libraire anglais William Thacker (Hugh Grant), et une passante, la star hollywoodienne Anna Scott (Julia Roberts), dans une rue du quartier londonien de Notting Hill, à la toute fin du vingtième siècle, un jour de non pluie, dans la comédie romantique Coup de foudre à Notting Hill (Roger Michell, Notting Hill, 1999).

Anna et William ont déjà fait connaissance peu auparavant, quand Anna a franchi la porte de la librairie d’ouvrages consacrés au voyage de William. Ignorant d’abord qui elle était, William est immédiatement tombé amoureux d’Anna, de sa beauté, de son sourire éclatant, de l’intelligence qui pétille dans son regard. Ce qui ne l’a pas empêché de demander à un voleur de reposer son larcin sur la bonne étagère.

L’histoire d’amour d’Anna et de William joue autant sur leur différence de statut social que sur les clichés culturels Angleterre/États-Unis. Dont Jeff (Alec Baldwin), le fiancé nord-américain d’Anna, est une bonne illustration, de part son arrogance et son manque de politesse. Sur un mode plus doux, William conseille à Anna de jouer dans une adaptation de Jane Austen ou d’Henry James, ce qu’elle fait dans le dernier mouvement du film. Rappelons que Hugh Grant a joué dans l’adaptation de Raison et Sentiments (Ang Lee, Sense and Sensibility, 1995), d’où, également, la référence à la romancière anglaise. Henry James, quant à lui, est né à New York au milieu du dix-neuvième siècle et décédé à Londres au début du vingtième siècle. Il symbolise donc parfaitement la trajectoire à venir d’Anna, Nord-Américaine qui s’installe définitivement en Angleterre à la fin du film.

Ces deux références littéraires symbolisent également ce qui rapproche le libraire de l’actrice, à savoir des signes culturels communs. Outre la littérature, c’est la peinture européenne qui fait le lien entre eux, à savoir un tableau du biélorusse Marc Chagall, peintre installé en France à partir des années 1910. En ces temps pré-Brexit, il était possible pour un réalisateur et un scénariste anglais d’indiquer de manière élogieuse que leurs héros et héroïne aiment la peinture non britannique, ici le tableau La Mariée.

Ce choix est également, bien entendu, un autre indice de la fin heureuse de cette comédie romantique. La mariée y est vêtue d’une robe orange, et le marié d’un costume bleu. Le film inverse le genre des couleurs, puisque Anna est vêtue d’une chemise bleue quand elle vient offrir le tableau original à William, habillé d’une chemise rose. Le retour à la colorimétrie normale patriarcale (en Occident depuis les années 1950) est visible dans la dernière scène du film : Anna a une robe orangée et un gilet rosé, William un t-shirt vert sombre et un jean bleu clair.

Elle est enceinte et se repose, la tête sur les genoux de William, qui lit. Ils sont sur un banc dans un parc, heureux. Chacun·e s’est adapté au monde de l’autre : William aux premières de cinéma sous les flashs des photographes, Anna à la vie paisible de Notting Hill.

Entre-temps, Anna est partie aux États-Unis, en est revenue, puis y est revenue, toujours poursuivie par les paparazzis, acharnés à traquer impitoyablement les célébrités où qu’elles se trouvent. Et, sans doute, par les commentaires misogynes donc gluants d’hommes satisfaits d’eux-mêmes et de leur « humour » de chasse d’eau, comme les clients du restaurant chic où William emmène dîner Anna.

Ces clients, trois mâles blancs quinquagénaires, commentent à haute voix le physique, le moral et la vie privée d’Anna Scott. Leurs connaissances proviennent des films où joue l’actrice, ainsi que des ragots propagés par les journaux d’égouts, photographies de paparazzis à l’appui. Les clients du restaurant confondent les rôles joués par Anna, et ce qu’elle est en réalité.

Comme le rappelle Anna à William, qui n’est décidément pas attiré par le cinéma, l’actrice hollywoodienne Rita Hayworth aurait déclaré, en référence à son rôle le plus célèbre : « Ils couchent avec Gilda, ils se réveillent avec moi. » Ce film noir de Charles Vidor date de 1946, Hayworth y joue une femme fatale, selon les canons misogynes de ce type de film, le sous-texte homophile entre les deux personnages masculins n’ayant pas été perçu par la censure, ni la solitude de Gilda, figée dans son rôle d’objet de transaction entre les deux hommes.

Ce qui n’est pas le cas pour William, qui déclare à Anna faire la différence entre son image à l’écran et ce qu’elle est au quotidien. Et, ô déconstruction virile avant l’heure, ne pas faire de fixation sur sa poitrine, à elle. Oui, les seins féminins sont juste des seins, féminins.

Au restaurant, les clients fouinent dans sa vie privée, se repaissant de on-dit, au désespoir de William, outré de la grossièreté et de l’arrogance de certains de ses compatriotes. Rien à voir avec ce qu’Anna confie à William et à ses proches, à savoir qu’elle est proche de l’anorexie depuis le début de sa carrière, pour garder sa ligne. Elle a également dû se faire refaire le nez et le menton, pour correspondre aux canons esthétiques féminins de Hollywood.

Elle est aussi très lasse de l’acharnement des fouilleurs de poubelle à la prendre en chasse, à juger sévèrement sa conduite sous couvert de morale traditionnelle, et à jeter les moindres détails de son existence à tout aussi frustré·e qu’eux. Anna panique donc quand ils la mitraillent alors qu’elle ouvre la porte de chez William. Par contre, elle garde son sang-froid face aux misogynes du restaurant, leur donnant une leçon de savoir-vivre avec une élégance souriante qui la place très au-dessus des pénibles minables assis devant elle, qui est debout, donc en position de pouvoir.

Le film traite donc autant d’une belle histoire d’amour, impossible au début, mais réalisée à la fin, comme dans un très grand nombre de ce genre de long-métrage, que du harcèlement moral et physique des femmes en général et des stars féminines en particulier. Sans oublier la victoire moderne d’Albion sur les ancien·nes révolté·es parti·es au Nouveau Monde sur le Mayflower.

Les doux moments passés au calme sur le banc dédié à l‘amour sont donc d’autant plus précieux. À imiter ?

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Partir, revenir, pourquoi ? (12) Partager un banc : Coup de foudre à Notting Hill », Voyages autour de mon cerveau, septembre 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/17496

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. ISSN : 2729-3092

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Présences de la bande dessinée dans les films

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La bande dessinée, ses auteurs, ses autrices, ses illustrateurs et ses illustratrices ont dû longuement bataillé pour gagner le droit à être reconnus comme des artistes du Neuvième Art. La représentation de la bande dessinée dans les fictions est une des preuves de cette condescendance. Si Françoise Sagan base une scène de sexe hétérosexuel sur le rire commun d’une lecture partagée de La Famille Fenouillard de Christophe dans Un certain sourire (1956), certains réalisateurs de cinéma et leurs scénaristes s’en moquent, prenant les lecteurs et les lectrices de bande dessinée pour des gens peu cultivés.

C’est le cas d’Ernst Lubitsch et de Samson Raphaelson dans l’adaptation de la pièce de Leslie Bush-Fekete Le Ciel peut attendre (Heaven Can Wait, 1943) ; de Jean Girault et de Jacques Wilfrid dans l’adaptation de leur pièce Pouic-Pouic (1963) ; et de Roger Vadim et Claude Choublier dans l’adaptation de la pièce de Sagan Château en Suède (1963). Ces trois films se déroulent au sein de la grande bourgeoisie, nord-américaine chez Lubitsch, française chez Girault, voire de l’aristocratie, suédoise, chez Vadim.

La lecture de bande dessinée y est montrée comme le fait d’un couple de parvenus (Lubitsch), d’une grande bourgeoise folle de son poulet Pouic-Pouic (Girault), d’un frère et d’une sœur qui s’ennuient (Vadim). Sauf chez Vadim, aucun de ses personnages n’est montré en train de lire autre chose, indiquant par là leur manque de culture et d’intelligence. Toutes ses scènes se situent à la campagne, lieu dépréciatif dans l’échelle des valeurs du « bon goût », espace aussi du repos, quand on se situe du point de vue des urbain·es.

Pour ces trois cinéastes, l’espace de lecture de la bande dessinée n’est pas un pré, sous un chêne verdoyant, ou sur un banc dans une roseraie, mais à la table de la salle à manger, soit pendant le petit-déjeuner dominical (Lubitsch), soit après (Vadim), soit après le déjeuner (Girault). Et dans le salon après le dîner, chez Lubitsch que chez Vadim. Ce sont des moments de détente, ou qui devraient l’être.

En effet, le couple du Kansas du Ciel peut attendre, les Strabel (Marjorie Main et Eugene Pallette), dont le nom résonne harmonieusement avec le nom de leur vache-totem, Mabel, se disputent, d’un bout à l’autre d’une immense table en bois ciré, le journal comique où se trouve la bande dessinée, The Katzenjammer Kids. Madame pousse le sadisme jusqu’à révéler à haute voix à Jasper (Clarence Muse), leur domestique noir, le moyen par lequel le héros s’est sorti de la situation délicate où il se trouvait dans le numéro précédent. Monsieur fulmine, car il voulait connaître par lui-même la suite de l’histoire. Nous retrouvons ledit journal sur son ventre proéminent dans la séquence post-dîner, signe que son épouse le lui a cédé.

Dans Pouic-Pouic, Cynthia Monestier (Jacqueline Maillan) commente la bande du jour du Professeur Nimbus, dont les aventures ont été dessinées par André Daix, puis, à partir de la Libération, par J. Darthel, « pseudonyme collectif » de plusieurs dessinateurs (Antoine Sausverd, Dans l’ombre du professeur Nimbus, Paris, PLG, 2023, p. 135). Pendant ce temps, son époux Léonard (Louis de Funès) grogne, se plaint et tire des plans sur la comète, comme à son habitude.

Sous le comique de ces scènes dans les deux films pointe la mésentente conjugale et les rapports de pouvoir, les épouses tentant de renverser leur position subordonnée et, pour Cynthia, d’éviter une énième scène conjugale.

Dans Château en Suède, Sébastien (Jean-Claude Brialy) lit nonchalamment le journal Spirou, avant que sa sœur, plus ou moins incestueuse, Éléonore (Monica Vitti) ne le ramasse et ne s’y plonge. Cette référence bédéesque souligne leur complicité et leur côté infantile, mais d’enfants cruels, gâtés, sans bornes morales, se réjouissant des assassinats successifs des amants d’Éléonore par son mari Hugo (Curd Jürgens), pourtant lui-même bigame.

Nous pouvons mesurer à travers ces trois exemples l’évolution de la vision de la bande dessinée, désormais considérée et étudiée, ainsi que la dynamique des rapports entre septième et neuvième arts.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Présences de la bande dessinée dans les films », Voyages autour de mon cerveau, mai 2024. URL : https://vadmc.hypotheses.org/15956

Tiphaine Martin

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Debout les femmes ! Filmer des exploitées

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Être une femme, être une AVS, une auxiliaire de vie, une femme de ménage…, en 2021, c’est être exploitée, quelle que soit sa couleur de peau. Déjà, c’est être invisible aux yeux des femmes et des hommes politiques. Qui nettoie mon bureau de parlementaire? C’est Personne. Qui s’occupe de ma grand-mère, de mon grand-père, qui les lève, les lave, leur fait et leur donne à manger ? Personne. Qui s’occupe de mon enfant handicapé·e, à la maison et à l’école ? Une ombre, sous-payée comme ses consœurs du sanitaire et du social, à pas même le SMIC. Qui veut changer leur quotidien et les faire exister, leur donnant une dignité et une reconnaissance sociale fixes ? Le député François Ruffin (France insoumise), le documentariste Gilles Perret et le député Bruno Bonnell (En Marche !).

Tels les John Steinbeck du XXI^ème siècle, avec le soutien de Bourvil (« Le Petit Bal perdu», « La Tendresse ») et de Bernard Lavilliers (« On The Road Again »), ils nous découvrent le travail de ces femmes, qui tiennent le cap, font leur travail et l’aime, malgré des contraintes horaires imposantes. Elles se lèvent chaque matin à quatre heures pour qu’à six heures tout soit impeccable dans les hôpitaux, les cliniques, les écoles, les bureaux. Elles se réveillent à six heures pour commencer leur journée de travail à huit heures et la terminer à vingt heures, après avoir parcouru une ville, des lieux, d’est en ouest et du sud au nord, sans relâche et sans être défrayées de leurs frais d’essence. Pause déjeuner ? Quelle pause déjeuner ? Des bons d’achats pour des masques et des blouses ? Pourquoi, elles perçoivent (et l’aperçoivent, de loin) un salaire.

C’est tout cela que nous voyons, que nous (re)découvrons, ainsi que le combat de François Ruffin pour faire bouger les choses. Et pour réunir le plus grand nombre de ces travailleuses, pour qu’elles prennent leur combat en main, sans paternalisme de sa part. Ces dames s’unissent pour être entendues par les politiques et par nous, spectateurs et spectatrices qui pouvons les soutenir. Face caméra, elles parlent et analysent leur situation, indigne d’un pays démocratique et d’un pays d’où les discriminations de sexe sont interdites par la constitution. Mais c’est bien parce qu’elles sont femmes qu’elles sont sous-payées et donc exploitées. Car en France en 2021, il semble normal que les tâches ménagères et de soin aux personnes ne soient pas salariées à leur juste valeur. Rappelons que les luttes féministes au cours des siècles ont aussi eu pour but de rendre visibles le soi-disant normal, à savoir la prise en charge gratuite par la moitié de l’humanité de travaux peu valorisés dans et hors l’espace familial. Les mots employés sont révélateurs : « femmes de » ménage, « auxiliaires » de vie, sans compter les acronymes qui masquent la surreprésentation féminine dans certains métiers. Les ovaires sont mis en avant, tout comme l’aide, elle aussi naturellement féminine.

Soutenir leur combat, c’est aussi agir pour le partage normal des tâches ménagères du quotidien. Peut-être monsieur passera-t-il, ainsi, naturellement l’aspirateur au sein de son couple hétérosexuel, quand il verra que l’AVS de son fils dyslexique est payé autant que lui ?

Le documentaire de Ruffin et Perret est dynamique et non larmoyant, sans apitoiement, mais avec la volonté de changer concrètement le travail de ces femmes. Le film se conclut par une séquence mémorable d’une Assemblée nationale composée uniquement de femmes (de ménage, AVS, auxiliaires de vies), votant des lois visant à leur rendre justice, avant d’entonner « L’Hymne des femmes » (créée en 1971 par des militantes féministes). Minutes d’émotion qui coupent le souffle.

Qu’elles sont grandes et glorieuses, ces femmes !

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Debout les femmes ! Filmer des exploitées », Voyages autour de mon cerveau, novembre 2021. URL : https://vadmc.hypotheses.org/?p=2171

Tiphaine Martin

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