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Quadrilatère enchanté VADMC

Le Quadrilatère enchanté

Texte écrit dans le cadre d’un atelier d’écriture « voyage » organisé par l’autrice Aurélie Le Floch (interview à retrouver ici) au printemps 2021.

Mes lieux parisiens favoris sont, à l’exception du Sacré-Cœur – qu’il serait bon de déconstruire enfin, en le remplaçant par un monument à la fois joli et à la mémoire des Communard·es assassiné·es à cet endroit, ceux d’une touriste lambda. Or donc, être une touriste lambda (et non delta ou oméga), c’est venir en week-ends/vacances dans la capitale.

Les samedis à Paris se déroulaient de façon quasi identique, mais avec suffisamment de diversité pour que l’excitation règne à chaque fois. Mes parents et moi-même commencions par nous garer au parking des Halles, avec une plaisanterie devenue rituelle au fil des années et passée dans le langage familial : « Va-t-on avoir la place A5 ? », écourtée en « A5 ! » C’est-à-dire, la place A5 sera-t-elle disponible cette fois-ci ? « Place A5 » est alors devenue le symbole de « place de parking bien placée et suffisamment spacieuse pour s’y garer ». Ou de toute autre place rituelle, à la montagne, à la mer… Atmosphère joyeuse, donc. Après un peu de shopping à la FNAC, nous allions déjeuner soit chez Tarte Julie (tarte salée, tarte chocolat-amandes, tarte chocolat-orange, tarte chocolat-chocolat…), soit dans un restaurant bio et végétarien juste à côté des Halles. Par contre, les après-midis étaient fluctuantes. Au début, j’accompagnais mes parents à une exposition puis au cinéma, avant que nous terminions la journée à la crêperie-glacerie-saladerie Villefeu, entre Beaubourg et les Halles (glace à la rose, glace à la rose, glace à la rose), avant d’aller au spectacle au Théâtre de la Ville ou à Chaillot.

Lorsque j’atteignis l’âge de quinze ans, nous intervertîmes notre programme, ce qui me permit de prendre un peu d’indépendance : expo ou cinéma le matin, déjeuner, puis… au Quartier pour l’après-midi ! Délices du pillage de Gibert Jeune et Boulinier, et de l’écumage du Grand Action, de l’Action Ecoles, du Champo, du Champollion, du ? (celui juste au-dessus du Champollion), de l’Accattone, puis, plus tard, de l’Action Christine.

Séances de cinéma de classiques sans pub, mais dans les Action avec les bandes-annonces de l’époque, en anglais, en couleurs ou en noir et blanc, mais toujours en majuscules, en caractères trente-six, avec mille et un points d’exclamations et une avalanche d’adjectifs. Bref, il fallait ab-so-lu-ment voir Niagara, The Big Sleep et tant d’autres, « la semaine prochaine », « bientôt sur vos écrans ». Un micro-spectacle sur grand écran avant d’assister aux aventures de … qui déjà ? J’en ai tellement vu, sans compter les enchaînements de séances lorsque je passais quelques jours de vacances à Paris.

Et impossible de compulser mes souvenirs, j’ai jeté tous mes carnets intimes à vingt-cinq ans, un vrai soulagement à l’époque de jeter par-dessus bord tous ces souvenirs qui m’empêchaient d’aller de l’avant ! Disparus mes collages de billets d’expo et de cinéma, mes notes de lectures, de films et de mon quotidien. A moi la spéléologie mémorielle. Que va-t-il, qui va-t-il en ressortir ? Humphrey Bogart, Marilyn Monroe d’accord, mais ça c’est récent, dix douze ans maximum. Jouons à Perec : « Je me souviens… » de Cria Cuervos au Champo. Encore trop récent, j’étais à l’université à Dijon. Battements de cœur et La Vérité sur Bébé Donge au Champollion ? Pareil, j’avais une vingtaine d’années, sans doute comme le couple lorsqu’il avait vu Battements de cœur à sa sortie en 40 (et qui commentait l’apparition des personnages en les associant aux acteurs et actrices, jusqu’à ce que la dame se rende compte qu’ils gênaient le public). (Ceci étant dit, cela m’a servi, car je confondais alors Saturnin Fabre et Jean Tissier).

Ceci étant dit, suivons le fil du noir et blanc. J’y suis ! Mais bien sûr, comment oublier tant de fossettes au menton sur 1,90 mètre de haut : Cary Grant, Gary Cooper, James Stewart. Assorties de tellement de pétulance blonde, brune ou rousse (si si, en noir et blanc, on voit très bien les teintes de cheveux) : Irene Dunne, Myriam Hopkins, Myrna Loy, Katharine Hepburn. Tout ce qui me faisait rire aux éclats pendant une heure et demie, confortablement assise dans une petite salle bondée.

Après ces séances d’après-midi, j’avais encore le temps de compulser les boîtes des bouquinistes, mais pas ceux des quais, trop chers pour ma modeste bourse. Sans compter que je n’ai jamais eu de plaisir à acheter un livre de poche ancien au prix d’un neuf. J’arpentais donc le côté gauche – quand on vient de la Seine, justement – du boulevard Saint-Michel, après un tour chez Gibert Jeune. Gibert Joseph ne m’attirait pas, à cette époque-ci de mon existence, car ayant une façade trop rutilante. Je préférais le côté chaleureux et plus secret de Gibert Jeune, en face de la fontaine Saint-Michel. Je grimpais allègrement les escaliers de la librairie, jusque’à me trouver devant mes rayons favoris, à savoir les présentoirs des éditions 10/18. Je m’y immergeais avec bonheur, feuilletant là un Lilian Jackson Brown (série Le Chat qui…), ici un Ngaio Marsh (série de l’inspecteur Alleyn), ici un Van Gulik, là encore un P.G. Wodehouse – prononcez Pi-Dji. à l’anglaise, comme si vous étiez PetitJean l’ours brun du Robin des bois de Disney lorsqu’il joue au lord pour tromper le prince Jean. Ou hésitant entre un Miss Silver (Patricia Wentworth) ou un Miss Seeton (Heron Carvic) : histoire romanesque et féministe, ou femme innocemment déterminée qui fait hurler de rire la lectrice que j’étais ? OU les deux ?

Joie aussi de trouver Babitt, du Nord-Américain Sinclair Lewis, découvert grâce à mon professeur d’histoire-géographie de Troisième, Monsieur Rousseau (époux d’une des bibliothécaires de ma ville natale, tout se tient), de l’acheter et de découvrir que l’intégralité du roman est aussi joyeusement féroce que l’extrait que Monsieur Rousseau nous avait lu en classe, lors du cours sur les années vingt et la Grande Dépression. Les Anne Perry, j’ai commencé par les trouver en occasion, puis, le temps venant, je les ai pris lors de leur sortie, trop impatiente de continuer ses deux séries phares, celle des Pitt et celle des Monk, sans parler de la pentalogie des Reavley, pendant et après la Première Guerre mondiale.

Les tranches étaient ridées, certaines pages cornées par les vandales qui les avaient possédées auparavant, mais j’étais heureuse d’en devenir propriétaire. Et de pouvoir en commencer un, si j’avais fini le livre que j’avais avec moi, juste avant le spectacle de danse contemporaine que nous allions voir, après avoir dîné dans une pizzeria, après la fermeture de Villefeu. En effet, j’ai toujours pensé qu’avec un livre (de poche), un paquet de mouchoirs et un portefeuille garni, on peut aller partout. Maintenant, j’y ajoute un carnet et un stylo, afin de pouvoir continuer ou commencer un article.

Pour terminer la journée, place donc à Sankaï Juku, Sacha Waltz, Gallota, la compagnie Hervieu-Montalvo, Sibi Larbi Cherkaoui, Karine Saporta (vue une première fois à Arles un été 90 ou 91), Jan Fabre, Mathilde Monnier, ou même, une unique fois, à Angelin Preljocaj, qui ne s’était malheureusement pas encore reconverti dans la danse classique. Sans oublier la compagnie Deschamps-Makeïeff, Philippe Découflé, Philippe Gentil et ses spectacles enchantés.

Tant de souvenirs, que je collais alors pieusement dans mes carnets intimes, à coup de billets d’entrée (musée, cinéma, théâtre), de commentaires appréciateurs ou pas, de descriptions de mes journées, le tout mis en page de manière la plus imaginative qui soit.

Aujourd’hui, toutes ces mémoires papier sont enfuies, parties à la poubelle lorsque j’ai eu vingt-cinq ans, lassée de ce poids de souvenirs. Reste une impression de plénitude et d’étoiles aux yeux, quand je repense à tout ce que j’ai vu et senti lors de ces fins de semaine culturelles.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Le Quadrilatère enchanté », Voyages autour de mon cerveau, septembre 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/11668

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Etrange étranger, Peter et Eliott le dragon 1977 VADMC

Étrange étranger, Peter et Elliott le dragon 1977

Que peut-il se passer quand on s’installe dans un nouvel endroit ? Surtout dans une petite ville de province, où tout le monde se connaît depuis toujours et a du mal à accepter des étrangers. Le jeune Peter et son dragon Elliott en font l’expérience dans le film éponyme de Don Chaffey en 1977. Nous nous intéresserons ici à la première version française, avec le premier doublage et les paroles françaises de Pierre Delanoë, différente du film originel et de la seconde version française.

Acheté par la famille des Gogan (le père, la mère et les deux fils adultes), Peter est mal nourri, battu et accablé de corvées. Une créature, fantastique à tous points de vue, lui porte secours. C’est un dragon, Elliott. Géant, massif, le corps vert et la chevelure rose, il est le sauveur et le bon génie du jeune garçon. Elliott a également la particularité de se rendre invisible.

Sauveur d’enfants en détresse, comme la même année les souris Bernard et Bianca, il quittera Peter à la fin du film pour se rendre auprès d’un autre enfant. Entre-temps, le bon dragon aura trouvé une famille aimante pour Peter, aux confins de Passamocoidy.

Cette petite ville de pêcheurs accepte mal l’arrivée de ces deux étrangers. Peter est surnommé « l’enfant au dragon » et moqué, car Elliott, alors invisible, est considéré comme un produit de son imagination. Même Nora, jeune fille habitant avec son père âgé, Lampil, dans un phare, ne croit pas à l’existence d’Elliott. Après voir ramené Peter au phare, à l’abri, elle tente de le raisonner, de manière psychanalytique, en le rassurant sur son avenir, en lui disant qu’il n’a plus besoin d’un ami imaginaire.

Ce n’est pas un hasard si ce trio humain se trouve à vivre ensemble : Peter, parce qu’il vient d’arriver et qu’il doit faire ses preuves d’intégration ; Nora, parce que non mariée, fidèle à son fiancé perdu en mer et se débrouillant fort bien seule ; Lampil, parce qu’alcoolique, ne parvenant pas à persuader les habitants de Passamaquoddy de l’existence d’Elliott. La position surélevée du phare en fait un lieu à part, où le lien social est possible sans heurts, contrairement à la vie en ville. Et le film se clôt sur des vues aériennes du phare qui scintille.

On retrouve une trame similaire dans La Belle et la Bête (Gary Trousdale, Kirk Wise, 1991) : Belle et son père Maurice, un inventeur, habitent à l’écart du village et sont considérés comme anormaux par les villageois ; Belle finit par apprécier la vie retirée au château ; Maurice n’arrive pas à convaincre les villageois qu’une Bête retient sa fille prisonnière. Et Gaston, coq de village et méchant de l’histoire, n’y voit qu’un moyen de pression sur Belle, en faisant passer Maurice pour fou. Gaston sait très bien, aussi, monter les villageois·es contre la Bête, et contre Belle, une fois que cette dernière leur a prouvé l’existence de la Bête, qu’elle décrit comme inoffensif et gentil.

Dans Peter et Elliott, c’est l’infâme Docteur Terminus qui rassemble la colère des pêcheurs contre le dragon, qu’ils accusent de faire fuir le poisson. Terminus, charlatan de haut vol, s’abouche également avec les Gogan, qui veulent récupérer Peter et qui sont en rage contre Nora. La jeune fille, cheveux tirés et vêtue d’un pantalon noir à pattes d’éléphant, plus hippy que début du vingtième siècle, a protégé le garçonnet et leur a dit leur fait, dans la séquence chantée « Un acte de vente ». Nora tient tête aux quatuor d’affreux, sales et méchants, dont la partie masculine (le père et les deux fils) voudrait bien « se charger d’elle », comme ils le disent en se passant la langue sur les lèvres. La famille finit par tomber à l’eau, ce qui n’est pas une nouveauté pour l’actrice jouant madame Gogan, Shelley Winters, qui a déjà finit noyée dans Une place au soleil (A Place in the Sun, George Stevens, 1951). Mais l’acte de vente de Peter existe toujours, la menace Gogan n’est pas écartée. Le Docteur Terminus, lui, veut capturer Elliott pour le dépecer et le transformer en mixtures et autres philtres infâmes.

Que ce soit en 1977 ou en 1991, une figure masculine et malfaisante tente de nuire aux héros et héroïne, aidée par une quasi totalité d’hommes.

L’assistant de Terminus, Hoagy, lui, est terrifié par Elliott. Il l’envisage comme un monstre, à l’instar de Lampil. L’ancien marin entraîne son nouvel ami dans la grotte où vit Elliott. Réveillé en sursaut par l’irruption des deux alcooliques, le dragon est effrayé par la description que fait Lampil :

(…) une chose horrible, un monstre. (…) il est énorme, même qu’il fait quinze mètres de haut, avec des griffes partout, de quoi déchiqueter un homme en lambeaux (…) il a des yeux diaboliques qui voient à travers vous. (…) Un faciès si terrible qu’il y a de quoi en rester pétrifié. (…) Des flammes si puissantes qu’on y rôtirait une dinde. Une mâchoire terrible qui vous déchiquetterait un homme en entier.

Bien sûr, Elliott ne comprend pas qu’on parle de lui, puisque rien ne lui correspond, ni physiquement, ni psychologiquement. Comme tout bon raciste, Lampil exagère son idée de la différence (ici, différence d’espèce) pour se faire peur et faire peur à son alter ego. En outre, Lampil a ainsi du pouvoir sur quelqu’un et peut se sentir, enfin, important, lui l’ivrogne dont on se moque ou dont on a pitié. Dans la grotte, la terreur est à son comble de part et d’autre, puisqu’Elliott, angoissé, se rapproche des deux hommes, qui hurlent de peur en le voyant, à la confusion d’Elliott, qui se découvre horrible et terrifiant. Toujours pris dans leur délire raciste, Lampil a une idée : faire boire à Elliott la flasque de Hoagy. Si ce n’est que l’alcool fait cracher des flammes à Elliott, avant de l’épuiser. Lampil et Hoagy s’enfuient piteusement, ayant réussi à transformer le dragon en entité redoutable, collant à leurs fantasmes.

Il faut chercher du côté d’une femme, Nora, pour que le racisme soit dénoncé. D’un caractère bien trempée, Nora ne cède ni aux intimidations des Gogan (chassés au final de la ville par Elliott, après avoir brûlé l’acte de vente de Peter), ni à celles de Terminus (envolé avec Hoagy sous d’autres cieux), ni aux tentatives de harcèlement dont elle est l’objet de la part de certains hommes de Passamocoidy. Elle fronce les sourcils quand un garçon pousse une de ses camarades de l’école. De même, elle s’obstine à croire que son fiancé Paul est vivant, alors que son père lui conseille de faire son deuil et de passer à une autre histoire d’amour. C’est sa foi en Paul qui paye, puisque celui-ci revient, guidé par la lampe du phare, allumée par Elliott en pleine tempête nocturne. Nora, enfin convaincue de l’existence du dragon, qui s’est rendu visible, lui « fait une bise sur le bout du nez » (du menton). Confus et intimidé, Elliott tremble, balbutie et s’enfuit, à nouveau invisible. Et, le lendemain matin, Nora peut enfin se jeter dans les bras de son fiancé, sous l’œil attendri des pêcheurs, revenus à de meilleurs sentiments depuis qu’Elliott leur a apporté des bancs de poissons. Comme dans Vaiana (Ron Clements, John Musker, 2016), la survie de la communauté dépend de la pêche, sans que soient évoquées de possibles retombées écologiques.

Mais avant toutes ces bonnes actions, Nora, cheveux lâchés et vêtue d’une robe blanche à pois noirs, chante la fraternité et le bon accueil des immigré·es aux enfants de l’école de Passamoicoidy, dont Peter, qu’elle emmène en promenade sur le port :

Y’a du bonheur pour chacun au monde

Avec un semblant d’amour

Nous sommes tous solidaires au monde

Vivons en paix toujours

Car même un dragon a droit aussi d’avoir son chez lui

Mais sans haine, sans chaîne, il faut qu’il puisse vivre !

Laissez-lui sa part de chance !

Que sa maison ne soit jamais une prison ! (….)

Un dragon c’est un étranger qui recherche un ami (…)

Tout homme ici-bas a le droit de dormir sous un toit 

Le texte français instaure un équivalent entre dragon et humain étranger, dont l’hospitalité doit aller de soi. Pas de sans-logis dans cette ville ! C’est aussi un appel à la solidarité, au sein de la cité, autant vers 1900 qu’en 1977. Nora pousse les écolier·es, filles et garçons mêlés, à être plus intelligentes que leurs parents (encore que les mères soient quasiment absentes de la narration), tout en appelant à la paix sociale. Dans le contexte des années soixante-dix, en français, elle invite à la paix tout court, après des années de guerres coloniales, tant sur le continent asiatique qu’africain. Les jeunes générations, juchées sur des manèges, des balançoires et un mât de bateau, chantent en chœur, dans une unité joyeuse qui n’est pas sans rappeler le final de Grease (Randal Kleiser, 1978) un an plus tard :

Oh, comme ce ciel

Est plein d’espoir !

Chacun en a une part (…)

Donne aussi un p’tit peu de ton coeur

Les enfants bannissent le racisme de leur esprit et de leur âme, tout en s’ouvrant à l’autre. Adulte et enfants forment aussi une ronde, où Elliott, invisible, prend place. Symboliquement, elles et ils entourent l’immigré et le protègent de la « haine ». Venir à l’autre, c’est faire la fête avec lui.

Comme toujours chez Disney, au final, c’est le bonheur qui prédomine. Car, oui :

C’est une belle et chaude journée

Toute une vie de joie en quelques instants

Tant de belles et belles années commencent maintenant

Suivons le soleil en chantant !

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Étrange étranger, Peter et Elliott le dragon 1977 », Voyages autour de mon cerveau, juin 2023. URL : https://vadmc.hypotheses.org/9885

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Les Aristochats, remake de New York-Miami ?

Genre : miaous in love.

Les Aristochats, vingt-cinquième long-métrage des Studios Disney (1970), n’est pas uniquement une comédie policière et une comédie romantique. C’est aussi, dans une certaine mesure, le remake de New York-Miami (It Happened One Night, 1934), film de Franck Capra.

Dans ce film trépidant, la riche héritière Ellen Andrews (Claudette Colbert) parcourt les États-Unis d’ouest (Miami) en est (New York) afin de retrouver clandestinement l’homme qu’elle aime, le bellâtre King Wesley (Jameson Thomas). Dans son odyssée, elle est accompagnée de Peter Warne (Clark Gable), journaliste alcoolique qui flaire le scoop du siècle. Bien évidemment, la bourgeoise et l’homme de la rue vont se disputer tant et plus, avant de se rapprocher, puis de se séparer sur un malentendu. Et, bien entendu, ils finiront ensemble, in extremis.

La ressemblance physique entre Clark Gable et Thomas O’Malley a été soulignée dès la sortie du film1. Elle est tout à fait visible, par exemple, à la fin du film, lorsque Madame de Bonnefamille (tout un programme) coiffe O’Malley d’une raie au milieu de la tête. L’anthropomorphisme du dessin le fait alors semblable à Clark Gable dans ses meilleures mimiques d’air surpris.

Duchesse, par contre, n’a ni l’allant ni le punch de Claudette Colbert/Ellen Andrews. Cependant, leurs personnages se ressemblent, car, très jolies, elles se laissent guider par leur mâle favori, O’Malley pour l’une, Warne pour l’autre. Vu depuis cet angle, le scénario des Studios Disney est bien plus réactionnaire, en pleine poussée néo-féministe, que celui de Robert Riskin pour le film de Capra, tourné quinze ans après l’obtention du droit de vote pour les femmes.

En effet, Duchesse ne prend aucune initiative, sauf lorsqu’elle se trouve enfermée dans un sac, puis dans la cuisinière avec ses chaton·nes à la fin du film, et qu’elle demande à la souris Roquefort d’aller quérir O’Malley. Par contre, Ellen sait se transformer en objet sexuel au bord de la route, afin qu’un conducteur s’arrête et la prend en stop ainsi que Peter. Plus haut dans le film, elle sait, presque, repousser le harcèlement sexuel d’un passager du bus qu’elle a pris pour rejoindre son fiancé King. Au tout début du film, elle se jette à l’eau pour partir à l’aventure, à l’instar de Jacqueline Vignol (Danielle Darrieux) dans Mademoiselle ma mère (Henri Decoin, 1937). À la fin, elle finit par refuser, au pied de l’autel, d’épouser son promis qu’elle n’aime plus et court rejoindre Warne. Tout cela n’en fait cependant pas un film féministe, pas plus que celui de Disney.

Les ressemblances sont ailleurs. Duchesse et Ellen sont confrontées à des choix amoureux, dans une difficile balance entre fidélité et nouveauté stable. Le but de Duchesse dans Les Aristochats est de retourner chez elle, c’est-à-dire auprès de son humaine, Madame de Bonnefamille. Celui d’Ellen est de retrouver son King adoré et de se marier avec lui. Toutes deux rencontrent un charmant chenapan, qui connaît mieux la vie qu’elles-mêmes et auprès desquels elles  sont en sécurité lors de leur trajet vers leur nouveau bonheur.

Celui-ci est jalonné d’incidents divers, plus ou moins comiques. Au harcèlement sexuel dans le bus et à la fessée donnée à Ellen par Peter (dont Simone de Beauvoir notait la violence dans Le Deuxième Sexe2, sous couvert de remettre à sa place une fille de riche) répond en un écho diffracté les peurs de Duchesse quand le laitier lui crie dessus et qu’elle doit sauter très rapidement du camion avec ses enfants, puis quand le train arrive et qu’elle serre ses enfants contre elle, et lorsque sa fille Mary tombe dans le courant du fleuve depuis le pont du chemin de fer. Peurs que montre moins O’Malley.

Plus drôles, quoique aussi significatives du patriarcat en acte, sont, d’une part, la remise à sa place d’Ellen dans la file d’attente des douches du camping par les femmes de la classe populaire (la démocratie en acte) et la réprobation des oies, touristes britanniques en mal d’exotisme continental, face au non-mariage de Duchesse et de Thomas, pourtant pourvu d’enfants, dont un petit rouquin, Toulouse, qui a la même initiale de prénom, la même couleur que O’Malley et le même caractère aventureux. Apprenant que Thomas est simplement un accompagnateur et non un père ou un beau-père, les jumelles oies chaperonnent Duchesse. De même, inconsciemment, les passagères et passagers du bus chaperonnent Ellen.

Et dans les scènes à deux, soit ce sont les couvertures « trompettes de Jéricho » qui sauvegardent la virginité d’Ellen dans le mobile-home (gag repris par François Truffaut dans Les Deux Anglaises et le Continent en 1972), soit c’est la présence en arrière-plan de Mary, Berlioz et Toulouse qui désexualise le duo amoureux de Thomas et Duchesse sur le faîte des toits parisiens, par une belle nuit étoilée.

Formation de couples solides d’une part (Ellen et Peter, Duchesse et Thomas), évacuation des méchants intéressés d’autre part (King, Edgar), tout en retrouvant les gentil·les (le père d’Ellen, Madame de Bonnefamille), le voyage est riche en apprentissages et influe sur le retour au bercail des héroïnes.

Cet heureux dénouement – puisque un retour chez soi est forcément bien – n’est possible que parce qu’un homme de leur âge leur a fait découvrir un univers différent du leur : la longue coulée populaire étasunienne aux temps de la Grande Dépression (New York-Miami), versus la bohème cosmopolite française du début du vingtième siècle (Les Aristochats).

Les réalisateurs sont fidèles à leur centre d’interêt, tous deux situés à droite de l’échiquier politique USA. Capra trace le portrait de gens ordinaires en proie aux désordres sociaux et que seule une gestion collective et le respect des institutions garantissent contre la pauvreté et l’anarchie, comme il l’a déjà fait dans La Ruée (1932), description qu’il poursuit avec L’Extravagant M. Deeds (1936), Vous ne l’emporterez pas avec vous (1938), M. Smith au Sénat (1939), L’Homme de la rue (1941), et, bien entendu, La Vie est belle (1945). Comme souvent, le personnage féminin est snob et doit apprendre à vivre loin des fausses valeurs de la richesse-cocon et du mépris de classe. Ellen découvre une vie quotidienne difficile et peu confortable, qu’elle semble adopter à la fin du film, en revenant avec Peter dans le mobile-home où ils ont déjà passé une chaste nuit, plus haut dans le film.

Chez Disney, outre la valorisation de la famille et du couple, on louche toujours autant vers l’Europe, sa littérature et ses beaux-arts3, mais cette fois au sein de la narration et sans trop de racisme4. Loin du roi-singe à la voix de musicien de jazz du Livre de la Jungle (1967), et en attendant la fête politique5 de Robin des Bois (1973), Duchesse et ses chaton·nes découvrent le Paris des artistes, celui de Maurice Chevalier et celui des musiciens immigrés, au sein duquel Walter-Giuseppe-Désiré-Thomas O’Malley (Abraham-De Lacey-Giuseppe-Casey en VO) se trouve comme un chat devant un bol de crème.

Maurice Chevalier ouvre le film, en voix off chantée. Symbole du French Lover dans les années trente à Hollywood, puis, entre autres, oncle bourgeois, sémillant et parisien dans le Gigi de Minelli en 1958, qui se déroule au début du vingtième siècle, il prête son talent à la chanson-phare des Aristochats, lorsque la calèche de Madame de Bonnefamille dépose toute la famille à demeure, loin de la marche harassante de Duchesse, O’Malley et des chaton·nes tout au long du film. Un clin d’œil à l’origine populaire de Chevalier et à son symbole de chanteur, le canotier, surgit lors de la fête endiablée dans la « piaule » (VF) de Thomas : Berlioz et Toulouse dansent sur le chapeau, qui s’effrite sous leurs pattes. Malice des scénaristes et des dessinateurs, qui souhaitent montrer que la verve de Maurice n’est pas en phase avec le scat ? Ou, au contraire, qu’il est partout ? Pique nord-américaine vis-à-vis d’un artiste européen ayant fait une carrière internationale ? Dans tous les cas, Maurice est présent dans les deux classes sociales représentées dans Les Aristochats.

Et la fameuse scène de la fête cosmopolite, loin de la ségrégation en vigueur aux USA au début du XXe siècle, chez O’Malley (dont la multiplicité des prénoms atteste d’un enracinent mondial), permet l’entente au-delà de la différence ethnique, et ce, grâce à la musique. N’oublions pas Duchesse, qui se fait entendre, seule femme parmi les hommes de sa génération, via une harpe. Le classique, musique aristocratique et bourgeoise, envahit un instant l’espace populaire, avant que le scat ne reprenne de plus belle, pour une nuit de folie, de chants, de danses et trémoussements divers et variés, pour notre plus grand bonheur.

Bonheur ravivé à l’extrême fin, alors que O’Malley, tout comme Warne, a intégré sa nouvelle classe sociale. Car, comme dans New York-Miami, c’est finalement le populaire qui l’emporte sur la bourgeoisie, la multiplicité sociale sur la classe unique, le mouvement sur le statique. Peter emporte Ellen loin de l’autel où, poupée blanche, elle allait se figer à nouveau au sein de sa classe, pour une nuit et un voyage de noces – et plus, peut-être – en compagnie des gens du peuple. Madame de Bonnefamille agrandit sa famille avec Thomas, sa bande de chats de gouttière, ainsi que les chiens de campagne Napoléon et Lafayette. C’est alors que son sous-sol, telle une cave pré-existentialiste, peut retentir des rythmes sonnants et trébuchants du scat, dans un final stroboscopique.

Deux belles fins pour deux deux films similaires, qui nous laissent essoufflé·es, mais heureuses et heureux d’avoir participé à toutes ces aventures.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Les Aristochats, remake de New York-Miami ? », Voyages autour de mon cerveau, septembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/6452

1 https://news.google.com/newspapers?nid=2194&dat=19701218&id=kr0yAAAAIBAJ&pg=2560,1843732&hl=en

2 Simone de Beauvoir, Le Deuxième Sexe. II., Paris, Gallimard, 1987, p. 105.

3 Cf. notre article « Le labyrinthe forestier : Walt Disney, Eric Rohmer, Grégoire Leprince-Ringuet », Voyages autour de mon cerveau. URL : https://vadmc.hypotheses.org/71

4 Fleur Hopkins-Loféron, « Disney en débat », Disney Héritage, La Septième Obsession, hors-série n°8, p. 127-128.

5 Cf. notre article « Robin des Bois, Disney politique ? », Voyages autour de mon cerveau. URL : https://vadmc.hypotheses.org/6274

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Sylvestre et Brétecher VADMC

Les temps changent : A. Sylvestre et C. Brétecher

La deuxième vague des féminismes du vingtième siècle a renouvelé les discours frondeurs des femmes, comme en témoignent, parmi mille autres, la chanson « Bergère» d’Anne Sylvestre (Une sorcière comme les autres, 1975) et les aventures de la princesse Cellulite de la bédéaste Claire Brétecher (publiées entre 1969 et 1977).

La bergère d’Anne Sylvestre et la gente dame de Brétecher utilisent à plein leurs libertés langagières et sexuelles, au grand dam des hommes, qui ont parfois du mal à comprendre que les temps changent.

Cellulite est laide, grossière, jure et attrape les hommes comme des mouches, du moment qu’ils lui ont tapé dans l’œil. La mauvaise foi est son quotidien, de même que les hurlements à la moindre entrave à ses désirs. Très attachante dans sa joyeuse démesure, elle est l’anti-Disney, graphiquement et psychologiquement.

De même pour la bergère, qui se fiche de son physique anti-Fragonard et anti-Boucher, tout en profitant de l’existence. Elle récuse la dépréciation du noble qui la courtise en lui renvoyant à son physique au minimum banal :

Ce que votre grand père

Ne vous a pas expliqué

C’est que je les préfère

Un peu mieux baraqués

Elle pique là où ça fait mal, soit la supposée puissance sexuelle de l’homme qui la drague. Comme chez Cellulite, ce ne sont plus les hommes qui « condescendent » à s’intéresser à telle ou telle femme, jaugée à l’aune de son physique et du mythe de la féminité en cours (voir l’analyse de Simone de Beauvoir à ce sujet dans Le Deuxième Sexe), mais la femme qui décide quel sera son partenaire sexuel. Et bien sûr, pique d’Anne Sylvestre à cette occasion, puisqu’elle reprend les clichés associées aux militantes féministes : peu gracieuses, sans poitrine pigeonnante et sales – un cliché déjà utilisé vingt ans auparavant par les anti-existentialistes pour mieux ridiculiser les jeunes femmes de Saint-Germain-des-Prés.

La bergère et Cellulite luttent contre des stéréotypes genrés qui les relègueraient dans la case « victime », « laissées-pour-compte », et prennent la parole sur le mode allègre, humoristique et abrasif de leurs créatrices. Belle conclusion pour le « coq » macho que celle de la bergère, qui lui révèle que sa fiancée, elle aussi, n’est pas là à sécher sur place à attendre qu’il la « comble » lors de leurs prochaines noces :

Elle est pas mal du tout

Et puis elle est pas fière 

Elle s’amuse sans vous 

Avec mon petit frère

Dans le pré en dessous

La sororité, la lutte des classes et le libre désir ont vaincu le vilain miso. Et, pendant ce temps, Cellulite continue à vagabonder, à l’affût de chair fraîche, en toute sérénité, pour l’éternité, car, oui, les temps ont changé.

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Les temps changent : A. Sylvestre et C. Brétecher »,  Voyages autour de mon cerveau, septembre 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/6389

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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Robin des bois politique ?

Robin des bois, Disney politique ?

Sorti fin 1973 aux États-Unis, la version Disney de Robin des Bois ne prône pas tant la réconciliation peuple/roi que la désobéissance civile, tout en se moquant des puissants et de leurs fidèles collaborateurs.

Aux États-Unis, le Watergate bat son plein. La guerre du Vietnam est encore très présente dans le quotidien des Nords-Américain·es, malgré les Accords de Paris de janvier 1973. Les jeunes Américains manifestent pacifiquement avec les Américaines1, brûlent leurs cartes de conscription2, fuient parfois au Canada afin de ne pas partir assassiner des Vietnamien·nes3, ou se marient afin d’être mutés dans un pays de l’OTAN, comme c’est le cas dans le film Bobby (Emilio Estevez, 2006).

Cette situation explosive est présente dans le film des studios Disney, puisque Robin des Bois et son ami Petit Jean sont réfugiés dans la forêt de Sherwood, ferraillant contre le pouvoir en place, qui, entre autres, espionne les habitant·es sous couvert de récolter les taxes et de faire régner l’ordre.

La fiancée de Robin, Belle Marianne, se languit de lui, comme des centaines de jeunes femmes nord-américaines attendant des nouvelles de leur promis – et de leurs frères, cousins, amis. Leurs retrouvailles, lors du tournoi où Marianne a servi d’appât, sont l’occasion pour elle de se politiser (sic sexisme de base), en entrant en lutte aux côtés de son cher et tendre.

Robin et Petit Jean peuvent également être assimilés aux Vietnamiens qui défendent leur pays en luttant contre l’occupation étasunienne. L’attaque du carrosse du Prince Jean ainsi que l’incendie (par le Prince Jean) du château aboutissent à désarçonner l’adversaire, à sa chasse du territoire occupé et à son emprisonnement dans un camp à ciel ouvert, comme certaines prisons vietnamiennes4. Robin et Petit Jean mènent aussi des actions de guérilla contre le Prince Jean, son acolyte Triste Sire et son fidèle collaborateur le Shérif de Nothingham, sapant leur autorité et leur despotisme, qui est sans frein et totalement mégalomaniaque. Rappelons qu’au dernier tiers du film, l’ensemble de la population de Nothingham est sous les verrous, faute d’avoir pu acquitter les énormes taxes exigées par le Prince Jean. Et qu’il faudra toute la ruse de Robin et Petit Jean pour la délivrer.

Quant à la fête dans la forêt, pinacle du film5, elle en représente l’acmé politique. Les habitant·es sont réuni·es autour de Robin, de Belle Marianne, de Petit Jean et de Dame Gertrude.

Marianne accepte volontiers d’accorder ses pas avec celles et ceux qui l’invitent, abolissant brièvement les différences de classe, de race et de sexe, puisque, renarde de haute lignée, elle danse avec un chien, un cochon, une lapine et un hibou.

La chanson « The Phony King of England » ridiculise le Prince Jean, l’infantilise, le compare à une marionnette, et prédit que sa postérité sera désastreuse au regard de l’Histoire6, telle celle de Nixon. Les paroles appellent également au remplacement du Prince par Robin, donc d’un homme politique malhonnête par un autre, non corrompu. En 1973, Nixon n’a pas encore démissionné, mais les pressions sont fortes en ce sens.

Dans cette séquence de Robin des Bois, le coq-ménestrel, narrateur de l’histoire, est bien sûr présent, tel un Bob Dylan frondeur. En 1973, les « protest songs » (chansons contestataires) fleurissent toujours contre la Guerre du Vietnam7. L’art tente d’insuffler du courage et de la révolte aux jeunes qui refusent ce conflit colonial.

Si Robin et Petit Jean peuvent continuer leur lutte souterraine contre l’oppresseur, les habitant·es de Notingham payent cher le prix de leur rébellion, moine (Frère Tuck) compris. Et il faut toute l’habileté du renard en chef et de son compagnon ursidé pour les délivrer des geôles du Prince Jean. Ce dernier mérite son surnom de « phony king (…) calls for his Mum » (« faux roi qui appelle sa Maman »), car il ne trouve rien de mieux que de se mettre en rage et d’incendier le château maternel. C’est-à-dire qu’il se met lui-même en difficulté et se met lui-même à la porte de l’espace qu’il occupe indûment. Une façon comme une autre de régler son Œdipe, aussi.

Et tout est bien qui finit bien : la guerre est finie, le roi Richard (= le nouveau président) revient et pardonne à tous les insurgés : « Oh de lally, quel beau jour vraiment ! »

Pour citer cet article : Tiphaine Martin, « Robin des Bois, Disney politique ? », Voyages autour de mon cerveau, août 2022. URL : https://vadmc.hypotheses.org/6274

Tiphaine Martin

Résidant en Bourgogne, Tiphaine Martin est chercheuse en Lettres et Cinéma au Laboratoire Babel (Université de Toulon). Spécialiste de Simone de Beauvoir, elle est également membre du Comité éditorial des Simone de Beauvoir Studies.

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