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Pas de danger pour les touristes : La Main au collet

Elle reste dans sa voiture, yeux embués. Que va-t-il lui arriver ? Y aura-t-il du danger ? John Robbie (Cary Grant) vient de lui répondre : « Not for tourists. » (« [Oui, il y aura du danger, mais] pas pour les touristes. ») Elle, Frances Stevens (Grace Kelly), la jeune fille américaine sûre d’elle, éduquée dans les meilleurs pensionnats, venue en terre européenne avec sa mère Jessie (Jessie Royce Landis), craint pour la vie de l’homme qu’elle aime. Ils se sont croisés sur la plage de Cannes, puis au casino de l’hôtel Carlton, dans la comédie policière La Main au collet (To Catch a Thief, Alfred Hitchcock, 1955), adaptée du roman éponyme de David Dodge (1952).

Comme John Mannering alias le Baron (héros de l’Anglais John Creasey/Anthony Morton), John Robie est un ancien cambrioleur retiré des affaires, d’origine nordaméricaine, et qui vit sur la Côte d’Azur. Menenring, lui, est anglais et habite Londres. Robie enquête pour se disculper d’une nouvelle série de vol de bijoux, vols qui portent sa marque. C’est d’ailleurs ce qui arrive au Baron dans L’Ombre du Baron (Shadow for the Baron, 1951).

Dans le film d’Hitchcock, le côté policier se double d’une rencontre amoureuse, classique des années cinquante, entre un homme d’âge mûr et une très jeune fille. En 1955, Cary Grant a cinquante-et-un ans, Grace Kelly vingt-six, soit un écart de vingt-cinq ans. Quant à Brigitte Auber, qui incarne Danielle (en référence à Danielle Darrieux, qui a fait un passage éclair à Hollywood ?), une jeune Française qui aide John, elle a trente ans, donc vingt-et-un ans d’écart avec Cary Grant. De manière ironique, Danielle est censée être plus jeune que Frances, alors qu’elle en est l’aînée de quatre ans.

Les deux personnages féminins sont d’ailleurs confrontées, sous les yeux gênés (encore que…) de John, Danielle lui faisant une scène de jalousie en piquant Frances, qui garde son sang-froid et son sourire, tout en répondant à Danielle. Dans cet échange non sorore entre les deux jeunes filles, nous avons affaire à du sexisme de base, dissimulé sous l’humour de la situation et des répliques qui font mouche, avec une figure paternelle incestueuse comme enjeu.

Car, bien entendu, ce sont les jeunes filles qui courent après les hommes, et les hommes bien plus âgés, et non l’inverse. Même en tenant compte du contexte socio-économique occidental de cette époque, à savoir que le mariage hétérosexuel reste la grande affaire de l’existence féminine, apportant sécurité matérielle et (soi-disant) épanouissement social et sexuel, sans oublier que Hitchcock est un homme de l’avant-Seconde Guerre mondiale et qu’il est âgé de cinquante-six ans en 1955, il n’en reste pas moins navrant que le triangle amoureux soit basé sur une hétéronorme aussi brimante, commune et sexiste. Rappelons également que le réalisateur confie à François Truffaut (journaliste, réalisateur, acteur), dans leurs entretiens, vouloir dans ses films « (…) des femmes du monde, de vraies dames qui deviendront des putains dans la chambre à coucher1. » Hitchcock ne s’embarrasse pas de circonlocutions pour décrire sa vision des femmes, mise en application dans ses œuvres.

Soit une violente misogynie, que nous voyons dans ce film, aussi, lorsque Robie, pour faire la connaissance de Jessie et Frances, qui possèdent des bijoux susceptibles d’être volés, glisse volontairement une plaque de jeu de casino dans le décolleté d’une joueuse, provoquant l’hilarité de Jessie et la confusion de la joueuse. Hitchcock n’envisage les femmes que comme deux catégories distinctes : une figure extérieure sans sexualité, une figure privée à la sexualité sans frein. Soit deux archétypes patriarcaux, le réalisateur plaquant des stéréotypes haineux sur la diversité des individues.

Dans La Main au collet, la haine des femmes s’exprime également par le biais du personnage masculin, traqué chez lui jusqu’aux cinq dernières minutes du film par Frances. Grace Kell a ici un rôle similaire à celui qu’elle jouait dans Fenêtre sur cour (Hitchcock, 1954). Lisa Fremont, jeune fille riche voulant à toute force se marier, y pousse L.B. Jefferies (James Stewart, son aîné de vingt-et-un ans) aux épousailles.

Dans les deux films, la gestion du consentement masculin est problématique, car niée. Alors que John Robie s’est satisfait du baiser qu’il a donné à Frances lors de leur pique-nique sur les hauteurs de l’arrière-pays cannois, du baiser que lui a donné la jeune fille dans les couloirs de l’hôtel, et de leur nuit d’amour dans ce même hôtel, Frances ayant provoqué le désir de John à chaque fois (bien entendu…), l’Américaine veut absolument l’épouser. La liberté sexuelle dont Frances fait preuve est donc un piège, qui rejoint les stratégies matrimoniales décrites par Zola dans Pot-bouille (1882), citées et analysées par Simone de Beauvoir dans Le Deuxième Sexe (1949), puisqu’elles sont toujours d’actualité après la Seconde Guerre mondiale2 :

Et ce qui m’irrite c’est qu’elle n’est pas trop mal quand elle veut, reprit Mme Josserand. Voyons, essuie tes yeux, regarde-moi comme si j’étais un monsieur en train de te faire la cour. Tu vois, tu laisses tomber ton éventail pour que le monsieur en le ramassant effleure tes doigts… Et ne sois pas raide, aie la taille souple. Les hommes n’aiment pas les planches. (…) En France, comme en Amérique, les mères, les aînées, les hebdomadaires féminins enseignent avec cynisme aux jeunes filles l’art d’« attraper » un mari comme le papier tue-mouches attrape les mouches c’est une « pêche », une « chasse », qui demande beaucoup de doigté : ne visez ni trop haut ni trop bas ; ne soyez pas romanesques, mais réalistes ; mêlez la coquetterie à la modestie ; ne demandez ni  trop ni trop peu (…).

Le mâle est une proie, un objet à dérober pour assoir sa position sociale – dans La Main au collet, Frances n’a pas besoin d’argent et sa mère lui propose comiquement de lui offrir Robie. Danielle, elle, a le goût de l’aventure : elle propose à John de partir en Amérique du Sud, faisant la liste de ses compétences ménagères. Pensons ici à une chanson française de 1965, « La bague au doigt », chantée par Marie Laforêt sur des paroles de Maurice Falconier, Nicolas Péridès, Georges Garvarentz3 :

Je sais m’habiller avec trois petits riens

Je sais préparer le café le matin

J’ai de la douceur à chaque fois qu’il faut

Mais prends bien garde à toi, tu es mon seul défaut !

Dans les deux cas, les jeunes filles se mettent en position d’objet à acheter, le prix étant l’alliance, le mariage, donc la protection masculine. L’aventure perd ainsi de son danger.

Notons que Cary Grant reprendra ce rôle de célibataire content de son sort dans Indiscret (Stanley Donen, 1958), mais contraint de se faire passer pour marié, cette fois, car sinon il est traqué par toutes les femmes célibataires de sa classe sociale (bourgeoise) qui, elles, ne veulent qu’une chose, être mariées. Le film de Donen repose donc sur du sexisme de base et de la misogynie ordinaire. On peut se demander si n’y a pas, également, du sexisme envers les personnages masculins dans ce type de films où le héros renâcle au conjugal qui, socialement, le pose pourtant en protecteur et mâle dominant. Car oser vivre par soi-même n’est jamais bien vu dans la société capitaliste traditionnelle, tant pour les femmes que pour les hommes.

Entre Danielle et Frances, la bataille sous-jacente est également d’ordre ethnique et social. Frances vient des États-Unis, Danielle est Française. Hitchcock, Anglais d’origine, s’amuse à opposer une ressortissante de sa patrie d’adoption, les USA, à une native d’un pays européen. Comme Billy Wilder, autre expatrié, le fera dans Avanti!, le maître du suspens met en scène deux pays donc deux univers : d’un côté, Danielle qui travaille et dont la vie n’est pas toujours rose, de l’autre Frances qui vit dans un bulle dorée. Danielle est d’un milieu modeste (son père est maître d’hôtel dans un grand restaurant de la Côte d’Azur, mais il a auparavant gravi les échelons et il trime toujours), Frances a oublié que ses parents possédaient un ranch très pauvre avant la découverte de pétrole dans leur jardin. Et qu’elle est donc une transfuge de classe, pour parler en termes modernes.

C’est aussi le sens de la boutade de Robie : « Pas de danger pour les touristes »… seules les autochtones prennent des risques (au travail, en cachant un suspect, dans le cambriolage), les touristes sont spectatrices (du feu d’artifice dans la baie cannoise, des faits divers locaux, des enquêtes menées pour prouver son innocence, du travail de celles et ceux qui sont à votre service). Et nous, spectateurs et spectatrices, sommes également des touristes. Depuis notre fauteuil, nous voyons défiler des paysages sublimes d’un pays exotique, de belles tenues (surtout celles de Grace Kelly), une enquête policière sans trop de danger et sans effusion de sang, des histoires d’amour dont on sait comment elles vont finir, puisque ce sont Cary Grant et Grace Kelly qui sont des têtes d’affiche. Affiches aussi du générique : celles de la devanture d’une compagnie maritime vantant la Côte d’Azur, la « French Riviera ». Le voyage peut commencer, le public y est embarqué dès les premières secondes du film.

Et devinez ce qui va se passer ? C’est la classe sociale et l’appartenance à un même pays qui sont les plus forts. Il faut bien le tour de force scénaristique de John Michael Hayes pour que Frances réussisse à mettre la corde au cou de John, et que Danielle aille en prison avec le chef du réseau de cambriolage. Car, comme dans bien des comédies romantiques du vingtième siècle, l’enjeu est que les femmes obtiennent le mariage en plus de l’amour. Songeons par exemple à la fin de Charade (Stanley Donen, 1963), où Regina Lampert (Audrey Hepburn) répète avec ravissement le mot « mariage » que vient de prononcer Peter Joshua (Cary Grant). Et non pas « amour ». Ou au tendre duo entre Antoine Delafoy (Claude Rich) et Patricia (Sabine Sinjen) dans Les Tontons flingueurs (Georges Lautner, 1963), la jeune fille demandant à son petit ami de redire non pas « toi moi nous » mais « mariage ». Ni Regina ni Patricia ne sont à la rue, mais hors le mariage, rien ne les intéresse.

Heureusement, un tel scénario ne serait plus possible en notre début de vingt-et-unième siècle, après que les combats féministes séculaires en Occident ont enfin porté leurs fruits et que l’institution patriarcale du mariage, civil et religieux, a perdu de sa valeur, tant dans l’existence réelle que dans les fictions cinématographiques, tout autant que l’énorme différence d’âge dans les couples (l’homme étant plus âgé). Ou pas ?

1 François Truffaut, Hitchcock/Truffaut, Gallimard, 2003, p. 188.

2 Simone de Beauvoir, Le Deuxième Sexe. Tome II, Paris, Gallimard, 2000, p. 198, 204.

3 Source : https://www.bide-et-musique.com/song/18449.html

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Pas de danger pour les touristes : La Main au collet », Voyages autour de mon cerveau, août 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/11019

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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‎Honte sociale 2 VADMC

De la honte sociale (2) : La Peau douce, La Dentellière, Pas son genre

Est-il possible de se comporter décemment quand on est mâle blanc bourgeois et qu’on tombe amoureux d’une femme blanche d’une classe inférieure à la sienne ? François Truffaut, Claude Goretta et Lucas Belvaux répondent par la négative, dans La Peau douce (1964, LPD), La Dentellière (1977, LD) et Pas son genre (2014, PSG). Les deux derniers longs-métrages sont des adaptations plus ou moins fidèles des romans homonymes, l’un de Pascal Lainé (1974, scénariste du film) et l’autre de Philippe Vilain (2011).

Dans ces films, les trois hommes sont en situation socio-économique favorable face à trois femmes de condition plus modeste : Pierre Lachenay (Jean Desailly) est un écrivain spécialiste de Balzac, directeur de la revue littéraire Ratures, qui, lors d’une conférence à Lisbonne sur son dernier livre, Balzac et l’argent, concrétise une aventure avec l’hôtesse de l’air de son avion, Nicole (Françoise Dorléac), dans LPD. François Béligné (Yves Beneyton), étudiant en Lettres à Paris, rencontre Béatrice dite Pomme, une jeune coiffeuse, à une terrasse de café à Cabourg. Lui est dans sa maison de famille, elle est en vacances, grâce à sa collègue Marylène (Florence Giorgetti), dans LD. Clément Le Guern (Loïc Corbery), professeur de philosophie et auteur de l’essai De l’amour et des hasards, se soumet plus ou moins à son exil à Arras en ayant une aventure avec Jennifer (Émilie Dequenne), une coiffeuse divorcée et mère d’un garçon en primaire, dans PSG.

Ce sont donc trois intellectuels/hommes cultivés qui font face à des manuelles/employées, qui n’ont pas de nom, seulement un prénom. Leur demi-personnalité provient de leur métier subalterne, au service des autres. Des travaux typiquement féminins, qui fleurent bon le soin, l’attention maternisante, le dévouement. Et l’invisibilisation, le manque de personnalité. Comment distinguer une hôtesse de l’air d’une autre, une coiffeuse d’une autre ? Du moins en est-il ainsi pour ces trois bourgeois, qui laissent faire le hasard et choisissent leur maîtresse en fonction du jour et de l’heure plutôt que par attachement subit ou coup de foudre instantané. Nicole, Béatrice et Jennifer sont là, elles servent donc à tromper l’ennui des protagonistes masculins.

Ennui dû au dépaysement et à un mariage qui prend l’eau (LPD), à des vacances en province et en famille subies loin de Paris (LD), à un « exil » en province pour le travail (PSG). Car hors Paris point de salut, ces messieurs ne respirent que dans la capitale, où se trouvent leurs cercles professionnels et amicaux, ainsi que leur bibliothèque : revue et écriture sur un auteur y ayant situé la majeure partie de sa Comédie humaine et soirées avec un couple d’ami·es en partance pour Tokyo (LPD), soirées dans des lieux branchés où retrouver d’autres écrivains (PSG), soirées avec des ami·es également étudiant·es (LD).

Ces trois intellectuels se croient également au-dessus des autres, ami·es, famille ou connaissances. Leur condescendance est large, leur mépris précis : parents, amies de leur maîtresse, elles aussi coiffeuses (LD et PSG), ami d’enfance qui s’emporte contre la province tout en y vivant (LPD), aucun·e n’est épargné·e. En toute politesse, bien entendu. Tout passe par des regards qui épinglent tenues et maquillage voyants ou propos véhéments. Et par des silences. Pierre est réduit au silence par les notables (un prêtre, la responsable des affaires culturelles, des passionné·es de culture) de Reims : le curé se souvient de Charlot horloger (serait-ce Les Temps Modernes, Modern Times, 1936 ?), le dernier film qu’il ait vu au cinéma, une dame ne veut plus entendre parler de l’écrivain bourgeois Pierre Daninos, venu présenter son dernier livre, car elle avait une robe qui la grossissait.

Pierre se trouve donc à la fois au centre de l’attention des notables, comme curiosité parisienne, puisque deux dames lui demande s’il est marié et s’il a des enfants, mais empêché de répondre par les autres convives qui veulent placer les derniers potins locaux ; et à la périphérie, car englouti dans ledits potins, racontars et anecdotes. Seule l’arrivée d’une adolescente timide, venue lui faire signer son Balzac et l’argent, car elle ne peut pas assister à sa présentation du documentaire Avec André Gide (Marc Allégret, 1952), le distraie. Truffaut s’amuse à monter en épingle les ridicules des provinciales et des provinciaux, tel un Balzac 64. De quoi amuser, puis ennuyer, Pierre, inquiet pour sa maîtresse, qu’il a reléguée à l’hôtel. Mais, comme le lui déclare Clément (Daniel Ceccaldi), son ami d’enfance qui lui a demandé venir : « Tu sais, en province, quand on tient une célébrité, on la presse comme un citron. », avant d’ajouter, la conférence terminée : « Quelle bande de ploucs ! Pendant que tu parlais, je me disais : “C’est vraiment de la confiture pour les cochons”.» Clément vitupère ensuite contre les gens de Reims, qui ne pensent qu’à manger sous prétexte d’échanges culturels. Et sur la vie en province, où tout est mort et fermé après neuf heures du soir. Heureusement, Clément a gardé son studio à Paris, pour ne pas rester encroûté à Reims.

L’autre Clément, qui a lui aussi conservé son appartement parisien et qui vit à l’hôtel à Arras les trois jours où il donne ses cours au lycée, n’a pas un mot pour Cathy (Sandra Nkaké) et Nolween (Charlotte Talpaert), collègues et amies de Jennifer quand elles et il vont au karaoké local. Il recule quand elles veulent lui faire la bise. Et il refuse de chanter et de danser avec Jennifer. Il faut qu’elle insiste pour qu’il lui cède, se mette à bouger et à chanter, et sembler au diapason de sa joie à elle.  Rappelons que Pierre, lui, est clair dans sa positon de voyeur : il refuse de danser avec Nicole dans une boîte de nuit, mais la regarde de tous ses yeux amoureux et désirants. Et elle joue le jeu, relevant parfois ses cheveux tout en le regardant.

Clément refuse également de chanter avec Jennifer chez elle, en duo. Il ne veut pas entrer dans ses goûts, à l’instar de François, qui ne cherche jamais à faire plaisir à Béatrice et reste dents serrées quand Marylène les entraîne chez elle. Il n’interrompt pas le flot de paroles de Marylène pour donner son opinion et attend juste que la courte visite se termine, alors qu’il est capable d’intervenir et de discuter quand Béatrice et lui se trouvent chez des ami·es à lui.

Pierre et Clément évitent tout contact avec la famille de leur dulcinée, qui n’a pourtant rien e toxique : Pierre par lâcheté d’homme encore marié, Clément par veulerie et parce qu’il n’a aucune envie de se projeter comme beau-père du fils de Jennifer. François, lui, ne sait pas quoi dire à la mère de Béatrice (Anne-Marie Düringer), sauf pour lui demander si sa fille ne va pas lui manquer et lui demander ce qu’elle fait comme travail. Apprenant qu’elle est employée dans une épicerie, il se rencogne dans le silence. Visiblement, le code des bonnes manières qu‘on lui a inculqué et auquel il adhère ne contient pas de chapitre « parler avec des inférieur·es ».

Aucun de ces trois anti-héros n’a de curiosité pour le passé, le présent et parfois même l’avenir de leurs maîtresses. Certes, François pousse Béatrice à faire des études, après s’être enquis de ce qu’elle aimerait faire, ce qui est on ne peut plus louable de sa part. Mais il est déçu par ce qu’il nomme son manque d’ambition (devenir institutrice, ce qu’il comprend comme être puéricultrice), puis par son bonheur à rester coiffeuse. La honte, la honte… pour lui.

Pierre s’intéresse, un peu, à Nicole, mais uniquement pour ce qui concerne son passé amoureux, ainsi que ses horaires de travail, pour venir la retrouver et faire l’amour avec elle. Il décide de son avenir sans la consulter, à savoir qu’il divorce, qu’il épouse Nicole et qu’ils s’installent dans un nouvel appartement, où il décrit surtout les pièces qui le concerne lui : bureau, bibliothèque, chambre pour sa fillette Sabine (Sabine Haudepin).

Clément se fait reprocher âprement son manque d’intérêt pour l’existence de Jennifer. Contrairement à ses ex-compagnons, Clément ne lui fait aucune scène de jalousie, ne l’appelle jamais, ne lui envoie pas de textos, ne lui demande pas comment s’est passée sa journée, si un/des client·s ne l’ont pas draguée avec plus ou moins de finesse. Il ne respecte ni les codes de la virilité patriarcale de base en étant jaloux et harcelant, ni les bases de la vie conjugale du début du vingt-et-unième siècle, via les textos et les appels. Jennifer finit par lui déclarer qu’elle pourrait partir avec un autre à la minute même, il resterait planté là, sans réaction ni sentiment. Et que, s’il est avec elle, c’est uniquement parce qu’elle est « bandante » et qu’il s’ennuie en province, lui, le Parisien (cf. plus haut). Une attitude masculine à mille lieux de celle de Grégoire dans l’adaptation de L’Amour et les Forêts , qui harcèle sa femme Blanche au téléphone toute la journée, par des appels et des textos incessants. Clément semble trouver un équilibre, après les reproches de Jennifer, en lui téléphonant et en lui envoyant des textos. Mais comme, contrairement au roman de Philippe Vilain, nous n’avons pas accès à son intériorité, nous ne pouvons pas savoir s’il est sincère. Ou s’il fait des expérimentations en vue d’un nouvel essai, ou s’il a peur de perdre sa maîtresse, ce qui voudrait dire faire de nouveaux efforts pour être sociable et agréable envers un autre être de sexe féminin. Et prendre du temps pour faire sa cour, avant de pouvoir passer à l’acte. Or, nous avons pu constater qu’il avait des besoins pressants, puisque Jennifer lui a dit à plusieurs reprises qu’il était trop impatient de passer au lit.

La gestion du consentement féminin par les hommes est traitée dans les trois films. Clément est donc trop insistant dans ses bises qu’il voudrait bien transformer en baiser dès le premier soir, suivie d’une matérialisation dans sa chambre d’hôtel. De même qu’il voudrait enchaîner verre dans une brasserie, restaurant, cinéma et concrétisation. Une double approche qui n’est en phase ni avec une simple coucherie, ni avec une relation sur le long terme. Clément pense ici dans son pantalon, et non avec son approche distante critique habituelle. Pour finir, il fait l’amour (sic) avec Jennifer en gardant les yeux fermés, ce qui exaspère la jeune femme, qui finit, elle, par lui ouvrir les paupières et à les maintenir ouvertes pendant l’acte. Clément est rattrapé par son sujet d’étude, le viscéral, qu’il a explicité dans son essai sur, croit-il, l’amour. Son Moi profond résonne dans son corps et le pousse à oublier que le corps en-dessous de lui possède âme, esprit, cœur et sentiments. Rien en compte que son plaisir.

C’est également le cas pour Pierre, en mode mineur, qui est déçu que Nicole ne réponde pas tout de suite à son désir, à Lisbonne. Mais la chambre de Nicole, la 813 (clin d’œil truffaldien à Arsène Lupin), finit par les accueillir. Et Pierre enveloppe son envie pour cette femme bien plus jeune que lui en amour, ce qui ne l’empêche pas de la cacher à l’hôtel Michelet à Reims, et de la réveiller après sa conférence et ses échanges avec Clément, afin qu’ils partent « comme des voleurs » (Truffaut reprendra cette phrase en 1973 dans La Nuit américaine). Pierre ne tient pas compte de la fatigue ni de la déception de Nicole, avant de s’excuser : « Je te demande pardon ma petite fille. » Par ce terme il l’infantilise, et l’assimile à sa propre fille, qu’il surnomme « ma poupée ». Un peu plus tard, lorsqu’ils se trouvent dans le « séjour de charme » La Collinière (coucou La Règle du jeu), Pierre photographie Nicole en extérieur, en forêt, cheveux relevés ou lâchés, assise ou debout. Puis eux deux, avec un retardateur. C’est lui qui dicte les postures de Nicole, sans tenir compte de sa fatigue ni du froid qu’elle ressent.

Seul François est à l’écoute du consentement de Béatrice. À Cabourg, il lui dit explicitement qu’il veut passer la nuit avec elle, puis, le lendemain, qu’il ne veut en aucun cas la forcer, que si elle ne souhaite pas coucher avec lui ça va. Et tout cela après deux jours pleins passés ensemble sur la plage, au café, dans un cimetière américain, dans un café en plein air à la campagne, chez les parents (absents) de François. Le temps des vacances allonge leur découverte l’un de l’autre, tout en précipitant la concrétisation de leur amour naissant. Concrétisation où François ne brusque pas Béatrice, vierge. Il respecte son désir et ses appréhensions.

Ce qui ne l’empêche pas d’être possessif à l’occasion (séquence à la campagne), contrairement à Clément et à Pierre, qui ne supportent pas l’attitude sans complexes de leurs maîtresses, dans un poids masculin de tabous sociaux et sexuels. Cette pression entraîne une envie de les cacher, à l’hôtel, dans leur studio (LPD), dans leur appartement (PSG), dans le studio en duo (LD).

L’espace extérieur doit rester au masculin singulier, ce dont témoignent les harcèlements dont sont victimes Nicole et Franca (Nelly Benedetti) quand elles sont seules dans la rue, dans LPD. Pour autant, Nicole et Franca ne se laissent pas faire. Franca retourne même la situation face au harceleur (Jean-Louis Richard, un des scénaristes de LPD) :

Est-ce qu’il y a qui s’allongent ? Est-ce que vous les emmenez à la campagne ? Vous vous prenez pour un Don Juan, un homme irrésistible, c’est ça ? (…) Regardez-vous dans une glace !

Et elle le traîne devant une glace de magasin. Le harceler fuit, sous les yeux amusés de passant·es.

L’extérieur est donc gênant pour les couples Pierre-Nicole, Clément-Jennifer : salle de restaurant du séjour de charme, restaurant chic à Paris dans une cave post-post-post-existentialiste (LPD), restaurant chic à Arras, karaoké et carnaval à Cassel (PSG). Pierre et Clément inspectent les tenues de leurs dames, leur maquillage et la trace que le rouge à lèvres laisse sur la serviette – damassée – et le verre à pied (Clément). Pierre demande à Nicole de parler moins fort. Clément peine à rejoindre Jennifer sur la piste de danse du karaoké.

Ils sont gênés, aussi, par leurs gestes et mots de tendresse : mains de Nicole et Jennifer qui se tendent vers eux à travers la table, confidence chuchotée de Nicole sur les femmes qui aiment faire l’amour parce que portant un haut imitation panthère, surnom de « chaton » donné à Clément par Jennifer. La distance n’est pas spatiale mais sociale, comme pendant le carnaval. Clément et Jennifer, qui s’amusent franchement, croisent Hélène (Anne Coesens), l’autre professeure de philosophie du lycée d’Arras, accompagnée de son mari Philippe (Philippe Vilain) et de leurs deux enfants. Clément restant muet, Jennifer dit son prénom. Hélène et sa famille saluent, puis s’en vont. La musique tonitruante du carnaval est de plus en plus assourdis, Jennifer a les larmes aux yeux. Clément et elle quittent la joie et le groupe du carnaval pour rester assis sur un muret, à l’écart de la société.

La honte est là, celle de Clément, tout comme celle de François lorsqu’il présente Béatrice à ses parents dans la maison familiale de Cabourg. Semblable à Clément, François ne peut pas dire que Béatrice n’est pas étudiante mais coiffeuse, et la coupe lorsqu’elle va donner son métier. Ce qui ne passe pas pour Béatrice, qui s’étouffe alors avec une arête de poisson. Et la honte sociale va progressivement couper le désir de François pour Béatrice, qui s’enfonce dans la folie. Pierre et Clément, eux, ont des appétits sensuels plus résistants, car rien n’arrête leur désir, jusqu’à ce que Nicole et Jennifer refusent d’être disponibles pour eux.

Il ne reste alors à Pierre, François et Clément que le passé, les livres et les écrivains, entendus non comme passeurs de culture, analystes de la société de leur époque et objets vivants, mais comme refuge et armes de mépris social. Sans surprise, aucun n’est politisé. Pierre vit à travers Balzac, François dans ses cours de Lettres, Clément n’aime que les morts et que les hommes soit en philosophie soit en littérature, contrairement à Jennifer, qui cite l’écrivaine contemporaine Anna Gavalda. Mais Clément sait les utiliser à des fins concrètes et actuelles : pédagogiques dans ses cours, dans un embryon de carrière universitaire lors du colloque « 35e assises de la philosophie allemande », ou pour mettre son numéro de téléphone sur la page de garde de L’Idiot de Dostoïevski qu’il offre à Jennifer lors de leur premier rendez-vous.

Nous sommes dans le cliché vivant de l’intellectuel renfermé dans sa tour d’ivoire, malheureusement pourvu d’une sexualité et de désirs qui provoquent des ravages chez leurs partenaires. Si Nicole part sans dégâts, Franca en vient à tuer Pierre d’un coup de fusil de chasse (autre signe social bourgeois), situation que Truffaut inversera dans Vivement dimanche ! (1983), où c’est l’épouse qui est assassinée avec un fusil de chasse. Béatrice devient folle et finit dans une maison de santé, pudique dénomination pour asile. Au dernier plan du film, elle nous fixe d’un regard incompréhensif et douloureux, à l’instar d’un Antoine Doinel, adolescent d’origine populaire, en rupture de maison de correction à la fin des Quatre Cents Coups (François Truffaut, 1959). Jennifer regarde durement Clément la dernière fois qu’elle fait l’amour avec lui, avant d’aller chanter « I Will Survive » (Gloria Gaynor, 1978) au karaoké, seule sur scène, larmes aux yeux. L’ultime plan nous montre son appartement vide. Les hommes de savoir plaquent trop d’analyses sur elles et ont trop d’emprise sur elles, donc elles partent, plus ou moins blessées, ou deviennent folles.

Pierre, François et Clément veulent façonner leur maîtresse, selon la morale patriarcale traditionnelle de la soumission féminine au modelage de son homme (mari, amant…). Et combien de livres, films, chansons, émissions de télévision… ont montré et montrent encore de femmes châtiées, et châtiées avec l’adhésion du public, parce que ne se conformant pas aux goûts de leur Pygmalion ? Truffaut, Goretta et Belvaux prennent le contre-pied de ce stéréotype mortifère en présentant des Pygmalion honteux, dont la responsabilité sexiste est remise en cause. Car les trois anti-héros n’assument pas, au final, leur envie d’imposer leur volonté – pour leur bien à elles, bien entendu – à Nicole, Béatrice et Jennifer. Pierre est en mode bon papa incestueux, François en peine à être adulte, Clément en prof partout tout le temps.

Dans LPD, Nicole est bien plus jeune que Pierre, ce qui accentue leur différence sociale, et, potentiellement, l’emprise que pourrait avoir Pierre sur elle. Ce qui est confirmé lors de leur échappée à Reims. Lachenay demande à Nicole si elle a emporté une jupe, parce qu’il n’aime pas le jean qu’elle porte. Ce n’est pas tant que Pierre demeure en esprit dans le dix-neuvième siècle balzacien – qu’aurait pensé Rastignac s’il avait vu Delphine de Nucingen en Levi’s ? – que sa classe sociale n’admet pas les femmes en pantalon et donc encore moins en jean (cf. aussi Christiane Rochefort, Les Stances à Sophie, in Œuvre romanesque, Paris, Grasset, 2004, p. 301). Si Nicole finit par se changer, sa tenue bourgeoise impose une course contre la montre à Pierre, car la paire de bas de Nicole a filé, il lui en faut d’autres. Or la boutique de lingerie ferme quand Pierre y arrive, sans oublier l’embarras d’acheter des bas pour une femme qui n’est pas son épouse, avec la crainte d’être surpris par des gens de Reims qu’il retrouvera peut-être au cinéma lors de sa conférence. Et, au final, Pierre n’arrive pas à contraindre Nicole à son désir de l’épouser (cf. plus haut).

Nous ne reviendrons pas sur le cas de François, sauf pour insister sur la dangerosité de sa conduite envers Béatrice, qui peine déjà assez à se défaire de son surnom de « Pomme », et accéder à son véritable prénom, à l’instar de l’héroïne – pourtant bourgeoise – de Dirty Dancing. Dans une scène célèbre de LD, François s’amuse à faire marcher Pomme/Béatrice, qui a les yeux fermés, le long des falaises normandes. Lui est bien à l’abri, tandis qu’elle côtoie l’abîme sans le savoir. Une attitude à la limite de la criminalité que ne renierait pas le comte Vorski (Jean-Paul Zehnacker) dans l’adaptation très fidèle de L’Ile aux Trente Cercueils (Marcel Cravenne, 1979 ; Maurice Leblanc, 1919), qui poursuit son ancienne épouse Véronique d’Hergemont (Claude Jade) de sa haine jalouse et maladive. Philippe Maroux (Yves Beneyton), ami de Véronique, n’aura pas trop de sa ténacité pour faire échouer les plans mortifères de Vorski, quitte à se retrouver enchaîné sur une dalle qui glisse vers l’océan breton. Toujours dans LD, Marianne (Renate Schroeter), amie de François, s’agace de l’attitude infantile de ce dernier : « Il fait ses conneries et après il faudrait qu’on lui tienne la main. » Car François n’a pas envie d’aller voir Béatrice devenue folle, et surtout pas seul. Il est lâche et refuse ses responsabilités d’adulte.

Nous ne sommes pas loin de l’attitude de veule incompréhension d’un Charles Bovary face à la dépression suicidaire de son épouse Emma. Ni de la victimisation du père dans le film masculiniste Tonnerre (Guillaume Brac, 2014), qui a abandonné sa femme qui était en phase terminale de cancer pour partir avec une femme bien plus jeune que lui. Ni de l’attitude geignarde de Leif (Kim Bodnia), qui amène sa très jeune maîtresse Thilde (Christiane Schaumburg-Müller), une collègue de travail, au domicile conjugal, dans Love Is All You Need (Suzanne Bier, Den skaldede frisør, 2012). Et qui, lorsque sa femme Ida (Trine Dyrholm), une coiffeuse, les surprend en pleine action, se défend en arguant de la pression insupportable que le cancer d’Ida fait peser sur son mental et son quotidien à lui. Ida trouvera heureusement une épaule, un mental et un quotidien amoureux, désirant et sécurisant auprès de Philip (Pierce Brosnan), homme d’affaires nord-américain. Philip n’est rebuté ni par leur différence sociale, ethnique, ni par le sein en moins et le crâne rasé d’Ida.

Clément, quant à lui, se penche sur le cas Jennifer avec autant de bonne volonté qu’il en met à expliquer l’épicurisme et le kantisme à ses élèves d’Arras. Il offre des livres à Jennifer (Dostoïevski, Kant), il lui en lit (extraits d’Au bonheur des dames, de La Recherche, d’un recueil de poésie lancinant). Et Jennifer, quand elle en a assez, retrouve des réflexes d’élève qui s’ennuie et qui perturbe le cours : elle se met à chanter une chanson paillarde locale, puisque, comme l’a dit un ivrogne à Clément : « on est chez nous ! » Lucas Belvaux reprendra cette phrase dans son film suivant Chez nous (2017), toujours avec Émilie Dequenne et toujours situé dans le nord de la France. Pas question pour une fois d’être ouverte à la différence. Il faut dire que Clément est didactique et tranchant, il ne la laisse que peu exprimer son avis, qu’il tourne aussitôt en dérision. Ce à quoi Jennifer lui réplique doucement : « Ah, c’est l’heure de ma leçon. » Clément s’en défend, mais continue à pilonner l’opinion de Jennifer. Qui écoute bien sagement, mais sans admiration excessive. La seule gagnante, peut-être, sera la baby-sitter (Tiffany Coulombel) du fils de Jennifer, à laquelle Jennifer conseille de bien travailler au collège et de lire, afin de pouvoir choisir sa voie. Et de lui offrir un roman, dans un Pygmalionisme par ricochet.

Certes, dans ces trois films, l’ordre social est sauvegardé, puisque les couples de classes différentes se séparent, mais à quel prix, pour les femmes ? Les trois hommes utilisent leur culture, leur intelligence, leur vocabulaire étendu, leurs vastes connaissances, comme des armes pour enfoncer l’autre, spécialement quand c’est une femme, et une femme de milieu inférieur. Que faire ?   Réduire le patriarcat à néant, ainsi que les différences de classe.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « De la honte sociale (2) : La Peau douce, La Dentellière, Pas son genre », Voyages autour de mon cerveau, juillet 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/10926

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Yentl anti-Titanic VADMC

Yentl, l’anti-Titanic

Être une jeune fille et parvenir à être libre sans aide est possible, que ce soit dans la réalité ou dans la fiction. Dans certaines fictions. Ainsi, la longue, très longue, comédie romantique Titanic (James Cameron, 1997) est-elle d’un sexisme absolu de ce point de vue-là, contrairement à la comédie dramatique Yentl (Barbra Streisand, 1983). S’il est dommage que ce soit le film le plus ancien qui soit féministe et non le plus récent, il n’est hélas pas étonnant que ce soit le long-métrage réalisé par une femme qui montre l’ascension vers sa liberté de l’héroïne.

Yentl (Barbra Streisand) est une jeune fille juive polonaise du début du vingtième siècle. Orpheline de mère, fille de rabbin, elle étudie le Talmud en cachette, car interdit aux filles et aux femmes, trop impures pour toucher le saint texte et pour avoir le droit de prendre goût aux études. La réalisatrice montre l’intégrisme religieux dans toute sa splendeur, donc la misogynie et le machisme de ce milieu, qui ne doit pas être moindre chez les catholiques et les orthodoxes polonais.

À la mort de son père, Yentl décide de partir à la découverte du monde et de faire des études. Par mesure de sécurité et parce qu’elle n’a pas le droit d’étudier en tant que femme, elle coupe ses cheveux et revêt un costume masculin. Croisant la route d’Avigdor (Mandy Patinkin), elle fait des études en sa compagnie. Amoureuse de lui, dans le cheminement habituel des jeunes filles de son époque retranscrit dans les contes, les romans puis dans les films classiques, elle fait la connaissance de sa fiancée, Hadass (Amy Irving).

La réalisatrice évite avec brio l’affrontement sexiste, via la chanson « No wonder » (« Ce n’est pas étonnant »). Yentl y exprime sa jalousie, vite remplacée par la liste des qualités d’Hadass, tant physiques que ménagères. Hadass correspond en effet au topique de la jeune bourgeoise européenne de la Belle Époque : cheveux longs, élégante, polie, devançant les moindres désirs de ces messieurs, sachant coudre, cuisiner, tenir une conversation mondaine. Elle est tout ce que Yentl n’est pas, non seulement de par sa classe sociale, mais également par son conformisme aux cadres patriarcaux. Et c’est Yentl, Pygmalionne pleine d’allant, qui va l’en émanciper, un peu, en lui apprenant à lire et à écrire, quand elle va se marier avec elle, sous son identité masculine.

Mais la destinée de Yentl ne s’arrête pas dans l’enclos de cette demeure bourgeoise. Afin de réunir son épouse à son ancien fiancé, qui l’aime toujours, Yentl révèle qu’elle est une femme, et émigre aux États-Unis. Elle rejoint sa classe sociale d’origine, mais avec de la maturité, et en étant libre de ses mouvements, sans aucune tutelle ni entraves. Sur le pont du bateau qui s’éloigne, elle chante son bonheur de tout son cœur, faisant rimer « voice » (voix) avec « choice » (choix), dans « A Piece of Sky » (« Un morceau de ciel »). Yentl, femme indépendante, n’a besoin de personne pour parcourir le bateau et s’accouder au rebord, tournée vers son futur pays. Alors que James Cameron n’a su qu’imaginer son héroïne bourgeoise Rose (Kate Winslet) en besoin de soutien – masculin. Et ce, alors que le début du film montre le caractère rebelle de Rose et son peu d’empressement à se plier aux règles de la bonne société. Mais le réalisateur l’a dotée d’un Pygmalion, Jack (Leonardo di Caprio) qui la porte et la retient au fronton du paquebot. Et qui, étant d’un milieu populaire, lui fait découvrir la « vraie vie ». Qu’elle vivra seule, bien entendu, telle une veuve éternelle, sans être là aussi autorisée par le réalisateur à avoir une vie sexuelle.

Au contraire, l’histoire de Yentl n’est pas terminée à la fin du film, libre à elle de vivre, d’étudier, d’aimer, de travailler. Et, peut-être, sa petite-fille étudiera-t-elle à Cornell, rencontrant un bel étudiant (Robert Redford), et nous serons alors dans Nos plus belles années (The Way We Were, Sydney Pollack, 1973).

En attendant, place au chant, au ciel, aux mouettes et à la liberté conquise par soi-même.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Yentl, l’anti-Titanic », Voyages autour de mon cerveau, avril 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9711

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Condescendance masculine chez Joe Dassin VADMC

Condescendance masculine chez Joe Dassin

Le domaine de la chanson, populaire ou d’auteur et d’autrice, est lent à enregistrer les changements sociaux, et à s’y intéresser en profondeur. Par contre, la continuité patriarcale s’y exprime tranquillement, quelle que soit l’époque. Le paternalisme est à l’œuvre dans certaines chansons de Joe Dassin : « Bip-Bip » (1966), « Excuse me lady » (1966), « Tout bébé a besoin d’une maman » (1967), « Billy le Bordelais » (1970), « Cécilia » (1970), « La Fleur aux dents » (1970), « C’est la vie, Lily » (1970), « Fais la bise à ta maman » (1971), « La Demoiselle du déshonneur » (1978).

Toutes ces chansons sont à la première personne, le « je » du chanteur/narrateur exprimant son point de vue et dictant ce qu’il pense des femmes, à savoir qu’elles sont de mœurs légères, donc condamnables (« Excuse me lady », « Cécilia », « C’est la vie, Lily », « Fais la bise à ta maman », « La Demoiselle du déshonneur »), et sottes (« Billy le Bordelais », « Fais la bise à ta maman »). Les femmes sont catégorisées, classées selon l’échelle sexiste habituelle idole/prostituée : « Il y a les filles dont on rêve/Et celles avec qui l’on dort » (« La Fleur aux dents »). Femmes qui d’ailleurs ne le sont pas, puisque rabaissées au rang de « fille », c’est-à-dire de prostituée dans le second cas, et de vierges dans le premier. Il y a les filles que le mâle respecte tout en fantasmant sur elles, et il y a les femmes, donc, qui servent à assouvir les pulsions sexuelles du narrateur.

C’est sans surprise que « C’est la vie, Lily » et « La Demoiselle du déshonneur » décrivent des esclaves sexuelles, dont plus personne ne veut, car âgées. Le système prostituteur n’est pas questionné ni remis en cause. Dans la seconde chanson, c’est la prostituée, bien entendu, qui fait des avances à l’adolescent bien comme il faut. Jeune homme qui a l’outrecuidance, en outre, d’exprimer ses regrets dans la manière dont il a perdu sa virginité : « On peut rêver mieux/Pour sa grande première/De couchers d’soleils ou de champs d’muguet. » La goujaterie se mêle au mépris de classe, comme dans « Billy le Bordelais », « C’est la vie, Lily », « Fais la bise à ta maman ».

Il faut que ce soit le chanteur/narrateur qui donne sa permission aux femmes d’être fidèle : « O Cécilia, si tu ne l’es pas/Je ne t’en veux pas pour autant ». Ouf, nous voilà rassurées, nous, les auditrices. Heureusement qu’une instance masculine venue d’en haut autorise la femme en question à avoir une vie sexuelle en dehors de sa présence. Le patriarcat est également sauvé par le temps qui passe : « (…) la saison/Viendra où j’aurai seul la clé de ta maison ». On espère qu’il lui en laissera une tout de même. De même, dans « Fais la bise à ta maman », le narrateur renvoie la femme avec laquelle il vient d’avoir une aventure à ses parents, tout en pansant son orgueil blessé, puisque c’est elle qui le quitte :

Tout passe, tout casse

Tu veux rentrer chez toi (…)

Tu m’as perdu fillette

Personne n’est parfait (…)

Tu as joué de tous tes atouts de femme

Mais le plus quitté des deux n’est pas celui qu’on croit (…)

Le narrateur se drape dans sa dignité, prenant de haut la volonté de son ex-compagne/partenaire sexuelle de partir et la culpabilisant. Alors que si Joe Dassin s’était appelé Pascal Danel, il aurait pu s’écrier : « J’ai envie de t’aimer (…) Je veux t’aimer à mon idée » (« La Plage aux romantiques », 1966). Heureusement, Joe Dassin avait anticipé son désarroi, en 1966 dans « Bip-Bip », en soulignant ce que le physique féminin pouvait avoir de disgracieux, donc d’anti-érotique, selon des stéréotypes masculins et spécistes :

J’ai rendez-vous ce soir avec la fille de mon patron

Elle fume le cigare, elle a des tout p’tits yeux tout ronds

Si je suis en retard c’est toujours ça de gagné

George Sand nous voilà, attaques misogynes comprises. C’est aux femmes de se conformer aux attentes des hommes et de ne pas fumer, sous peine de passer pour des femmes de mauvaise vie, comme dans les années 1930.

Par contre, Billy, lui, n’a de comptes à rendre à personne : « Tout le monde y passait » (monde au féminin) et il est encouragé : « Car le bon vin de Saint Emilion/Ça vous donne un cœur de lion/Pour trousser les jupons et les cotillons », d’autant qu’il fait moult et moult enfants. Cette chanson condense l’ensemble du virilisme et du nationalisme français : vin à flot, mais vin français, hyper-sexualité, mais bien vue et considérée comme normale puisque masculine, avec viols et violences autres, le but ultime étant de faire le plus d’enfants possible, dans le natalisme pétainiste et post-vichyste très Trente Glorieuses.

Le ton se fait dictatorial et accusateur dans « Tout bébé a besoin d’une maman ». Joe Dassin prend des exemples d’hommes brutaux en mélangeant réalité et fiction (Attila, Adam, Barbe-Bleue) pour mieux faire le procès des mères, uniques responsables de la démence de leurs rejetons. Ces trois figures semblent sans père, sans figure paternelle, bienveillante ou malveillante. La fin de la chanson enjoint au public de continuer la ronde paternaliste :

Et faites pour vos mamans

De beaux petits-enfants

Afin qu’elles puissent leur chanter

Car tout petit bébé (tout petit bébé, oh petit bébé)

A besoin d’une maman

Pour l’aimer

L’ordre est double : aux enfants de ne pas choisir d’en faire ou pas (deux ans après la légalisation de la pilule contraceptive féminine), aux mères de se transformer en grand-mères, et grand-mères qui répètent la norme mortifère imposée par le chanteur, également co-auteur des paroles.

À bas le paternalisme, vive la chanson et les féminismes !

 

 

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Condescendance masculine chez Joe Dassin », Voyages autour de mon cerveau, mars 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9120

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Interview de T. Dee

Sororités comblées – Interview de Typhaine D

Typhaine D est autrice, comédienne, metteuse en scène, formatrice, coach, conférencière engagée pour les Droits des Femmes, des Enfants et des personnes animales.

Tiphaine Martin – Pourquoi tes contes sont-ils « à rebours » ? Un hommage au masculiniste Huysmans ?

Typhaine D – Pas du tout, je n’ai pas eu le déplaisir d’entendre parler de ce monsieur !

Comme Alice Coffin l’a dite dans un passage de son livre  Le Génie lesbien qui a fait scandale chez les masculinistes (bien délicats tout de même pour être effarouchés si souvent par la moindre de nos déclarations féministes), je ne lis que des femmes, et ce depuis des années.

De plus, je ne rends jamais d’hommages, mais bien des Femmages !
J’ai nommée ma première pièce de théâtre Contes à Rebours pour articuler trois principales idées, mises en résonance dans ce jeux de mots.

La première : je voulais remettre à l’endroit ces histoires qui noues sont livrées à l’envers, dont la morale est retournée, marche sur la tête, où les victimes sont les coupables et les bourreaux nos soit-disant alliés. En effet, elles ont bercé notre enfance et forment, de gré, ou plutôt de force via l’empire Disney, notre imaginaire commun. Pétries de propagande misogyne, misopédique (haineuse des enfants), spéciste (haineuse des autres espèces animales), validiste (discriminantes des personnes en situation de handicap), et tout à loisir racistes et classistes, elles insinuent un imaginaire inégalitaire et violent dans les esprits des enfant·es. Or, c’est l’imaginaire qui constitue notre machine à rêver. Et ce que nous rêvons devient ce qui est désiré. Or, par les contes traditionnels, on présente aux petites filles comme désirable un destin de ménagère domestique béate, qui ne serait rien sans le prince qui l’a choisie parce qu’elle était jeune et jolie. Si au contraire l’on faisait rêver les enfants avec des modèle de femmes courageuses, indépendantes, intelligentes, on tournerait alors l’ambition des filles d’un autre côté. De même, une langue qui respecte la règle de grammaire inique « le masculin l’emporte sur le féminin » (voir les travaux brillants d’Eliane Viennot), implique la domination des hommes contre les femmes de manière sibylline dans chacune de nos phrases lues ou dites. Or, le langage structure la pensées, qui engendre des actions. Une langue féministe, comme celle que j’ai inventée pour porter mes idées, « la Féminine Universelle », me paraît donc une des clefs de notre émancipation. Comme je dis souvent : « les imaginaires égalitaires font naître les réalités de l’égalité ». Je voulais donc revisiter les contes de fées, ainsi que le langage pour les transmettre, de manière fée-ministe, à rebours de qu’on noues a raconter.

La seconde idée : pour transmettre ces nouvelles histoires plus justes, je voulais donner la parole aux Princesses, Reines, Petites Filles ou encore Sorcières que noues pensions connaître par cœur. Abandonnées après le joli mot de « fin » qui devait clore leurs piètres destinées de femmes domestiquées et passives, ou diabolisées et vaincues, les unes appropriées par les hommes et les autres par eux combattues, et toujours divisées entre elles, dans Contes à Rebours elles remontent le fil de leur véritable histoire pour se rendre enfin justice. Elles délivrent leur version des contes de faits. Elles font écho à nos vies de femmes, à notre héroïsme quotidien dans un système patriarcal qui noues maltraite sans cesse. Elles noues offrent des pistes de soins, de compréhension des systèmes d’oppression et d’émancipation via les luttes collective et la sororité. Remontante chrono-logiquemente ainsi le fil de leur récit, depuis la « fin » imposée dans la version des hommes, jusqu’au début de leur parcours, elles se content à rebours.

La troisième idée : je voulais exprimer le compte-à-rebours dans lequel noues sommes prises, broyées, en tant que femmes, et féministes. En effet, chaque seconde sur la terre, implacable, des filles et des femmes sont en train d’être violées, battues, tuées, par des hommes, parce qu’elles sont des filles et des femmes, et parce qu’ils sont des hommes. À rebours de ces crimes, noues comptons les victimes, noues décomptons nos mortes. Chaque seconde sur la terre noues perdons plusieurs des nôtres, féminicidées. Chaque seconde l’urgence est plus grande. Le compte à rebours de notre défaite finale, ou de notre délivrance, est ainsi enclenché.

T.M. – Comment as-tu choisi tes héroïnes ?

T.D. – J’ai prise au fil de l’écriture les premières qui me venaient à l’esprit… Certaines m’avaient particulièremente émue et attendrie dans mon enfance, comme les 7 Filles de l’ogre dans le petit poucet, dont le sort révoltant est d’être sacrifiées, jetées en pâture à leur père violent, pour que vivent 7 frères. Ou encore le petit chaperon rouge, « qui n’aurait pas été mangée si elle avait obéit à sa maman », noues dit-on, « c’est donc bien de sa faute voyons »…

D’autres avaient été pour moie des sources de rêveries et d’identification, comme la petite Sirène pour laquelle j’avais beaucoup d’affection. La petite fille que j’étais y avait vue autre chose que la femme sous emprise d’un inconnu qui ne la mérite pas, mais plutôt une adolescente qui souhaitait quitter son monde, son milieu, sa famille, s’en émanciper « partir là-bas. » Et cela pouvait me parler…

D’autres encore étaient des figures qui m’avaient marquée, que j’avais pu trouver fascinantes dans leurs forces, leur splendeur digne et puissante. Je parle bien sûr des différentes personnages de sorcières dont enfante je prenais le parti, qu’elle s’agisse de celle de Blanche Neige, de Hansel et Gretel ou de la Belle au bois dormant.

Je voulais aussi redonner de l’intelligence et de la dignité à ces princesses qui noues étaient dépeintes comme fragiles, frivoles, un brin neu-neues aussi… J’incarne par exemple une Blanche Neige qui ne s’en laisse pas compter, ou une belle au bois… très éveillée !

Et qui, pour parler mieux de mille et une nuits de frayeur et de harcèlement imposées par les hommes dans l’espace public, que Shéhérazade ?
Ce ne sont que des exemples, bien d’autres personnages sont à découvrir dans le spectacle et le livre qui en est tiré (et que l’on peut toujours se procurer1). Et comme le spectacle évolue au fil des tournées ou de l’actualité, plusieurs autres Héroïnes viendront peut-être un jour rejoindre la joyeuse troupe à leur tour !

T.M. – Un parallèle à établir entre la fin joyeuse de tes Contes à rebours et celle, toute aussi pétillante, de « Petit Bonhomme » d’Anne Sylvestre ?

T.D. – Le parallèle est très juste en effet ! Bien que je n’ai découverte cette merveilleuse chanson d’Anne Sylvestre (ma préférée) qu’après l’écriture du monologue dynamique de La Belle au Bois Éveillée qui clos le livre, j’ai, en l’écoutante, ressentie la même sorte de jubilation féministe et sorore que celle que j’avais voulu impulser en bouquet final !
En effet, les différentes personnages de Contes à Rebours placent chacune le projecteur sur des discriminations et violences sexistes et sexuelles spécifiques, et comme ces réalités sont difficiles à affronter pour les opprimées, noues méritons bien aussi d’être soulagées par du rire, de l’espièglerie, de la revanche aussi ! Dans Contes à Rebours, on varie les registres et les émotions, passante tour à tour du stand-up à la poésie comme de la colère à l’euphorie, du chant au slam comme du rire aux larmes. Ce mélange des genres permet je crois de toute dire et de mieux entendre aussi. L’humour allège les propos les plus dures, et inversemente ces derniers empêchent les premiers de manquer de consistance. Ce jeux de ruptures revient à prendre les femmes du public par la main pour les amener pas à pas vers une plus grande conscience de notre condition. Anne Sylvestre maniait ce jeu à la perfection.

Dans « Petit Bonhomme » comme dans Contes à Rebours, on trouve d’abord une dénonciation  forte de violences masculines, de manipulation, d’exploitation. Mais, dans la chanson comme dans la pièce, les femmes ouvrent les yeux, résistent aux tentatives des hommes de les mettre en division, et finalemente s’allient toutes ensemble pour s’organiser, s’évader, s’émanciper ! À chaque fois cette sororité espiègle se traduit en victoire totale, les hommes rendus impuissants perdent ainsi leur capacité de noues nuire, et dans un monde entre femmes, les jours d’euphorie, d’amusement et de jubilation commencent !

Noues avons voulue entre autres, je crois, toutes les deux avec notre art, faire rêver les femmes à une émancipation féministe et sorore désirable !

T.M. – Est-ce que la fin sorore que tu as choisie ne peut pas être envisagée comme un enfermement ? Comment tes héroïnes et toutes celles qui les rejoignent sèmeront-elles la révolte et l’égalité dans l’univers si elles restent entre elles ? Ou est-ce une étape, afin de jouir enfin d’une vie tranquille, avant de retourner, soudées, heureuses et flamboyantes, au combat contre le patriarcat ?

T.D. – Pour moie c’est le système patriarcal qui constitue notre enfermement. 

Vivre entre femmes, enfantes et personnes animales, dans la nature, réinventer un monde en paix et durable, là se situe en revanche le bol d’air et la liberté, enfin !
Le simple fait de laisser courir la rumeur qu’une telle monde pourrait exister, heureuse, sans oppression, sans oppresseur, ouvre comme un pan d’horizon dans les consciences des femmes, jusque-là très interdit, même de pensée.

Vivre sans homme, ces hommes qui mettent tant d’énergie à faire la publicité du fait qu’ils noues seraient si indispensables, mais vous n’y pensez pas ?

Je pense que cette idée seule sème la révolte, en ancrante dans la tête de chacune que la solution ne viendra jamais d’eux. Mais bien de notre nécessaire union entre opprimées, qui créera le rapport de force suffisant pour ne plus laisser d’autres choix que celui de l’abolition de l’ensemble des violences et des discriminations quelles qu’elles soient (de tout ce qui constitue donc le système social en patriarcat).

Il ne s’agit donc pas de retourner lutter contre le patriarcat “ensuite”, car les Héroïnes des « Contes à Rebours », dans leur château sorore, n’ont jamais cessé de lutter en vérité. Noues aimer noues-même et les unes-les-autres, noues rassembler, noues organiser, noues soigner, noues entraider, noues rendre heureuses, noues préférer enfin, constituent à la fois des victoires, des inspirations pour les autres femmes, et des armes de combat très puissantes contre le patriarcat.

Parvenir à créer cette sororité politique, réelle, forte, est pour moie LE principal défit des années à venir, et la clé de notre désaliénation.
Alors pour commencer, avec mes outils d’artiste engagée, aujourd’hui, en patriarchy, je propose de la rêver, cette utopie féministe et sorore, jubilatoire et victoRieuse, de la fantasmer, de la désirer !

Tant que les violences masculines seront si massivemente commises par les hommes, banalisées, souvent érotisées et impunies, je ne vois pas d’autres choix que d’entrer en lutte féministe radicale ! 

Ensuite, quand l’ensemble des violences et des discriminations patriarcales seront abolies, quand la non-mixité ne sera plus tant une urgence et une vitale nécessité… alors les petites soeurs qui noues suivront aviseront. 😉 Je leur fais confiance.

T.M. – Quelles sont tes intentions (scène, écriture, autre) ?

T.D. – Je souhaite continuer de jouer mes trois spectacles féministes partout en France et à l’étrangère, en ligne et en scène, suivante ce que noues imposera encore la pandémie. Je propose Contes à Rebours d’une part, spectacle qui existe d’ailleurs en différentes versions (pour adultes, pour enfants ou ado, en version humour ou centrée sur différents thèmes, etc). Je joue aussi La Pérille Mortelle, ma one-feminist-show humoristique, où je revisite l’actualité et les attaques anti-féministes, toute en m’exprimante « à la féminine universelle » (l’équivalante féminisée du masculin universel qui est encore tranquillement appris aux enfant·es à l’école primaire aujourd’hui). Égalemente Opinion d’une femme sur les femmes manifeste féministe brillant de l’autrice de notre matrimoine Fanny Raoul.
J’ai aussi comme projet de rééditer Contes à Rebours, qui est paru en livre en 2016. Je souhaite y ajouter à la précédente édition les personnages qui sont nées en scène depuis, ainsi que différents autres textes en annexe, comme mon discours sur les féminicides pour lequel j’ai été lauréate du prix Gisèle Halimi lors du concours d’éloquence de la Fondation des Femmes avec France Culture.

Par ailleurs, j’écris et tourne des vidéos sur différents sujets via ma chaine YouTube2 et les différents réseaux sociaux, mon rêve étant un jour d’avoir une chronique dans les médias du service public, pour proposer régulièremente une lecture résolumente féministe de l’actualité et des grands sujets de société… « Elle était une fois l’actue » ? « La chronique à l’endroit de Typhaine D » ? Je compte bien y parvenir, car si heureusemente de plus en plus de femmes portent une voix féministe dans les médias, une parole d’autrice, comédienne et militante féministe radicale de longue date, formées notamment sur la question des violences par des organisme comme l’AVFT et le CFCV, apporterait un point du vue nécessaire et encore bien trop rare aux oreilles française !
Cela fait des années que j’y pense, que je tourne autour du micro : je sais que j’ai quelque chose à faire à Radio France.
Je suis égalemente engagée auprès de Sandrine Rousseau dans sa campagne pour la présidentielle de 2022, qui présentera le premier projet politique de l’histoire résolumente éco-féministe !

De plus, je continue de donner des formations en entreprise, pour les syndicats ou associations ou encore en individuelle, d’une part sur les questions d’égalité femmes-hommes et de prévention des violences sexistes et sexuelles, notammente dans le monde du travail ; et d’autre part je suis coach en assurance dans la prise de parole en public et tout ce qui peut aider à une meilleure estime de soi, et à un développement épanouissant des parcours personnels et professionnels.

Enfin, je suis en discussion avec une maison d’édition pour de nouveaux livres… Un recueil de nouvelles féministes cette fois sur un thème précis que je garde encore pour moie… Un album pour enfants en martenariate avec d’autres artistes féministes… Je ne vous en dis pas plus, mais j’y travaille chaque jour !

Et dans toute cela, si je pouvais continuer à trouver parfois le temps de lire, d’écrire, de composer, de peindre, de chanter, de déguster, de me faire plaisire, de rencontrer, de découvrir, de comprendre, d’apprendre, de m’informer, d’aimer, de me nourrir, de me promener dans la nature avec mes chien·nes… je serais comblée !

Typhaine D

1 https://www.typhaine-d.com/index.php/actualites/135-sortie-du-livre-contes-a-rebours

2 https://www.youtube.com/c/TyphaineDsoeurciere

Pour en savoir plus : https://www.linktr.ee/typhained

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, Typhaine D, « Sororités comblées – Interview de Typhaine D », Voyages autour de mon cerveau, janvier 2021. URL : https://vadmc.hypotheses.org/1139

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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