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Système d’échos colorés dans Tous en scène

Les films musicaux hollywoodiens des années cinquante bénéficient de la couleur en Technicolor. Dans Tous en scène (The Band Wagon, 1953), le réalisateur Vincente Minelli fait exploser la gamme chromatique pour mieux mettre en valeur les sentiments des personnages, tout en créant une atmosphère artistique. La forme (les couleurs) exhale le fond (les tribulations d’une troupe d’artistes qui tente de monter une version moderne de Faust, avant de revenir à un projet plus enchanteur).

Tout d’abord, les couleurs sont plutôt douces, en un camaïeu de bleu-gris-blanc, celles des costumes de ville de Tony Hunter (Fred Astaire), ex-star du music-hall, Lily Martin (Nanette Fabray), librettiste, et son mari Lester Martin (Oscar Levant), compositeur. Lily et Lester accueillent Tony à la gare de New York pour son retour sur scène, après des années de retraite en Californie.

Puis, les couleurs éclatent en même temps que les sons. Bienvenue dans le New York des années cinquante ! Ses néons clignotent avec force, en un arc-en-ciel violent, les klaxons mugissent avec force, les voitures défilent, les attractions (machine à sous, épreuve de force, tarot électronique, voyante en plastique, faux gorille poignardé par un faux chasseur dans une fausse cage…) s’agitent. Un régal pour Minelli qui s’amuse avec ce décor rutilant, à l’instar du final de son Comme un torrent (Some came running, 1958), cinq ans plus tard. Mais un cauchemar pour son héros, qui se retrouve dans une rencontre de troisième type face aux machines, là où il s’attendait à un théâtre.

C’est par une rencontre justement qu’il va se sentir mieux, sinon intégré à son époque. heurtant par mégarde le pied d’un cireur de chaussures Afro-Américain (Leroy Daniels). Tony s’excuse puis, devant le regard las du cireur, résigné au racisme ordinaire, entreprend de lui remonter le moral en chantant et dansant autour de lui, puis avec lui, à égalité. Son costume blanc cassé contraste avec la chemise orange à palmiers verts du cireur. La séquence se clôt lorsque le cireur balaye le dos et l’arrière des jambes de Tony, surjouant l’obséquiosité. Jeu délicat avec la ségrégation alors en vigueur ou antiracisme décidé ? Parions plutôt pour la seconde hypothèse, puisque le scénario cite plus tard avec éloge Bill Robinson (surnommé Bojangles, comédien, acteur et danseur Afro-Américain). Tony est prêt pour une nouvelle aventure, oui, mais laquelle ? Suivons les couleurs…

La couleur est d’abord celle de la passion. Passion pour le théâtre, ses coulisses, son montage de spectacle, et hommage aux auteurs et metteurs en scène qui le font vivre. Minelli profite de la séquence « That’s Entertainment » pour établir un lien théâtre-cinéma et arts de scène. Il cite à la fois Bill Robinson, Shakespeare et son Hamlet (filmé par Laurence Olivier en Angleterre en 1948), l’univers du cirque (clin d’œil à la superproduction de Cecil B. DeMille sorti en 1952 ?), la comédie avec une fine allusion à la Gay Divorcee (La Joyeuse Divorcée, Mark Sandrich, 1934) tournée par Fred Astaire, le drame, dont la tragédie antique, avec l’Œdipe-Roi de Sophocle, justement montée par Jeffrey Cordova (Jack Buchanan), futur metteur en scène du spectacle de Tony, le film de gangster, qui surgira dans le spectacle final, le film épique et musical avec l’adaptation des Trois Mousquetaires (The Three Musqueteers, Georges Sidney, 1948).

Autre rouge théâtral, celui de la cape du diable, incarné par Jeffrey dans le spectacle qu’il monte pour Tony avec le concours de Lily à l’écriture et de Lester à la musique. Des touches de rouge apparaissent dans les décors du spectacle, ainsi que dans les justaucorps de certaines danseuses, sans que ces dernières soient érotisées pour autant. Un autre rouge flamboie dans le second spectacle, monté cette fois par Tony, d’abord dans la séquence « Triplets » (fleur, maison en flammes, wagon, mât du fond du décor), puis dans la séquence « Girl Hunt » : celui des escaliers de secours, typiquement nordaméricains, qui ici montent et montent vers le ciel peint du décor. Est-ce que Jerome Robbins et Robert Wise s’en sont inspirés, avec le décorateur Victor Gangelin, pour leur West Side Story (1961) ?

Du rouge théâtral au rouge de la passion il n’y a qu’un pas, ou plutôt qu’un œillet : celui que porte Lily à sa ceinture dans « That’s Entertainment », qui atterrit sur la boutonnière du smoking de Tony quand il va voir la danseuse classique Gabrielle Gérard (Cyd Charisse) en compagnie de Lily et Lester. Gabrielle danse Le Lac des cygnes en tutu rouge, tranchant sur le camaïeu de blanc-bleu des autres danseurs et danseuses. Avant d’enfiler sa robe rouge fendue de « Girl Hunt », Gabrielle se tient à côté d’un bouquet de roses rouges chez Jeffrey, bouquet que ne lui a pas offert Tony, convaincu par Lily et Lester que « ça ne se fait plus » d’offrir des fleurs à une artiste à la fin de la représentation, pas plus que d’aller la saluer dans sa loge.

Or, cette retenue irrite Gabrielle, déjà nerveuse à l’idée de passer du classique au moderne et de danser avec une légende du music-hall. Minelli et ses scénaristes Betty Comden et Adolph Green n’évitent pas, et c’est méritoire, la différence d’âge entre Fred Astaire, alors âgé de cinquante-quatre ans, et de Cyd Charisse, qui avait trente-et-un an, soit un écart de vingt-trois ans. Fait quasi unique dans le cinéma occidental de l’époque (et d’aujourd’hui), le héros Tony s’inquiète de cette distance générationnelle, qui l’empêche de se déclarer à Gabrielle, qui lui avoue publiquement son amour aux dernières minutes du film, juste avant la reprise par toute la troupe de « That’s Entertainment », avec un bonheur affiché : pas de mort comme dans Macbeth (filmé par Orson Wells en 1948), pas de marchandages comme à la fin de Camille (nom états-unien de La Dame aux camélias, filmé par George Cukor en 1936 avec Greta Garbo), mais un travail joyeux en commun, avec une « histoire d’amour à l’ancienne », qui se termine bien, avec la touche de rouge de la veste d’un spectateur admis dans les coulisses. Entre la touche rose rouge et le final amoureux, il y a le manchon rouge fleuri de Gabrielle dans « A New Sun » (spectacle de Tony), et sa robe rouge pailletée et fendue de mauvaise fille brune attachante dans « Girl Hunt ». Un autre film de 1953 fait mettre des robes rouges fendues et pailletées à ses deux héroïnes, artistes de music-hall, à savoir Les Hommes préfèrent les blondes (Gentlemen Prefer Blondes, Howard Hawks). Le réalisateur français Jacques Demy s’en souviendra pour ses Demoiselles de Rochefort (1967), qui portent ce type de robe dans leur numéro artistique.

Le sketch « Girl Hunt » met en abyme la relation Tony Hunter-Gabrielle, puisque leurs deux personnages de « Girl Hunt » finissent ensemble, la fille brune en robe rouge venant chercher le détective, en lui allumant sa cigarette par derrière – scène qui figurait dans le premier « That’s Entairtenment » au masculin et sous forme de gag. Le sous-entendu sexuel permet l’allumage du couple, comme dans les films noirs avec le duo (à l’écran et dans la vie) Humphrey Bogart/Lauren Bacall. Le rouge de la robe de la fille brune/Gabrielle, outre qu’il rappelle le tutu du Lac des cygnes, devient le feu vert de l’amour à venir.

Le vert est une autre couleur associée à Gabrielle, couleur froide, à l’inverse du rouge chaud.   C’est déjà un rappel amical de la robe verte que porte Cyd Charisse dans Chantons sous la pluie (Singin’ in the Rain, Stanley Donen et Gene Kelly, 1952). Elle y interprète la maîtresse d’un gangster, dans la séquence « Broadway Melody Ballet », autre hymne au spectacle. Couleur verte que l’on retrouve sur le rideau de scène de « Girl Hunt », dans les robes légères des pin-up, et dans les chemises de certains gangsters, donc toujours associée à une sexualité outrancière et au côté sombre de la société, deux éléments perturbateurs de l’ordre bourgeois – tout en le renforçant. Les autres occurrences où Gabrielle portent du vert renforcent son côté sérieux et travailleur : gants vert vif pour rencontrer Tony puis les commanditaires du premier spectacle, vert pâle de la ceinture de sa robe blanche dans la séquence « I Love Louisa », autre ceinture vert pâle lors du trajet en train, lorsqu’elle est assise sur banquette vert pâle, face à un tableau de paysage vert dans un cadre vert pâle. Ou comment passer d’un Pygmalion à un autre, du chorégraphe classique Paul Byrd (James Mitchell, aussi haut en pommettes que James Mason) au metteur en scène Tony Hunter. C’est un autre lien coloré et sexuel, comme le rouge du tutu classique devient le rouge de la robe fendue. Une femme, deux visions masculines, en rouge et vert. L’une intouchable, soit portée par des danseurs, puis gantée, l’autre progressivement sexualisée. Et c’est la couleur chaude qui gagne.

Le noir est utilisé pour sa portée symbolique, soit d’élégance, masculine avec les smokings portés par Tony, Jeffrey (notamment dans « I Guess I’ll Have To Change My Plan »), Lester, le chef d’orchestre, les commanditaires, féminine avec la robe New Look de Gabrielle à la soirée commanditaires, avec une jupe pailletée, soit de diabolique. En effet, le premier spectacle est censé être une version moderne du mythe faustien. Le diable, incarné par Jeffrey, y a une cape noire doublée de rouge, très traditionnelle. Ses aides, des femmes, ont pour certaines de longues robes noires pailletées, à l’instar de Gabrielle, censée être la femme fatale/Marguerite du spectacle. Robe noire pailletée qu’elle retrouve dans le second spectacle, dans « Girl Hunt ». Elle la porte lors de sa première apparition, « ondulant comme un serpent », selon le monologue du détective/Tony. Cette dernière robe est doublée de rouge, donc en lien supplémentaire avec le premier spectacle et le diabolique. Et annonce le tout rouge de sa dernière robe de « Girl Hunt ». C’est la passion qui l’emporte sur le diable, contrairement à Faust, et comme dans le film français (en noir et blanc) Les Visiteurs du soir (Marcel Carné, 1942), où le jeune couple d’amoureux finit loin des atteintes du Malin.

Dans « Girl Hunt », le diable est présent, mais plutôt sous une forme féminine, et d’autant plus dangereuse qu’elle porte les couleurs de l’innocence : blond des cheveux, blanc ou bleu azur des robes. C’est aussi Gabrielle qui incarne la fille blonde, la fausse innocente persécutée qui fait appel au détective pour la protéger. Mais foin des apparences, les couleurs et leur symbolique sont trompeuses, la fille blonde est une meurtrière, son blanc et son bleu enfantins cachent une âme sombre. Hitchcock s’en serait-il souvenu pour son personnage extérieurement pur mais vraiment sexuel de Frances Stevens (Grace Kelly), qui porte une robe bleu ciel assortie à ses cheveux dorés dans La Main au collet (To Catch A Thief, 1955), lorsqu’elle plaque un baiser sur les lèvres de John Robie (Cary Grant), agréablement surpris ?

Le blanc est cependant utilisé pour sa valeur positive de clarté et de lumière. Sauf dans la séquence « Triplets », où Tony, Jeffrey et Lily sont déguisés en bébés, avec de longues tuniques blanches, des bonnets, des chaussettes et des chaussures fermées blanches. Si leur aspect connote donc l’innocence et la gentillesse enfantines, les paroles de leur chanson contrastent avec le blanc. Elles sont violentes, puisqu’une fois descendus de leur chaise haute mauve (Tony et Jeffrey) et rose pâle (Lily), chantent leur désir d’en finir avec leur frère(s)/sœur, pour rester l’unique enfant. Plus qu’au blanc, il faut prêter attention au décor, dont nous avons parlé ci-dessus, soit un fond noir avec des dessins violents. L’exagération est de mise, donc l’humour est bien présent, avec un anticonformisme très Côte Est, qui passe inaperçu de nos jours.

Le blanc lumineux est celui des vêtements de Gabrielle dans la séquence « Dancing in the Dark », lorsque Tony, également vêtu en blanc, et elle accordent enfin leurs pas. Symbole de leur entente professionnelle et peut-être déjà amoureuse, le blanc fait ressortir la simplicité de leur duo dansé, sur le fond vert plastique du faux Central Park. C’est d’ailleurs cette fausseté du décor en carton-pâte, ainsi que la musique (qui d’intra devient extra-diégétique), qui met en évidence la communion des deux danseurs. Après être passés à travers une piste de danse avec un petit orchestre où de jeunes couples sont joue à joue, ils continuent à marcher côte à côte sans se parler. Puis elle esquisse un pas, puis lui. Autre pas, puis ils dansent face à face sans se toucher. Ils continuent à danser en se regardant, puis Tony prend la main de Gabrielle pour la faire danser, dans l’habituel duo genré de ce type de danse, où l’homme mène et la femme se laisse mener. Gabrielle prend deux fois l’initiative des enchaînements, mais c’est tout de même Tony qui guide.

Par contre, Tony et Gabrielle ne dansent pas ensemble dans « I Love Louisa », car le côté humoristique de la séquence ne se prête pas au duo amoureux. Tony imite les accents allemand, anglais, français, dans cette chanson qui passe en revue les alcools favoris de ces trois pays européens (bière, whisky, vin), et tranche en faveur de la bière… et d’un couple sans chichis. Lily joue le rôle de Louisa, la femme choisie par le chanteur narrateur. Elle noue un foulard rose sur ses cheveux et prend des poses, surjouant l’admiration pour son homme-bière par un grand sourire figé, des petits bonds effarouchés quand il se rapproche, des gestes raides et d’énormes battements de cils, qui l’assimilent à une poupée mécanique grandeur nature. Le tout avant d’éclater de rire et de danser avec Tony, souriant et riant lui aussi. Ils sont au premier plan, Gabrielle est au second plan, dansant avec un jeune artiste de la troupe du premier spectacle. Les deux couples sont en parallèle, Gabrielle imitant certains gestes de Lily. Tony rejoint ensuite Gabrielle pour la fin de la séquence, tandis que Lily s’assoie au piano à côté de Lester. Inconsciemment, Gabrielle vient de faire son choix : elle ne retourne pas au ballet avec Paul, elle reste avec Tony et la troupe de music-hall. Progression de l’intrigue théâtrale, mais aussi de l’intrigue amoureuse, puisque Gabrielle rompt ensuite avec Paul, sans que l’on sache, ni Tony, si cette rupture est définitive.

L’amour avoué pour Tony à la fin du film s’effectue aussi en couleur, par le blanc de la rose que Gabrielle porte à son décolleté, similaire à l’œillet blanc porté par Tony sur son smoking.

Cependant, les traces jaunes du film auraient pu, peut-être, nous indiquer quel choix amoureux ferait Gabrielle. Outre le rouge, le jaune traverse le film. Il est d’abord associé aux hommes, Jeffrey le metteur en scène et Paul le chorégraphe, lorsque Jeffrey demande à Paul de venir chez lui parler du spectacle. Jeffrey porte en une robe de chambre grise et un foulard jaune, Paul est en complet gris et pull jaune. Ils feront donc du bon travail en commun. Lors de la première répétition, Gabrielle est de leur côté et non de celui de Tony, puisqu’elle porte une robe jaune. Puis elle se met en blanc (cf. ci-dessus), donc du même bord que Tony. Seule sa robe éclatante de soleil dans « A New Sun » introduit le doute, mais comme la chanson parle d’un nouvel amour, on peut être confiant·es quant à l’issue de la diégèse.

Outre les couleurs tranchées ou dominantes, il existe une séquence où les couleurs sont mélangées. Elle figure dans le second spectacle et se veut un hommage malicieux à la campagne du sud des États-Unis et à l’atmosphère country. Lily est la meneuse de la revue « Hayride Louisiana » : vêtue d’un costume pseudo-paysan fait de carreaux de couleurs rayés et coiffée d’une couronne de marguerites, entourée de jeunes danseurs et danseuses vêtues de couleurs vives et mélangées, elle chante et danse le bonheur d’habiter en Louisiane, devant une botte de foins et une charrette. Notons que le titre de la séquence fait référence à une station de radio créée en 1948, Louisiana Hayride, qui a vu passer des chanteurs et chanteuses de country, mais aussi Elvis Presley et le rock’n’roll. La séquence «  Hayride Louisiana » est l’occasion de développer le génie comique de Lily/Nanette Fabray, à l’instar de « I Love Louisa ». Dans ces deux morceaux, le personnage féminin est plein de vie, amusé et amusant, joue la comédie, chante et danse. Il est donc plus facile d’y adhérer qu’au personnage de Gabrielle, certes magnifique, mais distant.

Terminons ce tour d’horizon haut en couleurs par les références cinématographiques contemporaines du film et utilisées telles quelles dans la narration et par les références à la peinture. Le cinéma apparaît dès les premières répliques, lorsque deux hommes d’affaires discutent dans le train de Tony Hunter et se moquent de l’adoration féminine qu’il suscitait vingt ans auparavant… Tony étant présent dans le wagon. Bon prince, il offre un cigare aux deux voyageurs, mal à l’aise de leurs ricanements. À l’arrivée à New York, Tony se reprend de son amertume quand il entend un jeune couple s’étonner de la présence massive de photographes sur le quai : « – Ça doit être pour le Président. – Non, il y en a trop, c’est pour une vedette. » Tony se rengorge, mais tombe de haut quand il voit les photographes se précipiter… vers Ava Gardner, qui apparaît ici dans son propre rôle, vêtue de noir élégant et d’un collier de perles. Après avoir salué sa camarade, qui l’accueille chaleureusement, Tony s’éloigne, solitaire. Mais plus pour si longtemps, puisqu’une autre femme grande, aux cheveux courts et noirs et élégante va faire son apparition dans son existence : Gabrielle.

Plus loin dans la diégèse, il refuse de continuer à jouer contre ses habitudes, de manière « moderne » dans le premier spectacle : « Je ne suis pas Marlon Brando. (…) Je demande mon indépendance. Tony Hunter 1776. » Star montante et explosive de ce début des années cinquante, Brando est la référence du jeu intériorisé, les nerfs à vif, ce qui est à mille lieux de celui de Tony/Fred Astaire. Hunter se réfugie avec mordant à l’époque de l’indépendance… des États-Unis.

Après la départ de Tony, Lily et Lester, jaloux de Jeffrey, se disputent. Lily ne se laissant pas faire, mais quittant tout de même le lieu de l’altercation, Lester s’adresse à quelques artistes de la troupe, qui n’ont pas perdu une miette des hurlements du couple : « Dites à Madame Martin que j’ai pris l’avion jusqu’à Tahiti… pour peindre. » C’est-à-dire qu’il va au cabaret en face du théâtre où se déroule les répétitions pour boire de l’alcool. La référence implicite à Gauguin trouvera son aboutissement dans la biographie filmée de 1956 que Vincente Minelli consacrera à Van Gogh, où Gauguin sera interprété par Anthony Quinn.

Autre référence implicite, du moins à nos yeux européens et français, le jaune rutilant du salon de Jeffrey nous rappelle la cuisine de Claude Monet dans sa maison de Giverny. Ainsi que la séquence Toulouse-Lautrec dans Un Américain à Paris (An American in Paris, Vincente Minelli, 1951). N’oublions pas les toiles de Degas, Modigliani, Picasso, Renoir et Kandinsky que Tony a fait amener dans sa chambre d’hôtel new-yorkaise, et qu’il vend afin de produire le second spectacle.

Au terme de notre parcours haut en couleurs, nous retiendrons que ce film est un enchantement, qui nous tient en haleine, grâce aux changements chromatiques. À faire (re)défiler sous nos yeux émerveillés.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Système d’échos colorés dans Tous en scène », Voyages autour de mon cerveau, septembre 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/11098

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. ISSN : 2729-3092

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Exposition Beauvoir médiathèque

Exposition Simone de Beauvoir, médiathèque Olympe de Gouges – Joigny

En novembre 2019, la direction des affaires culturelles ainsi que les bibliothécaires de la médiathèque Olympe de Gouges à Joigny ont accepté mon projet d’exposition sur Simone de Beauvoir, dans le cadre des soixante-dix ans de la parution du Deuxième Sexe.

J’ai alors effectué une conférence intitulée « Simone de Beauvoir, la vie, l’écriture et les voyages » à la médiathèque, afin d’établir un lien entre l’exposition et l’ensemble de l’existence beauvoirienne. Quelques jours avant ma conférence, j’ai été interviewée par Mathieu Doucet pour France Bleu Auxerre : https://www.francebleu.fr/emissions/france-bleu-auxerre-midi/auxerre/simone-de-beauvoir-amour-et-voyages

Suite à ma conférence, j’ai été interviewée par Isabelle Clermont, du journal local L’Yonne républicaine : https://www.lyonne.fr/joigny-89300/actualites/une-conference-avait-lieu-samedi-apres-midi-a-la-mediatheque-olympe-de-gouges_13697686/#refresh

Première partie de mon exposition, ma présentation de Simone de Beauvoir :

Simone de Beauvoir (9 janvier 1908-14 avril 1986) est une écrivaine, journaliste, philosophe, dramaturge, essayiste. Elle est la grande figure du féminisme universaliste français de la seconde moitié du vingtième siècle, avec Le Deuxième Sexe (1949). Beauvoir milite pour que les femmes aient les mêmes droits et les mêmes devoirs que les hommes, quel que soit le pays.

Outre un recueil de nouvelles, elle a écrit plusieurs romans, dont Les Mandarins, prix Goncourt 1954 : quels choix font les intellectuels à la Libération ? comment sortir du cauchemar de la Seconde Guerre mondiale ? comment oser vivre ? Les échappées des personnages hors de la France leur font toucher au Portugal de Salazar, à l’Espagne de Franco et … à l’amour d’un bel Américain de Chicago, avec lequel il est possible de se rendre au Mexique, pour renaître enfin.

Le voyage est la grande passion de Simone de Beauvoir. Elle a rêvé sur les planches de son atlas, puis son grand-père paternel lui a fait découvrir les plantes, les insectes et la petite rivière du parc de Meyrignac, dans sa propriété du Limousin. Petit à petit, la jeune fille se promène seule dans la campagne, avec sa sœur cadette Henriette, loin de leur école catholique parisienne, le Cours Désir. Simone y a rencontré Élisabeth Lacoin, dite Zaza. Leur longue amitié est brisé lorsqu’elles atteignent 21 ans. Zaza décède brutalement, laissant Beauvoir inconsolable. L’écrivaine ne parvient pas à faire entrer son amie dans une fiction. Il lui faut l’écriture de ses Mémoires d’une jeune fille rangée (1958) pour qu’Élisabeth entre au panthéon des Lettres.

Côté cœur, Beauvoir a rencontré le futur philosophe Jean-Paul Sartre en 1929, lorsqu’ils préparaient l’agrégation de philosophie à la Sorbonne. Outre leur longue histoire, elle a de nombreux compagnonnages avec des femmes et des hommes, dont l’actrice Olga Kosakiewicz, l’écrivain nord-américain Nelson Algren, le réalisateur Claude Lanzmann. Jamais Beauvoir ne relâchera son combat contre l’antisémitisme. En témoignent la production du film de Lanzmann Shoah (1985) et sa préface au Treblinka (1966) de Jean-François Steiner. Simone se mobilise également pour les guerres de décolonisation, tant en Indochine qu’en Afrique du Nord. Elle se rend en 1974 dans le Portugal de la Révolution des Œillets, en 1955 dans la Chine de Mao, en 1960 dans le Cuba de Castro et du Che… mais aussi au Japon en 1966 et dans bien d’autres pays, dont l’Italie, où elle prend régulièrement ses vacances.

Admirée, critiquée, mise à l’Index par le Vatican, Beauvoir est entrée dans la Pléiade en juin 2018. Son amour des livres, mais aussi du cinéma, de la peinture, des alcools divers et des bons petits plats y éclatent. Simone de Beauvoir, cette femme vivante.

Conférence le 30 novembre 2019, 15h : Simone de Beauvoir, la vie, l’écriture et les voyages

Deuxième partie de mon exposition, abécédaire de Beauvoir :

Beauvoir en dix points

Amitié : avec sa meilleure amie Zaza : « Nous nous sommes mises à parler, à raconter, à commenter : les mots se précipitaient sur mes lèvres, et dans ma poitrine tournoyaient mille soleils (…). » Mémoires d’une jeune fille rangée, Folio, 1999 (1958), p. 130.

Amour : « Le temps et l’espace sont suspendus, immobiles devant un visage qui contient l’essence de tout ce qu’il y a de précieux au monde. » Août 1965, « Une célèbre Française explique ce que l’amour est et ce qu’il n’est pas », McCalls (journal américain), in  Les Écrits de Simone de Beauvoir, Gallimard, 1979, p. 413.

Cinéma : « La plupart des Français aiment alterner les envolées mystiques et la grivoiserie et vice-versa. Avec B.B. c’est peine perdue. Elle les coince et les oblige à être honnêtes avec eux-mêmes. Ils sont forcés d’admettre la grossièreté de leur désir, dont l’objet est très précis : ce corps, ces cuisses, ces fesses, ces seins. » Août 1959, « Brigitte Bardot and the Lolita Syndrom », traduction de Claude Francis et de Fernande Gontier, in Les Écrits de Simone de Beauvoir, Gallimard, 1979, p. 370-371.

Écriture : « Il y a un effort de reconstruction du réel avec les mots qui est, à mon avis, plus difficile dans le roman que dans un récit autobiographique qui se base sur la vérité. » In Josée Dayan, Malka Ribowska, Simone de Beauvoir, Gallimard, 1979, p. 29.

Féminisme : « Et ce serait une erreur de penser que, pour être féministe, il ne faut pas avoir d’enfants : loin de là ! » In Francis Jeanson, « Entretiens avec Simone de Beauvoir », Simone de Beauvoir ou l’entreprise de vivre, Seuil, 1966, p. 263.

Jeunesse : « Je me plais particulièrement dans la compagnie des jeunes. (…) Changer la vie leur semble urgent, parce que c’est leur propre avenir qui est en question. » Tout compte fait, Folio, 1998 (1972), p. 84.

Musique : rencontre avec Boulez en 1961 : « Il nous expliqua comment on restitue la musique ancienne, comment s’opère un enregistrement : pas en une fois comme je le croyais, mais par petits morceaux ; on colle bout à bout les fragments du ruban enregistreur comme on monte un film. » La Force des choses. II., Folio, 1999 (1963), p. 401.

Peinture : « (…) la peinture qui m’offre de si grandes jouissances : Picasso, Derain, Cézanne, Foujita. » Janvier 1927, Cahiers de jeunesse, Gallimard, 2008, p.258.

Théâtre : « J’allai à Porgy and Bess présenté d’une manière ravissante par une troupe américaine, et aux Sorcières de Salem que Rouleau avait très bien monté. » La Force des choses. II., Folio, 1999 (1963), p. 66.

Voyages : « Voyager : ç’avait toujours été un de mes désirs les plus brûlants. Avec quelle nostalgie, jadis, j’avais écouté Zaza quand elle était revenue d’Italie ! » La Force de l’âge, Folio, 1999 (1960), p. 96.

Troisième partie de mon exposition, « Échantillon des œuvres et des goûts de Simone de Beauvoir », à partir des ouvrages présents dans la médiathèque  :

  1. Livres :

– Œuvres de Beauvoir : 

  • Le Deuxième Sexe : « Écrit en moins de deux ans, publié en 1949, scandale énorme. Lire absolument cette analyse de la condition féminine. Exemple : “Être féminine, c’est se montrer impotente, futile, passive, docile.” »
  • Mémoires d’une jeune fille rangée : « Mes parents, ma sœur, mon cousin Jacques, ce drôle de Sartre, les amitiés, la nature en Limousin, la scolarité, mon évolution, Paris.»
  • Une mort très douce : « La mort de sa mère et la description de l’acharnement thérapeutique. Toujours actuel, toujours fort en sentiments haine/amour envers la figure maternelle. »
  • Lettres à Nelson Algren : « Grenouille Simone écrit à son cher Crocodile Nelson. Mais les amours transatlantiques sont parfois difficiles… »

Treblinka, Jean-François Steiner : « (…) dans ma préface, j’essayais de défendre Steiner contre l’accusation d’antisémitisme que certains ne manqueraient pas de porter contre lui. » Tout compte fait, Folio, 1998 (1972), p. 182.

Shoah, Claude Lanzmann : « Le grand art de Claude Lanzmann est de faire parler les lieux, de les ressusciter à travers les voix, et, par-delà les mots, d’exprimer l’indicible par des visages. » Simone de Beauvoir, « “Shoah”, la mémoire de l’horreur », Le Monde, 29 avril 1985.

– Le Lièvre de Patagonie, Claude Lanzmann, Gallimard, 2008 : « J’exhortai ma chérie, sans peine ni effort, à boire avec moi, et les gouttelettes de sueur qui perlaient sur sa lèvre supérieure m’émouvaient tant que je les aspirai dévotement. » p. 262.

B. DVD :

– Les Temps modernes, Charlie Chaplin : « Nous assistâmes à deux séances de suite, nous aurions voulu connaître toutes les images par cœur. » La Force de l’âge, Folio, 1999 (1960), p. 279.

-Drôle de drame, Marcel Carné (1937) : « Autrefois L’affaire est dans le sac, plus récemment Drôle de drame, mis en scène par Carné, avec Barrault, Jouvet, Françoise Rosay nous avait charmés. » La Force de l’âge, Folio, 1999 (1960), p. 399.

-Le Voleur de bicyclette, Vittorio de Sica : « Je vis quelques films ; sur Le Voleur de bicyclette, je partageai l’avis de Cocteau : c’était Rome et un chef-d’œuvre. » La Force des choses. I., Folio, 1998 (1963), p. 272.

-Rocco et ses frères, Luchino Visconti : à Moscou, en juin 1962, avec la famille d’un cinéaste soviétique: « La femme de Kheilfitz et leur fils d’une vingtaine d’années, sont arrivés au café  : ils venaient de voir Rocco et ses frères, elle était remuée et ravie. » La Force des choses. II., Folio, 1999 (1963), p. 479.

C. Livres d’art :

-De Greco à Picasso : [exposition] Musée du Petit Palais, Paris, 10 octobre 1987-3 janvier 1988 : Giacometti parle à Beauvoir de Picasso : « (…) devant chaque nouvelle œuvre, il est comme un adolescent qui commence à peine à découvrir les ressources de l’art. » La Force des choses. I., Folio, 1998 (1963), p. 124.

-De Cézanne à Matisse : chefs-d’oeuvre de la Fondation Barnes : 1931 : « Je marchai sur des chemins rouges et ocre, à travers la plaine d’Aix où je reconnaissais les toiles de Cézanne. » La Force de l’âge, Folio, 1999 (1960), p. 107.

Jean Dubuffet, Centre d’art de Tanlay (Yonne) : « Je connaissais assez bien Dubuffet. (…) C’était, en deçà de ce monde, un autre monde, dérisoire et pourtant joyeux. » Tout compte fait, Folio, 1998 (1972), p. 276. 

D. CD :

-Le Sacre du Printemps, Stravinsky, Igor (1882-1971) (Interprétation de Boulez) : 1927 : « (…) deux fois, Le Sacre du Printemps me transporta. » Mémoires d’une jeune fille rangée, Folio, 1999 (1958), p. 364.

-La Confiture, Les Frères Jacques : passage des Frères Jacques dans la cave/cabaret La Rose rouge : « J’y entendis Les Frères Jacques : leur vogue était énorme et méritée. » La Force des choses. I., Folio, 1998 (1963), p. 247.

-Déshabillez-moi, Juliette Gréco : 1949, avec Nelson Algren : « Dans un grenier d’Antibes où avait émigré le club du Vieux-Colombier, nous écoutâmes Luter ; Gréco chanta (…). » La Force des choses. I., Folio, 1998 (1963), p. 256.

-Quella Fiamma !, Michelle Robert pour « The Man I Love » George Gershwin : « (…) la plainte des hommes, leurs joies égarées, les espoirs brisés avaient trouvé pour se dire une voix brutalement jaillie du cœur de leur nuit et secouée de révolte (…). » La Force de l’âge, Folio, 1999 (1960), p. 161.

Et voici les photos de mon exposition :

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Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Exposition Simone de Beauvoir, médiathèque Olympe de Gouges – Joigny », Voyages autour de mon cerveau, mai 2020. URL : https://vadmc.hypotheses.org/213

 

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire CERILAC. Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies. ISSN : 2729-3092

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